Русская живопись первой половины 20 века

Культура  развивается непрерывно, и каждое поколение  людей опирается  на то, что было создано  предшественниками.

Время и пренебрежение  потомков привели  к утрате многих памятников культуры. Но история  отечественной культуры свидетельствует  о том, что кроме  потерь были и находки, и открытия. Так, спустя много веков в  нашу культуру вернулось  “Слово о полку  Игореве”, возродилось  духовное значение русской  литературы. Так, восстанавливались  древнерусские иконы, открытые под несколькими  слоями поздней живописи. Вновь осваивается  отечественная немарксистская философия, и приходя  в нашу культуру литература и искусство русского зарубежья 20 в.

История отечественной культуры не ограничивается национальными  рамками. Громадный  вклад в русскую  культуру внесли представители  других народов, так  же как и русские  по происхождению  деятели отдавали свои силы и талант культурному развитию народов СССР и  других стран.

Русская культура формировалась  как одна из ветвей могучего дерева мировой  общечеловеческой культуры. Ее вклад в мировой  культурный прогресс бесспорен: это и  культурные научные  открытия, и шедевры  литературы и искусства, и, может быть самое  важное, верность гуманистическим  идеалам.

Одна  из самых ярких  страниц истории  культуры России - живопись первой половины 20 века.   

1. На рубеже веков   

В истории русской  культуры конец XIX - начало XX в. получил название “серебряного века”  русской культуры, который начинается “Миром искусства” и заканчивается  символизмом. “Мир искусства” - это организация, возникшая в 1898 г. и объединившая мастеров самой высокой  художественной культуры, художественную элиту  России тех времен. В этом объединении  участвовали почти  все известные  художники - А. Бенуа, К. Сомов, Л. Бакст, Е. Лансере, А. Головин, М. Добужинский, М. Врубель, В. Серов, К. Коровин, И. Левитан, М. Нестеров, Н. Рерих, Б. Кустодиев, К. Петров-Водкин, Ф. Малявин, М. Ларионов, Н. Гончарова и  др.

Огромное  значение для формирования “Мира искусств”  имела личность С. Дягилева, мецената и организатора выставок, а впоследствии - импресарио гастролей  русского балета и  оперы за границей, так называемых “Русских сезонов”. Благодаря деятельности Дягилева русское искусство получает широкое международное признание. Организованные им “Русские сезоны” в Париже относятся к числу этапных событий в истории отечественной музыки, живописи, оперного и балетного искусства. В 1906 г. парижанам была представлена выставка “Два века русской живописи и скульптуры”, которая экспонировалась затем в Берлине и Венеции. Это был первый акт всеевропейского признания “Мира искусства”, а также открытия русской живописи XVIII - начала XX в. в целом для западной критики и настоящий триумф русского искусства.

Под редакцией Дягилева с 1899 по 1904 г. издавался  журнал “Мир искусства”, состоявший из двух отделов: художественного  и литературного. Можно сказать, что  “серебряный век” русской культуры - это век культуры высокого ранга и  виртуозности, культуры воспоминания предшествующей отечественной культуры. Русская культура этого времени  представляет собой  синтез старой дворянской и разночинной  культур. Значительный вклад “Мира искусства” состоит в организации  грандиозной исторической выставки русской  живописи за границей - от иконописи до современности.

Рядом с “мирискусниками” виднейшим направлением рубежа века был символизм - многогранное явление, не вмещающееся в  рамки “чистой” доктрины.

Конец XIX - начало XX века - важный период в развитии русского искусства, совпавший с тремя  революциями - 1905-1907 гг., февральской  буржуазно-демократической  и революцией 1917 года, время крушения старого  мира. Окружающая жизнь, события этого  необычайного времени  определили судьбы искусства: оно претерпело в  своем развитии много  сложностей и противоречий. В то время еще  плодотворно работали ведущие мастера  реализма - И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.М. Васнецов, В.Е. Маковский. В 1890-е  годы их традиции нашли  свое развитие в ряде произведений молодого поколения художников-передвижников, например, Абрама Ефимовича  Архипова (1862-1930 гг.), творчество которого также связано  с жизнью народа, с жизнью крестьян. Его картины правдивы и просты, ранние - лиричны (“По реке Оке”, 1890; “Обратный”, 1896), в поздних, ярко живописных, живет буйная жизнерадостность (“Девушка с кувшином”, 1927; все три в ГТГ). В 1890-е годы Архипов  написал картину  “Прачки”, рассказывающую об изнурительном  женском труде.

К молодому поколению  передвижников относятся  также Сергей Алексеевич Коровин (1858-1908) и  Николай Алексеевич Касаткин (1859-1930). Десять лет трудился Коровин  над своей центральной  картиной “На миру” (1893, ГТГ). Он отразил в  ней сложные процессы расслоения крестьянства в современной  ему капитализировавшейся деревне. Важнейшие  стороны жизни  России сумел выявить  в своем творчестве и Касаткин. В его  изображениях шахтеров, угадывается та мощная сила, которая в  недалеком будущем  разрушит старый мир.

Но  в искусстве этого  периода обнаружилась и иная тенденция. Многие художники  стремились отыскать в жизни, прежде всего, ее поэтические стороны, поэтому даже в жанровые картины они включали пейзажи. Часто обращались и к древнерусской истории. Эти веяния в искусстве отчетливо прослеживаются в творчестве таких художников, как А.П. Рябушкин, Б.М. Кустодиев и М.В. Нестеров.

Излюбленным жанром Андрея Петровича  Рябушкина (1861-1904) был  исторический жанр, но он писал и картины  из современной ему  крестьянской жизни. Однако художника  привлекали лишь отдельные  стороны народной жизни: обряды, праздники. В них он видел  проявление исконно  русского, национального  характера (“Московская  улица XVII века”, 1896, ГРМ). Большинство  персонажей не только для жанровых, но и для исторических картин были написаны Рябушкиным с крестьян - художник почти всю  свою жизнь провел в деревне. В свои исторические полотна  Рябушкин привносил  некоторые характерные  черты древнерусской  живописи, как бы подчеркивая этим историческую достоверность  изображений (“Свадебный поезд в Москве (XVII столетие)”, 1901, ГТГ).

Другой  крупный художник этого времени - Борис  Михайлович Кустодиев (1878-1927) изображает ярмарки  с разноцветными  ложками и грудами  пестрых товаров, русские масленицы  с ездой на тройках, сцены из купеческой жизни.

В раннем творчестве Михаила  Васильевича Нестерова  наиболее полно раскрылись лирические стороны  его дарования. В  его картинах всегда большую роль играл  пейзаж: художник стремился  найти отрадное в  тишине вечно прекрасной природы. Он любил  изображать тонкоствольные березки, хрупкие  стебельки трав и  луговых цветов. Его  герои - худенькие  отроки - обитатели  монастырей, или добрые старички, находящие  мир и покой  в природе. Глубоким сочувствием овеяны картины, посвященные  судьбе русской женщины (“На  горах”, 1896, Музей  русского искусства, Киев; “Великий постриг”, 1897-1898, ГРМ).

К этому времени  относится творчество пейзажиста и анималиста Алексея Степановича  Степанова (1858-1923). Художник искренне любил животных и безупречно знал не только внешний  вид, но и характер каждого зверя, его  навыки и повадки, а также специфические  особенности различных  видов охоты. Лучшие картины художника, посвящены русской  природе, проникнуты лиризмом и поэзией - “Журавли летят”(1891), “Лоси” (1889; обе в  ГТГ), “Волки” (1910, частное  собрание, Москва).

Глубокой  лирической поэзией  проникнуто и искусство  Виктора Эльпидифоровича  Борисова-Мусатова (1870-1905). Прекрасны и поэтичны его образы задумчивых женщин - обитательниц староусадебных парков - и вся его гармоническая, похожая на музыку живопись (“Водоем”, 1902, ГТГ).

Дарование К.А. Коровина одинаково  ярко раскрылось как  в станковой живописи, в первую очередь  в пейзаже, так  и в театрально-декорационном  искусстве. Очарование коровинского искусства  заключается в  его теплоте, солнечности, в умении мастера  непосредственно  и живо передавать свои художественные впечатления, в щедрости его палитры, в  колорическом богатстве  его живописи (“У балкона”, 1888-1889; “Зимой”, 1894 - обе в ГТГ).

“Мир  искусства” во главе  с А.Н. Бенуа и  С.П. Дягилевым, оказало  большое влияние на художественную жизнь страны. Деятельность этой группы была очень разносторонней. Художники вели активную творческую работу, издавали художественный журнал “Мир искусства”, устраивали интересные художественные выставки с участием многих выдающихся мастеров. Мирискусники, как называли художников “Мира искусства”, стремились приобщить своих зрителей и читателей к достижениям национального и мирового искусства. Их деятельность способствовали широкому распространению в русском обществе художественной культуры. Но вместе с тем она имела и свои минусы. Мирискусники искали в жизни лишь красоту и осуществление идеалов художника видели лишь в вечной прелести искусства. Их творчество было лишено боевого духа и социального анализа, свойственных передвижникам, под знаменем которых шли самые прогрессивные и самые революционные художники.

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) по праву считается  идеологом “Мира  искусства”. Он был  широко образованным человеком и обладал  большими познаниями в области искусства. Он занимался главным  образом графикой и много работал  для театра. Как  и его товарищи, Бенуа разрабатывал в своем творчестве темы из прошлых эпох. Он был поэтом Версаля, его творческая фантазия загоралась, когда  он снова и снова  посещал парки  и дворцы петербургских  пригородов. В своих  исторических композициях, населенных маленькими, словно бы неживыми фигурами людей, он тщательно  и любовно воспроизводил  памятники искусства  и отдельные детали быта (“Парад при  Петре 1”, 1907, ГРМ).

Ярким представителем “Мира  искусства” был Константин Андреевич Сомов (1869-1939). Он получил широкую  известность как  мастер романтического пейзажа и галантных  сцен. Его обычные  герои - словно пришедшие  из далекой старины  дамы в высоких  пудренных париках  и пышных кринолинах и изысканные томные кавалеры в атласных камзолах. Сомов прекрасно  владел рисунком. Особенно это сказалось  в его портретах. Художник создал галерею  портретов представителей художественной интеллигенции, в том числе  поэтов А.А. Блока  и М.А. Кузмина (1907, 1909; оба в ГТГ).

В художественной жизни  России начала 20 века значительную роль сыграла  также художественная группировка “Союз  русских художников”. В нее входили  художники К.А. Коровин, А.Е. Архипов, С.А. Виноградов, С.Ю. Жуковский, Л.В, Туржанский, К.Ф. Юон и другие. Главным жанром в  творчестве этих художников был пейзаж. Они  являлись преемниками  пейзажной живописи второй половины 19 века.

В конце 19 века формируется  творчество выдающихся русских художников Ильи Репина (1844-1930) Константина  Алексеевича Коровина (1861-1939), Михаила Александровича Врубеля (1896-1902). В  их искусстве с  наибольшей полнотой отразились художественные достижения эпохи. Один из наиболее прославленных  русских художников этого периода  Илья Репин добился  славы и почестей своими картинами  на библейские сюжеты и из жизни рабочих.

В конце прошлого века в русской живописи начинает пробуждаться интерес к натюрморту. Расцвет натюрморта наступил в 1910-х годах. Характер новых тенденций можно определить, как стремление художников связать натюрморт - сюжетно и живописно - с окружающей средой. "Мертвую натуру" выносят на пленэр, то есть на воздух, под открытое небо, связывают с пейзажем или же, напротив, органически соединяют с интерьером комнаты. Одно из ранних полотен Коровина “За чайным столом” прекрасно иллюстрирует эти новые тенденции. Особенно связь натюрморта с пейзажем прослеживается в творчестве К.А. Коровина и Э. Грабаря. И.Э. Грабарь - художник не только другого поколения, но и несколько другого направления, чем К. Коровин, но его также причисляют к лучшим и типичным представителям русского импрессионизма. Вспоминая свои работы, Грабарь рассказывает, что большинство из них было почти целиком "увидено" им в реальной бытовой обстановке. Там были созданы "Цветы и фрукты на рояле" (1904, Русский музей), "Сирени и незабудки" (1904, Русский музей). Очень интересны полотна "Утренний чай" (1904, Национальная галерея, Рим). "За самоваром" (1905, ГТГ). Тесное соединение специфически натюрмортных задач с задачами пленэрной живописи, наметившееся, как нечто новое, еще в коровинском полотне "За чайным столом", находит место в "Дельфиниуме" (1908, Русский музей). Характерно, что даже созданное в закрытом помещении большое полотно "Неприбранный стол " (1907, ГТГ) кажется написанным в саду - так много в нем света и воздуха. Один из наиболее значительных натюрмортов Грабаря - "Хризантемы" (1905, ГТГ). Здесь внутренняя объединенность всех предметов, создающая единое настроение и единое эмоциональное состояние, решена с блестящим мастерством. Художник ставит натюрморты с целью специального анализа цвета, формы, материальности предмета. Об этом свидетельствуют работы "На синей скатерти", "На голубом узоре" (обе 1907). Натюрморты этого года вообще отмечены разнообразием и сложностью поставленных задач, поисками новых художественных приемов. Это не случайно. Все здесь говорит о близости нового этапа в борьбе за новые художественные формы, которой проникнута живопись 1900-х годов, натюрморт становиться одним из ведущих жанров, ареной творческого эксперимента.

То  понимание натюрморта, которое мы находим  у Грабаря и  Коровина, отнюдь не было единственным. В числе немногих, прежде всего, следует  назвать П. Боннара, творчество которого времени 1900-х годов  можно рассматривать  как заключительную фазу импрессионистического  видения предметного 

Мир Врубеля - эпоха в  истории не только русской, но и мировой  культуры. Врубель  оставил более 200 произведений. Среди  них - портреты, картины, декоративные панно, иллюстрации, эскизы театральных занавесей, скульптурные произведения, проекты зданий, поражающие по размаху и широте творческого диапазона. Врубель, вдохновляясь памятниками прошлого, творил во многом по-своему, и нередко творил как равный великим  мастерам прошлого. Врубель не придерживался  официального церковного канона, и именно поэтому его Моисей своей одухотворенностью, даже самим типом  лица с огромными  глазами оказался созвучен подобным образам  из подлинных произведений византийского искусства. В религиозной  композициях Врубеля, как бы возвращается подлинная внутренняя сущность древних  прототипов: большое человеческое содержание, эмоциональная выразительность. Если сопоставить изображения Моисея Врубеля с фрагментом древней фрески, найденным в Киеве при раскопках на месте Десятинной церкви Х века, то при этом обнаруживается их внутренняя, духовная близость. Моисей Врубеля не столько библейский пророк, сколько существо, полное затаенной страсти и зарождающегося сомнения. Моисей Врубеля - мятежник в потенции. Именно этим он вызывает ассоциации и с его Демоном, самим своим существованием, бросающим вызов людям. "Демон поверженный" (1902) - самое трагическое произведение Врубеля. И если в раннем холсте мы ощущаем хаос рождения, в котором живет надежда, то в поверженном Демоне царит крушение. Никакое богатство красок, никакие узоры орнаментов не скрывают трагедии сломленной личности, его изломанная фигура, сорвавшаяся с заоблачных высот, уже зримо агонизирует, заражая весь мир вокруг себя фосфоресцирующей красотой последнего заката.

Редчайший дар колориста  проявил Врубель  в своей картине "К  ночи", созданной  в 1900 году. Лирическое откровение пейзажа, как бы обволакивающего  зрителя своим  красочным маревом, особенно впечатляет в "Сирени" 1901 год.

Еще одни художник, чье  творчество тесно  связано с женским  образом. Это Борисов-Мусатов, выгодно возвышающийся  над обозначившейся к началу XX века односторонностью петербургского графического и московского - преимущественно  живописного направлений. Его лучшие картины, такие как “Водоем” (1902), “Призраки” (1903), “Изумрудное  ожерелье” (1903-1904), “Реквием” (1905), трудно безоговорочно  причислить к модерну, если понимать под  последним искусство  с твердой преднамеренностью  определенных стилевых установок. В своих  произведениях художник шел не от “стиля”, а от “настроения”, от желания воплотить  гармонию и красоту  природы и возвышенной  женской души.

Еще один художник из “Мира  искусств” - Билибин  иллюстрировал русские  народные сказки и  сказки А.С. Пушкина. Можно сказать, что  он, являясь продолжателем  дела Васнецова и  Поленовой, представлял  то направление в  русском искусстве, которое искало опоры  в национальных духовных традициях, поэтическом  мире сказок и былин, в образно-пластической системе народного  ремесла. Но вместе с  тем с графикой Билибина в русский  модерн вошло влияние  японской цветной  гравюры. Особенно сильно это влияние сказалось  в созданных в 1905 году известных иллюстрациях к “Сказке о  царе Салтане” А.С. Пушкина.

Практические  его ровесник Рерих  много размышлял  о национальной духовной традиции. Для него она связывалась  с историческими  событиями древности, с нераскрытыми тайнами  природных сил  и верований. Все  это ему хотелось воплотить в станковых  картинах и в больших  декоративных панно, в сценическом  оформлении спектаклей на историческую темы, и в мозаиках, призванных войти в идейно-пластический образ храма-памятника. В некоторых отношениях Рерих был близок здесь к Врубелю - оба они шли  навстречу модерну  в желании облечь свои романтические  идеи в декоративную систему устойчивых пластических образов, оба видели путь к решению своих художественных проблем в синтезе различных видов искусства. Монументальные работы Рериха в Талашкине - один из примеров наглядно характеризующий и творческие помыслы художника и те компромиссные результаты, которые можно было достигнуть в этой сфере в пределах нового стиля.

Выше  шла речь о художниках, чьи произведения формировали русский  модерн, определяли его характерные  черты. Врубелю, одному из творцов русского модерна, новый стиль  казался средством  обретения свободы  для собственного творческого волеизъявления, формат выражения  своей художественной индивидуальности. В  то же время Серов  в своих поздних  работах (“Похищение Европы”, “Портрет Иды Рубинштейн”, все 1910 года) шел к  модерну, усматривая в нем наоборот, дисциплинирующие стилевые установки, способ “самообуздания”  личности.

Сильное и устойчивое воздействие  Врубеля испытали почти все крупные  русские художники XX века. Его манера писать "разноцветными  кубиками" (по словам Ф.И. Шаляпина) иной раз  трактовалась как  преддверие кубизма. Однако Врубель, доказавший своим творчеством, что глубинное  постижение натуры закономерно  предполагает переход  по ту сторону ее внешних видимостей, стоит у истоков  не одного какого-то направления, а практически  всех авангардных  поисков русского искусства XX века.   

2. Русский авангард   

Нет сомнения, что “путь  в XX в.” был противоречив. Модерн частично принадлежал  и прошлому и будущему. Как и предварившее направление модернизма, авангард был нацелен  на радикальное преобразование человеческого сознания средствами искусства, на эстетическую революцию, которая разрушила  бы духовную косность существующего общества, при этом его художественно-утопические  стратегия и тактика  были гораздо более  решительными, анархически-бунтарскими.

Не  удовлетворяясь созданием  изысканных “очагов” красоты и тайны, противостоящих низменной  материальности бытия, авангард ввел в свои образы грубую материю  жизни, “поэтику улицы”, хаотическую ритмику  современного города, природу, наделенную мощной созидательно-разрушительной силой, он не раз декларативно подчеркивал в  своих произведениях  принцип “антиискусства”, отвергая тем самым  не только прежние, более  традиционные стили, но и устоявшееся  понятие искусства  в целом.

Спектр  направлений велик. Преобразования охватили все виды творчества, но изоискусство постоянно  выступало инициатором  новых движений. Мастера  постимпрессионизма предопределили важнейшие  тенденции авангарда; его ранний фронт  наметился групповыми выступлениями представителей фовизма и кубизма. Футуризм укрепил  интернациональные  контакты авангарда, ввел новые принципы взаимодействия искусств (изоискусства, литературы, музыки, театра, фотографии и кинематографа). В 1900-10-е годы новые направления рождаются одно за другим в широком географическом диапазоне от России до Нового Света (с Москвой, Берлином, Нью-Йорком и другими центрами, которые все решительнее оспаривают ведущую роль Парижа как законодателя художественных мод). Экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм с их чуткостью к бессознательному в человеческой психике обозначили иррациональную линию авангарда, в конструктивизме же, напротив, проявилась его рациональная, строительная воля.

В период войн и революций 1910-х  годов политический и художественный авангарды активно  взаимодействуют. Левые  силы в политике пытались использовать авангард в своих агитационно-пропагандистских целях, позднее тоталитарные режимы (прежде всего, в Германии и СССР) стремились подавить его строгой цензурой, загоняя авангард в подполье.

В условиях же политического  либерализма авангард с 1920-х годов утрачивает прежний пафос  противостояния, вступает в союз с модерном, устанавливает контакт  с массовой культурой. Кризис авангарда, к  середине 20 века в  значительной мере растратившего  свою былую “революционную”  энергию, явился стимулом для формирования постмодернизма как  основной ему альтернативы.

Один  из самых ярких  представителей авангарда, Василий Кандинский, принадлежит к  числу открывателей нового художественного  языка XX столетия и  не только потому, что  именно он “изобрел”  абстрактное искусство - он смог придать ему  масштаб, цель, объяснение и высокое качество.

Другой  яркий представитель - Казимир Малевич (1878-1935), о котором по настоящему о заговорили в  кругах не только художественных, но и в широкой  прессе после следующей  выставки, на которой  он показал уже  так называемые супрематические  полотна, иначе говоря геометрические абстракции. С тех пор Малевича, к сожалению, стали  считать только художником супрематизма и даже художником одной  картины "Черного  квадрата". Эту  славу отчасти  Малевич поддерживал  сам. Он считал, что "Черный Квадрат" - это  вершина всего. Малевич  был разносторонним живописцем. В 20-30-е  годы он написал крестьянский цикл, незадолго до смерти стал писать портреты в духе старых мастеров, пейзажи  в духе импрессионизма.

Малевич, российский художник, основатель супрематизма, один из немногих в  России, работавших в направлениях кубизма, футуризма. Был незаслуженно забыт в Советском  Союзе, хотя его творчество одна из самых ярких  страниц в мировом  изобразительном  искусстве первой половины ХХ века. Казимир  Малевич участник знаменитых выставок "Бубновый валет" (1910), "Ослиный  хвост" (1912), один из столпов русского, а затем и советского авангарда. Супрематизм  основан на комбинировании на плоскости простейших геометрических фигур, окрашенных в контрастные  цвета. Знаменитый "Черный квадрат" (1913) стал манифестом беспредметного, нонфигуративного искусства, отправной точкой абстракционизма. В 1919-м  состоялась Х Государственная  выставка под названием "Беспредметное  творчество и супрематизм", а в декабре 1919 - январе 1920-го XVI Государственная  выставка с ретроспективой "Казимир Малевич. Его путь от импрессионизма к супрематизму". На выставках показывались и концептуальные подрамники с чистыми холстами, и загадочно медитативный цикл картин "Белое на белом" с "Белым квадратом на белом".

Творения  русских художников - авангардистов начала века взорвало художественное сознание. И в то же время супрематизм  Малевича появился как  закономерная стадия в развитии русского и мирового искусства. Сам Казимир Малевич  выводил супрематизм  из кубизма. На выставке, где были представлены его первые супрематические  картины, он распространил  брошюру, которая  называлась "От кубизма  к супрематизму". Позднее он стал обращать внимание на еще более  ранние истоки этого  направления. Практически  вся живопись, которая  предшествовала искусству 20 века, была включена в этот поток, и  Малевич считал, что  венчает это мощное мировое движение именно искусство  геометрической абстракции.

Идеями  супрематизма были увлечены И.А. Пуни, И.В. Клюн и  др. Клюн, в отличие  от Малевича, уже  через несколько  лет яростно восставшего  против эстетических принципов новой  эпохи символизма и модерна, не только задержался дольше, но и вынес из нее  значительно больше, чем Малевич: тяготение  к линейности, к  декоративной организации  плоскости, к ритму. В композициях  Клюна формы никнут, как цветы, царит  покой или элегическая  печаль; по-восточному изогнутые, замедленно движущиеся фигуры, точно пребывают  в состоянии медитации ("Семья"). Малевич кажется  рядом грубым, неловким, его символистские  опусы подчас выглядят нелепо - у Клюна  они вполне "нормальны", в русле живописных тенденций общества "Московский салон", одним из учредителей которого он был.

В начале 1910-х годов, сблизившись с  кругом М. Ларионова, Малевич создает  свои варварские, резко  деформирующие натуру жанровые картины. Клюн остается в стороне  от неопримитивизма. Период кубофутуризма - пожалуй, лучший в  творчестве Клюна. Его  кубистические картины, экспонировавшиеся  на выставке "Союза  молодежи" в 1913 году. Клюновский кубизм "правовернее", чем у Малевича. Малевич часто  пользовался открытиями других, но умел преображать  чужое до неузнаваемости. Так он поступил и  с кубизмом, сначала  сочетав его с  иконной традицией, затем - с футуризмом, еще позже - с начатками  супрематизма. Клюн же подошел к новой  концепции, как к  незнакомому механизму: разобрал устройство, посмотрел, что внутри, собрал заново и заставил работать.

Композиции  Клюна тщательно  отделаны, построены, слажены. Тема - бытовые  приборы, посуда: озонатор, граммофон, кувшин. Предмет  расчленен, но бережно  и деликатно, он вполне узнаваем, иногда даже вступает в несложный  сюжет: Кубизм Клюна  эстетичен, цель автора - сделать качественное произведение искусства; кубизм Малевича скорее концептуален, в нем  превалирует идея. Его лучшие вещи похожи на работы Малевича, но никогда их не превосходят. Ощущение знаковости форм, его  прямоугольники и  овалы не полны  той значительности, той "энергетики", которую излучает живопись Малевича. Сам художник утверждал, что в его натуре преобладает аналитическое, а у Малевича - мистическое начало.

На  рубеже десятилетий  супрематизм становится если не тотальной  модой, то очень заметным увлечением в художественных кругах, каждый мастер, так или иначе  причисляющий себя к  современности, стремился  сделать что-то "супрематическое" в порыве полемики, самоутверждения, восхищения, наконец. В искусстве  того времени легко  было обнаружить где  угодно если не черные квадраты (Чехонин, Шагал), то обязательный геометрический акцент (Филонов, Кандинский).

В раннем творчестве Кандинского  натурные впечатления  служили основой  для создании ярких  красочных пейзажей, иногда с романтически-символической  нагруженностью сюжетов (“Синий всадник”, 1903). Середина и вторая половина 1900-х  гг. прошли под знаком увлечения русской  стариной; в картинах “Песня Волги” (1906), “Пестрая жизнь” (1907), “Рок” (1909) художник совмещал ритмико-декоративные черты русского и  немецкого модерна (югендстиля) с приемами пуантилизма  и стилизацией  под народный лубок. В части работ  Кандинский развивал ретроспективные  фантазии, свойственные мастерам круга “Мир искусства” (“Дамы  в кринолинах”, масло, 1909, Третьяковская галерея).

Ранний  период творчества художника  не прошел бесследно. Как ни парадоксально, свое искусство он рассматривал как  развитие великих  традиций прошлого. Символизм и теософия помогли Кандинскому  открыть романтическую  традицию, в 1911 г. написал  картину “Романтический пейзаж”. С романтической  традицией “совокупного художественного  продукта” (“gesamtkunstwerk”), отредактированной  позже в духе поисков  синтеза искусств эпохи модерна, связаны  представления художника  о синтетичности  искусств, иначе говоря, об их глубокой внутренней связи и взаимопроникновении. Его знаменитые “Звуки” (1913) - синтез поэтического, музыкального и живописного (это 38 поэм с 12 цветными и 54 черно-белыми гравюрами).

Его живописные работы предреволюционных  и революционных  лет обладали широким  стилистическим диапазоном: продолжая создавать  экспрессивно-абстрактные  полотна (“Смутное”, Третьяковская галерея, “Сумеречное”, Русский  музей, обе 1917; “Белый овал”, 1920, Третьяковская  галерея, и др.), художник писал и обобщенно-реалистические натурные пейзажи (“Москва. Зубовская площадь”, “Зимний день. Смоленский бульвар”, обе ок. 1916, Третьяковская галерея), не оставлял занятий  живописью на стекле (“Амазонка”, 1917; “Дамы в кринолинах”, ок. 1918, обе в Третьяковской  галерее), а также  создавал картины, сочетавшие фигуративные элементы и декоративно-беспредметное  начало (“Москва. Красная  площадь”, Третьяковская  галерея; “Москва II”, частное собрание, Мурнау, Германия, обе 1916).

Кандинский, как все крупные  мастера нового времени, был универсален  в своей художественной деятельности. Он занимался  не только живописью  и графикой, но и  музыкой (с ранних лет), поэзией, теорией  искусства. Художник оформлял интерьеры, делал эскизы росписей по фарфору, проектировал модели платьев, создавал эскизы аппликаций и  мебели, занимался  фотографией, интересовался  кинематографом. Поражает необыкновенная организаторская  деятельность Кандинского  на всех этапах его  жизненного пути. Она  видна уже по организации  им первого объединения - “Фаланга” (лето 1901 г.).

Филонов Павел Николаевич (1883-1941), российский живописец  и график. В символических, драматически напряженных  произведениях стремился  к выражению общих  духовно-материальных закономерностей  хода мировой истории (“Пир королей”, 1913). С сер. 1910-х  гг. отстаивал принципы “аналитического  искусства”, основанного  на создании сложнейших, способных к бесконечному калейдоскопическому  развертыванию композиций (“Формула пролетариата”, 1912-13, “Формула весны” 1928-29). Ученики Филонова составили группу “Мастера аналитического искусства”.

Глубинные философско-культурологические размышления Филонова определили художественно-пластический строй картин “Запад и Восток”, “Восток  и Запад” (обе 1912-13), “Пир королей” (1913) и др. Тема современной  городской цивилизации, в противовес героизации ее европейскими футуристами, была представлена русским  мастером как источник зла, уродующий людей; антиурбанистический  пафос определял  смысловое звучание многих картин, в  том числе работ  “Мужчина и женщина” (1912-13), “Рабочие” (1915-16), рисунка  “Постройка города” (1913) и др. В иной группе произведений холстах  “Крестьянская семья (Святое семейство)” (1914), “Коровницы” (1914), цикле “Ввод в  мировый расцвет”, вторая половина 1910-х, рисунках “Георгий Победоносец” (1915), “Мать” (1916) и др. художник воплотил свои утопические  мечтания о будущем  воцарении справедливости и добра на земле.

Татлин  Владимир Евграфович (1885-1953) российский художник, дизайнер, сценограф, один из крупнейших представителей новаторского движения в искусстве 20 в., родоначальник  художественного  конструктивизма. Самыми значительными работами стали холсты “Матрос (Автопортрет)” (1911, Русский музей), “Продавец рыб” (1911, Третьяковская галерея). Татлин быстро выдвинулся в среде русских  авангардистов; участвовал в иллюстрировании  футуристических  книг, в 1912 организовал  в Москве собственную  студию, в которой  занимались живописью  многие “левые художники”, ведя аналитические  исследования формы. С этого времени  и до конца 1920-х  гг. Татлин был одной  из двух центральных  фигур русского авангарда, наряду с К.С. Малевичем, в соперничестве  с которым развивал свои художественные открытия, легшие в  основу будущего движения конструктивистов.

В искусстве рубежа XIX-XX вв. зрели предпосылки  для становления  многих крупных “измов”  последующих десятилетий, для фовизма, экспрессионизма, кубизма, абстрактного искусства и сюрреализма.

Отсчет  новых направлений  в русской живописи начинается с группировки "Голубой  розы. Программа входивших  в нее мастеров определялась идеями символизма. М.С. Сарьян нашел свою "землю  обетованную", путешествуя  по странам Ближнего Востока. Характерный  представитель московского  символизма, Н.Д. Милиоти  тяготел к музыкальному звучанию колорита. С.Ю. Судейкиным было написано немало натюрмортов, картин на мотивы эпохи  романтизма, исполненных  в стилистике “лубочного гротеска”. Свои особенные  краски внес в русский  живописный символизм  В.И. Денисов. Мастера  “Бубнового валета” (И. Машков, П. Кончаловский, А. Лентулов, В. Рождественский, А. Куприн), их друзья и оппоненты М. Ларионов и Н. Гончарова  сделали следующий шаг к созданию поэтики искусства нового времени. В своем творчестве они ориентировались с одной стороны на творчество французских мастеров: П. Сезанна, фовистов, с другой - на российский городской фольклор: городская вывеска, народная игрушка.

В 1920-е  гг. возникают многочисленные новые группировки, объединяющие как  художественную молодежь, так и маститых мастеров. Многие из живописцев старших  поколений переживают своеобразную смену  приоритетов. Так, П.В. Кузнецов, ведущий  мастер “Голубой розы”, отходит от отрешенной, почти надмирной  гармонии ранних полотен, но не изменяет своему стремлению к поэтизации сцен простого труда. Чертами тонкой гармонии, органического единства реальности и поэтического обобщения отмечена картина “Табачницы”, 1926, из цикла “Крымские  табачницы”, над  которым художник работал в 1925-1928 гг.

Мастера "Бубнового  валета" организовали объединение "Московские живописцы", которое  поддерживало идею синтеза  современного содержания и современной  реальной формы". В их декларации было заявлено: "В социалистическом обществе не найдет себе места искусство, лишенное лучших традиций и культурных завоеваний". Новой чертой в  творчество Кончаловского, Лентулова, Куприна, не порывающих с былым "сезанизмом", входит классическое наследие русской  и европейской  культуры.

В 1921 была создана рабочая  группа конструктивистов (К.К. Медунецкий, А.М. Родченко, В.Ф. Степанова, В.А. и  Г.А. Стенберги). В  первые годы конструктивизм формировался в тесном взаимодействии с  левыми течениями  в изобразительном  искусстве (супрематизмом, кубофутуризмом), формально-эстетические поиски его приверженцев протекали на стыке  живописи, дизайна  и архитектуры. Главным  лозунгом конструктивистов стало революционное  преобразование жизни, поиск новых принципов  конструирования  жизненной среды. Они утверждали эстетические идеалы простоты, утилитарной  целесообразности предметного  мира.

А.Н. Самохвалов, ученик К.С. Петрова-Водкина, пришел в искусство  уже после революции, активно включившись  в художественную жизнь. В середине 1920-х  годов он был занят  поисками собственного творческого почерка, в котором живописная система его наставника обогащалась бы уроками  древнерусской монументальной живописи.

Новейшие  течения русского искусства 1910-х годов  вывели Россию в авангард интернациональной  художественной культуры того времени. Уйдя в  историю, феномен  великого эксперимента так и был назван - Русский авангард. Это понятие подразумевает  и более ранние сезаннистские, фовистские тенденции, и зарождение абстрактного искусства  в "лучизме" М. Ларионова, и продвинутые  системы беспредметного творчества: кубофутуризм, супрематизм К. Малевича и его школы, конструктивизм во главе с А. Родченко и В. Татлиным, русско-немецкий экспрессионизм В. Кандинского. Мир узнал о  начале эры не скованного предметностью и  натурой самовыражения  творческой личности из произведений русских  художников едва ли не раньше, чем из шедевров великих  французов и немцев. Второе десятилетие  нашего века поставило  Малевича и Кандинского вровень с Пикассо, Браком или Клее.

1917 год изменил все.  Это стало очевидно  не сразу. Первые 5 лет - героическое  пятилетие 1917-1922 - еще оставляли  почву для надежд. Но вскоре иллюзии  рассеялись. Началась  драма разрушения  грандиозного бастиона  модернистского искусства,  созданного в России  гением и трудом, манифестами и  бурными дискуссиями  всемирно известных  мастеров. К рубежу 1920-1930-х  годов нереалистические  направления были  запрещены полностью;  некоторые художники  уехали в другие  страны; иные были  репрессированы или,  поддавшись жестокой  неизбежности, оставили  авангардные поиски. В 1932 году были  окончательно закрыты  многочисленные художественные  объединения; властями  был создан единый  Союз художников..   

3. Живопись советской  эпохи. Социалистический  реализм   

До 30-х  гг. сохранялись еще  некоторые различия между направлениями  и эстетическими  системами. После 1932 в СССР разделение искусства на “официальное”  и “неофициальное”  окончательно закрепилось  после разгона  всех художественных группировок и  началом образования  единого Союза  художников, поставленного  под строгий идеологический контроль. В “подполье” оказались все  направления, не отвечающие канонам социалистического  реализма: как авангардистские, так и более  традиционные, но неприемлемые в “идейно-тематическом”  отношении.

“Тихое  искусство”, тенденции  в искусстве 20 в., подверженных строгой  цензуре и идеологическому  давлению, когда изо-творчество, оставаясь “легальным”, участвуя в выставках, намеренно сужало круг мотивов, предпочитая  помпезным официальным  темам лирические пейзажи, сцены семейного  быта, незаказные портреты друзей и близких. От собственно “неофициального  искусства” отличается обычно своей стилистической “умеренностью”, относительным  традиционализмом. Эти  тенденции характерны для многих художников советского периода, таких, как Л.А. Бруни, Л.Ф. Жегин, Н.П. Крымов, М.К. Соколов, Н.А. Тырса, В.А. Фаворский, Р.Р. Фальк, А.В. Фонвизин и др.

Бруни Лев Александрович (1894-1948), российский художник, в 1910-начале 1920-х гг. примыкал к футуризму  и конструктивизму, создавая контррельефы и беспредметные  композиции. Виртуоз  рисунка, легкого  цветового пятна, позднее перешел  к более традиционной живописи и графике (в  т.ч. пейзажам Оптиной  пустыни) в духе “тихого  искусства”. Был  также мастером монументальной живописи (в 1935-48 возглавлял соответствующую  студию при Академии архитектуры), развивая и здесь принципы чуждого официозу вольного, ритмически-изысканного  творчества.

Жегин (настоящая  фамилия Шехтель) Лев Федорович (1892-1969), российский художник и теоретик искусств. Сын Ф.О. Шехтеля. Активный член общества “Маковец”. В своей  живописи и графике  предпочитал простые  пейзажные и жанровые мотивы в духе “тихого  искусства”, насыщая  их философски созерцательным настроением.

Крымов  Николай Петрович (1884-1958), российский живописец, народный художник России (1956), член-корреспондент АХ СССР (1949). Мастер синтетического, гармонично построенного пейзажа-картины (“Утро”, 1916; “Речка”, 1926).

 
В продолжении темы: http://krimov.ru/ - сайт о художнике Николае Крымове.

Соколов Михаил Ксенофонтович (1885-1947), российский художник, замечательный мастер русского “тихого  искусства” 1920-30-х  гг., своеобразный “поздний романтик”. Создавал артистически экспрессивную  живопись и графику, полную исторических реминисценций, тонкой, созерцательной поэзии (проявившейся, в частности, в  цикле пейзажей-миниатюр, написанных в 1939-43 на станции Тайга  в Сибири, где Соколов  находился в концлагере).

Фальк Роберт Рафаилович (1886-1958), российский живописец. Член “Бубнового валета”. Натюрморты, пейзажи (“Бухта в Балаклаве”, 1927), портреты отмечены насыщенностью  цвета, образной выразительностью.

Лианозовская  группа, группа российских художников и поэтов, первоначально собиравшаяся, в барачном доме на станции Лианозово, где в 1950-е гг. жил  О.Я. Рабин. Ее духовным центром была семья  Е.Л. Кропивницкого  он сам, а также  его жена, сын и  дочь, тоже художники (О.А. Потапова, Л.Е. Кропивницкий, В.Е. Кропивницкая). В  группу, ставшую одним  из самых значительных очагов русского “неофициального  искусства” периода  “оттепели”, входили  также художники  В.Н. Немухин, Л.А. Мастеркова, Н.Е. Вечтомов, поэты  В. Некрасов, Г.В. Сапгир, И. Холин. Их творчество, разное по стилю, соединяло  лирическую откровенность  “черного юмора”, резкой социальной сатиры с  веяниями возрождавшегося  авангардизма.

Рабин Оскар Яковлевич (р. 1928), российский художник. Член лианозовской группы, один из лидеров русского “неофициального  искусства”. В 1978 эмигрировал  из СССР, обосновавшись  в Париже. Для него наиболее характерны минорные по настроению и колориту городские  и сельские мотивы, написанные в тусклой  гамме, а также  натюрморты, сочетающие черты “черного”  гротеска с задушевным лиризмом. Эти произведения стали своеобразным связующим звеном между “тихим искусством”  и соц-артом.

Кропивницкий  Евгений Леонидович (1893-1979), российский художник и поэт. Патриарх “неофициального  искусства”, духовный лидер лианозовской группы. Для его  творчества середины 20 в., как и для  стихотворного, так  и живописно-графического, характерны простые  мотивы, задушевно-лирический экспрессионизм с  вкраплениями печального гротеска.

С момента запрета  группировок социалистический реализм был объявлен обязательным методом  отражения реальности, хотя во всех его  описаниях невозможно было обнаружить признаков  структуры художественного  языка. Социалистический реализм, термин, употреблявшийся  в советском литературоведении  и искусствоведении с 30-х гг. для обозначения  “основного метода”  литературы, искусства  и критики, который  “требует от художника  правдивого, исторически  конкретного изображения  действительности в  ее революционном  развитии”, сочетающегося  “с задачей воспитания трудящихся в духе социализма”. Эстетическое понятие “реализм”  было соединено с  определением “социалистический”, что на практике вело к подчинению литературы и искусства принципам идеологии и политики. Главным постулатом социалистического реализма стала партийность, социалистическая идейность. Попытки расширить “теоретическую базу” социалистического реализма идеями “народности” (в кон. 30-х гг.), “социалистического гуманизма” (с 50-х гг.) не изменили официальный статус и идеологическую природу понятия.

Все художники были обязаны  состоять в Союзе  художников. Отдельные  художники отказались вступить в Союз. Их творчество осталось за бортом выставочной, музейной и какой-либо иной официальной  жизни. Некоторые  состояли в Союзе  лишь формально, зарабатывая  на хлеб копированием или оформительской работой. Некоторые  из них получили международное  признание.

Яркий пример - Родченко, в 1925 участвовал в Международной  выставке декоративного  искусства и художественной индустрии в Париже по четырем разделам и по каждому из них получил серебряную медаль. Но уже в 1930-е  гг., после декретирования социалистического  реализма в качестве единственного стиля  и метода, творчество Родченко все чаще и чаще подвергалось шельмованию. Травля закончилась исключением  мастера из членов Союза советских  художников в 1951, восстановлен в 1954. В середине 1930-х  гг. возвратился к  живописи, написав  серию картин на тему цирка и циркачей, со второй половины 1930-х  гг. и на протяжении 1940-х  гг. создавал декоративно-беспредметные  работы. С 1934 оформлял совместно со Степановой репрезентативные альбомы  и фотоальбомы, выпускаемые  по случаю юбилеев  и торжественных  мероприятий (“10 лет  Узбекистана”, 1934; “Первая  Конная”, 1935-37; “Красная Армия”, 1938; “Советская авиация”, 1939, и др.).

Существует  мнение, что: "Высшее достижение русского искусства ХХ века - это не революционный  авангард, как считалось  на протяжении многих лет, а искусство  социалистического  реализма". Таково мнение британского  ученого Мэтью  Куллерна Боуна, который  является общепризнанным авторитетом в  области русского и советского искусства.

Приведем  несколько цитат  из статей зарубежных искусствоведов, посвященных  этому периоду. "Искусство  эпохи социалистического  реализма можно разделить  на две составляющие: искусство официозной иконографии, прославляющее  режим и его  вождей, и параллельное искусство, которое  выше по качеству, поэтичнее, свободнее и ближе  к повседневной жизни  обычного человека. Оно гармонично и  свободно от схем, особенно в пейзажной живописи". "Эуропео" (Испания) - "Лица славянской души".

"В  политическом государстве,  которое требует  единообразия, схожесть  картин показалась  бы неудивительной. Но вы будете, тем  не менее, удивлены  разнообразием, заключенным  внутри этой схожести, мастерством художников, которые, несмотря  на диктуемые государством  ограничения, в  своих произведениях  по генерируемой  ими энергии и  степени выразительности  выходят далеко  за пределы предписанной  им тематики".

Академия  Художеств СССР была основана в 1947 году, когда могущество сталинской империи  достигло зенита. Сталин лично назначил первых 28 членов Академии, выбрав их из более чем полутора тысяч советских художников того времени. Членство в Академии являлось последним и наиболее почетным этапом профессиональной карьеры художника и обеспечивало множество финансовых и общественных привилегий. Советские академики образовывали художественную элиту на протяжении всего советского периода. Они создали славу советскому искусству. Их картины входят в золотой фонд многих российских государственных музеев, включая Третьяковскую Галерею в Москве и Русский Музей в Петербурге. Однако картины прославленных мастеров эпохи, сталинских академиков: таких как Дмитрий Налбандян, некоторое время пребывали в забвении.

Дмитрий Налбандян известный  в 30-гг художник. В 1933 году художник получает приглашение поехать  в Ленинград для  работы над картиной "Выступление  С.М. Кирова на XVII съезде партии". Осенью1935 года картина экспонировалась  на выставке московских живописцев в Государственном  музее Изобразительных  искусств и вызвала  широкий общественный резонанс: она воспроизводилась в газетах "Правда" и "Известия", распространялась в репродукциях. Первый серьезный успех  окрылил художника. Однако трагическая  смерть Кирова несколько  приостановила поступательный ход его карьеры. В конце 1930-х и  в начале 1940-х годов  Налбандян много  работает в основном в жанре портрета, пейзажа и натюрморта и создает множество  прекрасных лирических работ. В 1944 Дмитрий  Налбандян начинает работать над своим  знаменитым "Портретом  И.В. Сталина", который  стал его трамплином к головокружительной славе.

В наши дни возрождается интерес к произведениям  той поры. Эксперты уверены, что "Искусство  эпохи Ленина и  Сталина становится новой областью инвестиций. Одно из ставших наиболее популярных имен - Налбандян. Как только это  искусство станет хорошо известно на Западе, цены на работы удвоятся или утроятся в течение нескольких лет".

Для работ многих известных  художников советской  эпохи характерны как выдающееся стилистическое мастерство - продукт  одной из лучших академических  школ в Европе, так  и то, что во многих отношениях они продолжают традиции великих  импрессионистов XIX столетия.

Новейшие  течения русского искусства 1910-х годов  вывели Россию в авангард интернациональной  художественной культуры того времени. Уйдя в  историю, феномен  великого эксперимента так и был назван - Русский авангард. Это понятие подразумевает  и более ранние сезаннистские, фовистские тенденции, и зарождение абстрактного искусства  в "лучизме" М. Ларионова, и продвинутые  системы беспредметного творчества: кубофутуризм, супрематизм К. Малевича и его школы, конструктивизм во главе с А. Родченко и В. Татлиным, русско-немецкий экспрессионизм В. Кандинского.

Второе  десятилетие нашего века поставило Малевича и Кандинского  вровень с Пикассо, Браком или Клее. 1917 год изменил все. Это стало очевидно не сразу. Первые 5 лет - героическое пятилетие 1917-1922 - еще оставляли  почву для надежд. Но вскоре иллюзии  рассеялись. Началась драма разрушения грандиозного бастиона модернистского искусства, созданного в России гением и трудом, манифестами и бурными дискуссиями всемирно известных мастеров.

К рубежу 1920-1930-х годов  нереалистические направления  были запрещены полностью; некоторые художники  уехали в другие страны; иные были репрессированы или, поддавшись жестокой неизбежности, оставили авангардные поиски. В 1932 году были окончательно закрыты многочисленные художественные объединения; властями был создан единый союз художников. До тех пор сохранялись  еще некоторые  различия между направлениями  и эстетическими  системами. С момента  запрета группировок  социалистический реализм  был объявлен обязательным методом отражения  реальности.

Теперь  на расстоянии десятилетий  мы воспринимаем культовые  картины социалистического  реализма сквозь призму современности. С  другой стороны, давно  уже открыв завесу над умышленно  скрытыми сторонами  художественной истории, мы узнали, как параллельно  официальной теплилась  почти никому из современников  не ведомая "вторая культура" - скромный прообраз андеграунда 1960-1980-х  годов, не смевший  открыто противостоять  деспотическому режиму, но сохранивший для  новых поколений  так до конца и  не сломленную творческую свободу Художника.   
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

ЛИТЕРАТУРА:   

1.         Алпатов М. Искуство - М.: Просвещение, 1969.

2.         Борисова Е.А, Стернин Г.Ю. Русский модерн - М.: Советский художник,    1990.

3.         История русского и советского искусства - М.: Высшая школа, 1989.

4.         Крусанов А.В. Русский авангард 1907-1932: Исторический обзор. Т.1. - СПб., 1996.

5.         Культурология: Учеб. для Вузов /Под ред. Н.Г. Багдасарьяна. - М.: Высшая школа

6.         Манин В. Шедевры русской живописи - М.: Изд-во Белый Город, 2000.

7.         Мислер Н., Боулт Дж. Филонов. Аналитическое искусство. М., 1990

8.         Наков А. Русский авангард: Пер. с франц. М., 1991.

9.         Неизвестный русский авангард в музеях и частных собраниях / А.Д. Сарабьянов

10.       Неклюдова М.Г. Традиции и новаторство русских художников ХIХ века.

11.       Поликарпов В.С. Лекции по культурологии - М.: Гардарика, 1997.

12.       Русские художники - Самара: Изд-во АГНИ, 1997.

13.       Русские художники XII-XX веков: Энциклопедия - М.: Изд-во Азбука, 1999.

14.       Турчин В.С. По лабиринтам авангарда - М., 1993.