Эпоха Возрождения

Этический и эстетический идеал Ренессанса - образ свободного, универсального, творческого человека, создающего самого себя. 

Существует  много разных мнений по поводу того, что же послужило социально-экономической  базой Возрождения, Другими словами, почему именно в эту эпоху сложились  общественно-экономические условия  для появления людей, деятельность которых создавала новое культурное движение? 

Со второй половины XIX в. (со времени классического  капитализма) Ренессанс стали связывать  с зарождением буржуазных отношений  и буржуазной культуры. В многообразии фактов экономической истории, культурной жизни, научной деятельности и художественного творчества стали выделять всё то, что могло свидетельствовать о буржуазных корнях Возрождения. Действительно, Возрождение совпадает с началом капиталистического производства и обмена. Но Европа стала буржуазной только через два столетия после заката Ренессанса. Наличие капиталистических элементов в экономике эпохи Возрождения, несомненно, но не им принадлежало господствующее положение. Культура Возрождения развивалось не ради власти денег. Политическая теория мыслителей Возрождения не была идеологией одного из сословий. Она стремилась к тому, чтобы защищать интересы человека вообще. Этот идеал нельзя считать исключительно буржуазным. 

Культура  Возрождения - культура свободных городов. Их самостоятельное развитие создало  благоприятные условия для освобождения человека от сковывающих рамок средневековых  традиций, норм и идеалов. 

Огромная  роль в формировании ренессансной культуры по-прежнему принадлежала церкви; особенно в художественном творчестве, архитектуре  и музыке. Церковь оставалась крупнейшим заказчиком и богатейшим меценатом. Феодальные монархи и патриции тоже содействовали развитию искусства. При дворах итальянских князей, которые  становились крупнейшими меценатами, создавались особые условия для  творческой деятельности ученых и художников, скульпторов и поэтов, философов  и музыкантов.  

Европейское Возрождение начиналось в Италии не только потому, что этому способствовали общественно-экономические условия  развития свободных городов. Положение  Италии в месте пересечения крупных  художественных областей Средневековья (Франции, Германии, Испании, Византийской империи), непрерывные войны на её территории, которые связывали её судьбу с этими странами, иноземное (прежде всего восточное) влияние  и возможность «культурного диалога» - все это приводило к разнообразию культурной жизни и появлению  новой оригинальной художественной культуры. Итальянское Возрождение  сообщало свои идеи и открытия мыслителям и художникам Франции, Германии, Англии и Нидерландов. 

Живопись  эпохи Возрождения 

Началом ренессансной живописи считают эпоху  Дученто, т.е. XIII века. Проторенессанс ещё тесно связан со средневековыми романскими, готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII - начала XIV вв. ещё далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, ещё использую условные образы византийской изобразительной системы - скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведён, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделённом свойствами реальности - объёмом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приёмов передачи на плоскости объёма и трёхмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей, фигуры и здания приобретают плотность и объём. 

По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа - серия росписей на темы Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчётливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи  

XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам.  Он почувствовал в них то, что  осталось недоступным его современникам, - гармоническое начало возвышенную  эллинскую красоту образов. 

Жесткость и схематизм уступают место музыкальной  плавности линий. Фигура Мадонны  уже не кажется бесплотной. В средневековой  живописи ангелы трактовались как знаки, как атрибуты Богоматери, они изображались как маленькие символические  фигурки. У Чимабуэ они приобретаю совершенно новый смысл, включаются в сцену, это прекрасные юные существа, предвосхищающие тех грациозных ангелочков, которые появятся у мастеров XV века. 

Творчество  Чимабуэ было исходным пунктом тех новых процессов, которые определили дальнейшее развитие живописи. Но историю искусства невозможно объяснить только эволюционным путем. Иногда в нём обнаруживаются резкие скачки. Великие художники предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи ХIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337) . Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей. 

Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто - цикл росписей в капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот уникальный живописный ансамбль - одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл. 38 сцен из жизни Христа и Марии («Встреча Марии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание» и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает формам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плотность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позволявший работать чистыми, яркими красками без темных теней, стал господствующим в итальянской живописи вплоть до ХVI века.  

Реформа, произведенная в живописи Джотто, произвела глубокое впечатление на всех его современников. 

Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства. Щедрость, размах художественного творчества в Италии ХV века создает впечатление небывалой творческой активности скульпторов и живописцев. 

Слава основоположника живописи Кватроченто  принадлежит флорентийскому художнику  Мазаччо, умершему совсем молодым (1401-1428). На его фресках фигуры, написанные по законам анатомии, связаны между  собой и с пейзажем. Его холмы  и деревья уходят в даль, образуя  естественную воздушную среду. Жизнь  людей и природы связывается  в еденное целое, в единое драматическое  действие. Это новое слово в  мировом искусстве живописи.  

Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей  в искусстве Италии. В нем существовало и боле консервативное течение. Художники  этого направления были монахами, поэтому в истории искусства  они получили название монастырских. Одним из самых известных среди  них был брат Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387-1455).  

Характерная черта живописи позднего Кватроченто - многообразие школ и направлений. В это время складываются Флорентийская, умбийская (Пьеро дела Франческа, Пинтуриккьо, Перуджино) североитальянская (Мантеньи), венецианская (Джованни Беллини) школы.  

Один  из самых выдающихся художников Кватроченто - Сандро Боттичелли (1445-1510) - выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников. 

В искусстве  Боттичелли происходит своеобразный синтез средневекового мистицизма с античной традицией, идеалов готики и Возрождения. В его мифологических образах  происходит возрождение символизма. Он изображает прекрасных античных богинь не в чувственных обликах земной красоты, а в романтических, одухотворённых, возвышенных образах. Прославившая его картина - «Рождение Венеры». Здесь мы видим своеобразный женский  образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников. Боттичелли удивительно сочетал языческую  чувственность и повышенную одухотворённость, скульптурную женственность и нежную хрупкость, изысканность линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Он один из самых поэтических художников в истории искусств. Он предпочитает символические, аллегорические темы, любит  мечтать, выражаться намёком. 

Ранний  Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим. 

Если  искусство Кватроченто - это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса - это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели  искусство к обобщению, к раскрытию  общих закономерностей. Главное  отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного  образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто  в грандиозном обобщении.  

Образ прекрасного, сильного духом человека составляет главное содержание искусства  того времени. В отличии от искусства  ХV века ему свойственно стремление постигнуть и воплотить общую  закономерность явлений жизни.  

Это была эра титанов Возрождения, подарившая мировой культуре творчество Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. В истории  мировой культуры эти три гения, несмотря на всю их несхожесть, творческую индивидуальность олицетворяют главную  ценность итальянского Возрождения - гармонию красоты, мощи и интеллекта. Их жизнь - свидетельство того изменения отношения  общества к творческой личности художника, которая характерна для эпохи  Возрождения. Мастера искусств стали  заметными и ценными фигурами в обществе, они справедливо считались  образованнейшими людьми своего времени. 

Эта характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрождения, подходит к Леонардо да Винчи (1452 - 1519). Он объединил в  себе художественный и научный гений. Леонардо был ученым, изучающим природу  не ради искусства, а ради науки. Поэтому  до нас дошло так мало законченных  произведений Леонардо. Он начинал  картины и бросал их, как только проблема казалась ему ясно сформулированной. Многие его наблюдения предвосхищают  развитие европейской науки и  живописи на целые столетия. Современные  научные открытия подогревают интерес  к его научно-фантастическим инженерным рисункам. 

Его «Мадонна в гроте» - первая монументальная алтарная композиция Высокого Ренессанса. Это  большая картина распространенного  в ренессансной живописи формата, который  напоминает окно, закругленное наверху.  

Новым этапом в искусстве была роспись  стены трапезной монастыря Санта  Мария деле Грацие на сюжет «Тайной вечери», который писали многие художники Кватроченто. «Тайная вечеря» - краеугольный камень классического искусства, в ней осуществлена программа Высокого Возрождения. Леонардо работал над этим произведением 16 лет. Громадная фреска, где фигуры написаны в полтора раза больше натуральной величины, стала примером мудрого понимания законов монументальной живописи, связанной с реальным пространством интерьера. В ней воплотились научные изыскания художника в области физики, оптики, математики, анатомии, необходимые для решения проблем пропорций и перспективы на огромном живописном пространстве. Главное же, гениальное произведение Леонардо обладает огромном психологической силой. Никто из художников, изображающих тайную вечерю до Леонардо, не ставил такой сложной задачи - через реакцию разных людей, индивидуальностей, темпераментов, эмоциональных откликов показать единый смысл этого великого момента. 12 апостолов, 12 разных характеров по-разному проявляют себя в момент душевного потрясения. Через их эмоциональные реакции, выраженные в движении, раскрываются извечные вопросы человека: о любви и ненависти, преданности и предательстве, благородстве и подлости. 

Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо «Джоконда». Этот портрет жены купца дель Джокондо приковывал внимание на протяжении столетий, о нем написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, копировали, ему приписывали колдовскую силу. Неуловимое выражение лица Джоконды не поддается точному описанию и воспроизведению. Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства.