Образ "пышной девы" в искусстве

    Позже экспертиза признала мужчину сумасшедшим. Им оказался житель Литвы Бронюс Майгис, который объяснил свой поступок политическими мотивами. Майгис провёл 6 лет в психиатрической лечебнице, после чего был выпущен на свободу уже в независимую Литву, где проживает и сейчас.

    Работа  над восстановлением мирового шедевра  началась в тот же день. Через  полтора часа промывания водой удалось  остановить действие кислоты, после чего картину укрепили раствором из рыбного клея и мёда, чтобы предотвратить отслоение слоёв краски при высыхании.

    Через три дня была создана специальная  государственная комиссия, которая  рассматривала пути дальнейшего  восстановления картины: оставить изуродованное полотно как есть или же восстановить картину, фактически сделав её копию. В результате было принято решение восстановить утраты, удалить следы кислотной реакции, в максимальной степени сохраняя рембрандтовскую живопись.

    Реставрация началась в Малой церкви Зимнего дворца, где были созданы подходящие для картины климат и освещение. В течение полутора лет над полотном работали реставраторы эрмитажа Евгений Герасимов, Александр Рахман, Геннадий Широков и Татьяна Алешина. После укрепления красочного слоя и грунта и подведения нового дублировочного холста, под микроскопом удалялись следы кислотной реакции. Следующим этапом было тонирование с использованием техники масляной живописи, аналогичной авторскому стилю. Одним из важных условий реставрации стало требование возможности возврата к первоначальному варианту, для чего тонирование отделялось от оригинальной живописи слоем лака.

    Окончательно  реставрация закончилась лишь спустя 12 лет, в 1997 году, с тех пор картина демонстрируется в Зале голландской и фламандской школ на втором этаже главного здания Эрмитажа. Для предотвращения актов вандализма в настоящее время картина защищена бронированным стеклом[12, с. 689-690]. 
 

3.   «Пышные девы» во Французской живописи

    Французская живопись характеризуется большим  разнообразием художественных направлений, среди которых: классицизм, романтизм, импрессионизм, синтетизм, пуантилизм и другие[4, c.3]. Первоначально художники находились до такой степени во власти прошлого, что подражали старикам даже в выборе тем. Потом темы постепенно изменились. Выступили художники со своими полотнами из современного народного быта. Современность предъявляла своё право на внимание, становилась, как равноправная рядом с прошлым [12, c.854]. 

1. Гюстав  Курбе

    Жан Дезире Гюстав Курбе родился 10 июня 1819 года в небольшом городке Орнане, расположенном неподалеку от швейцарской границы. Его предки со стороны отца, владельца фермы и виноградников, на протяжении нескольких поколений жили в восточной Франции; мать тоже была уроженкой этих мест. С детства будущий художник был влюблен в свою малую родину, и эта любовь оставила заметный след в его творчестве.

    В 1831 году Гюстав поступил в местную школу, где быстро приобрел репутацию шумного и проказливого ученика. Интерес к рисованию пробудил у него «папаша» Бод.

    Подобно большинству молодых честолюбцев  от живописи, Курбе надеялся добиться признания, выставившись в Салоне. Он напряженно искал выигрышную тему для выставочной работы и экспериментировал с различными стилями. В период между 1841 и 1847 годами он попробовал себя в портрете, пейзаже, жанровых сценках и даже в религиозной живописи. Результат вышел довольно плачевным. Большинство предлагаемых работ Курбе жюри Салона отвергло[4, c.74-75].

    Картина «Купальщицы» (Приложение 10), впервые выставленная в Салоне 1853 года, вызвала всеобщее негодование. В частности, императрица Франции сказал, что тело изображенной на картине женщины напоминает лошадиный круп, а сам Наполеон III, осматривавший экспозицию, в раздражении ударил полотно своим хлыстом. "Купальщицы" нарушали сразу несколько принятых правил "хорошего тона". Во-первых, женщина была написана слишком реалистично. До появления "Купальщиц" обнаженная женская фигура могла прнинадлежать лишь мифологическому персонажу. Во-вторых публику рассердили сами позы женщин. До этого времени большинство выставлявшихся в Салоне картин такого рода были хотя бы номинально мотивированы каким-то сюжетом. На картине Курбе ожидание события связано с руками обнаженной. Ее поза напоминает позу, характерную для Марии Магдалины ("не прикасайся ко мне") при ее встрече с воскресшим Христом возле Его гробницы. Однако в данном контексте такая трактовка представляется невозможной и кощунственной, и создается впечатление, что сюжет в картине вообще отсутствует[8, c.242].

      Курбе — автор нескольких скандальных,  не выставлявшихся, но известных  современникам эротических картин («Происхождение мира», «Спящие» (Приложение 11) и др.); это также органично вписывалось в его концепцию натурализма[14, c.18].

    Впрочем, в 1846 году Курбе как будто улыбнулась судьба. Один голландский торговец произведениями искусства приобрел две картины Курбе и пообещал новые заказы, если тот приедет в Голландию.

    Но  жизнь Курбе от этого легче  не стала. Именно к этому времени  художник выработал свою реалистическую манеру. У многих она вызывала ярость. Реализм вызывал неприятие по двум причинам. Во-первых, раздражала сама его эстетика, противостоящая принятому  в Салоне академизму. Во-вторых, он казался опасным, потому что его активно поддерживали социалисты. Курбе же свою оппозиционность существующему порядку вещей всячески подчеркивал. В одном из интервью 1851 года он напрямую заявил: «Я не только социалист, но также демократ и республиканец. Иными словами, я революционер до мозга костей». Вторая империя, установившаяся через год, подобных слов не прощала.

    Самым триумфальным выдался для него 1869 год, когда бельгийский король Леопольд II наградил его золотой медалью, а баварский король Людвиг II — орденом святого Михаила.

    В 1861 году Курбе арестовали—в частности, и за то, что он приложил руку к  уничтожению Вандомской колонны. После  этого здоровье Курбе стало стремительно ухудшаться. 31 декабря 1877 года он скончался. Позже, в 1919 году (к столетию со дня рождения художника), останки Курбе перевезли на родину, в Орнан[8, c.16-22].

    Женщины на полотнах Курбе- это женщины средних  классов, которым не чужды физический труд, но которых не искалечила физическая работа. Здоровые, спокойные, они отдыхают как продолжательницы жизни. Они не идеализированы, они не отобраны по принципу изящества форм. Курбе вдохновляется там, где видит цветение плоти, форма становиться наполнена силой, которая приближает его к классикам.

4. «Пышные» женщины импрессионистов

    Импрессионизм (фр. impressionnisme, от impression — впечатление) — направление в искусстве, зародившееся во Франции, во второй половине XIX века. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи нашли своё воплощение и в других видах искусства, например, в музыке. Импрессионизм — двойная революция в живописи: в видении мира и в живописной технике. В живописи импрессионизма — мир движущийся, эфемерный, ускользающий, поэтому акцент - на это уходящее мгновение, на настоящее. Импрессионизм предпочитает свет, прикосновение, цветную вибрацию.

Импрессионисты  — пионеры и основоположники  современного искусства. Они установили прямую связь между глазом живописца  и светом. Отсюда — движение возврата к природе, которая является источником всех впечатлений. В то же время — абсолютное доверие субъективному видению художника, его индивидуальности. Эти два пути питали европейское искусство вплоть до середины XX века[11, c.3-5].

1. Пьер Огюст Ренуар

    Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года в Лиможе. Ренуар был шестым ребенком небогатого портного по имени Леонар и его жены, Маргариты.

    В 1844 году Ренуары переезжают в Париж, и здесь маленький Огюст поступает  в церковный хор при большом  соборе Сен-Эсташ. У него оказался такой  замечательный голос, что регент хора (а это был не кто иной, как сам Шарль Гуно) пытался убедить родителей мальчика отдать его учиться музыке. Однако помимо этого у Огюста проявился дар художника, и когда ему исполнилось 13 лет, он начал помогать семье, устроившись к мастеру, у которого научился расписывать фарфоровые тарелки и другую посуду. По вечерам Огюст посещал школу живописи.

    Ренуар  впервые познал вкус успеха в 1864 году, когда одна из его картин прошла строгий отбор и была выставлена на Салоне, ежегодной государственной  художественной выставке. В 1865 году, в доме еще одного своего товарища, художника Жюля Ле Кёра, он познакомился с 16-летней девушкой Лизой Трео, которая вскоре стала возлюбленной Ренуара и его любимой моделью. Их связь продолжалась до 1872 года, когда Лиза оставила Ренуара и вышла замуж за другого.

    Творческая  карьера Ренуара прерывалась  в 1870-1871 годах, когда он был призван  в армию во время франко-прусской войны[11, с.65].

    В 1890 году Ренуар женился на Алине  Шариго, с которой познакомился десятью  годами раньше, когда та была 21-летней белошвейкой. У них уже был сын, Пьер, родившийся в 1885 году, а после свадьбы у них появились еще два сына -Жан, родившийся в 1894 году, и Клод (известный как «Коко»), родившийся в 1901 и ставший одной из самых любимых моделей отца. К тому времени, когда окончательно сложилась его семья, Ренуар достиг успеха и славы, был признан одним из ведущих художников Франции и успел получить от государства звание Кавалера Почетного Легиона.

    Личное  счастье и профессиональный успех  Ренуара были омрачены его болезнью. После приступа паралича, случившегося в 1912 году, Ренуар был прикован к инвалидному креслу, однако продолжал писать кистью, которую вкладывала ему между пальцев сиделка.

    В последние годы жизни Ренуар снискал  славу и всеобщее признание. В 1917 году, когда его «Зонтики» были выставлены в Лондонской Национальной галерее, сотни британских художников и просто любителей живописи прислали ему поздравление, в котором говорилось: «С того момента, как ваша картина была вывешена в одном ряду с работами старых мастеров, мы испытали радость от того, что наш современник занял подобающее ему место в европейской живописи».

    Картина Ренуара выставлялась также в  Лувре, и в августе 1919 года художник в последний раз навестил Париж, чтобы взглянуть на нее. 3 декабря 1919 года Пьер Огюст Ренуар скончался в Кане от воспаления легких в возрасте 78 лет. Так завершился жизненный путь одного из величайших художников всех времен[15,c.9-11].

    Главная художественная цель поздних работ  Ренуара- воспеть и прославить женское  тело, как вечный источник жизни. В его картинах нет и намёка на вожделение, он пишет своих «Обнажённых» (Приложение 12) и «Купальщиц» (Приложение 13) с целомудренной чувственностью, естественной и наивной. Иногда художник цитирует позы античных Венер, но чаще изображает свои модели в безмятежном или мечтательном состоянии, как правило, на лоне природы.

    Почти все его натурщицы представляют тип, который он предпочитал: это  сформировавшаяся женщина с широкими бёдрами, маленькой крепкой грудью, круглыми плечами и небольшой головкой, сияющими глазами и пухлыми губами. В их пышнотелой роскоши он видит сходство с прекрасными животными, фруктами или цветами.

    В самом начале своего творчества Огюст  Ренуар стремиться показать прекрасное в облике современной женщины, ничего не меняя и не исправляя в нём («Обнажённая» 1876). Такое представление не совпадала с понятием о красоте в среде поклонников официального Салона. Академиков коробило отсутствие идеализации в лице и фигуре, живая и естественная красота казалась им шокирующей и непристойной[11, c.78-79].

    «Обнаженная", хранящаяся в ГМИИ имени А.С.Пушкина, была написана в 1876 году. Трудно найти в творчестве Ренуара более прекрасный женский портрет. На первый взгляд может показаться странным, что эта картина является портретом. Однако это именно портрет со всеми присущими этому жанру чертами, включая главную - раскрытие индивидуальных особенностей изображенной модели. И то, что модель обнажена, тоже является индивидуальной особенностью известной парижской натурщицы Анны и только еще больше подчеркивает открытую взору неповторимую красоту прекрасной женщины. Вся картина написана разными приемами. Фон составляют различные вещи, разбросанные или положенные на кресло и кушетку. Они изображены открытым мазком, так, что зрители видят движение кисти в изображении фактуры различных тканей и цветной обивки мебели. И контрастом к этим стремительно написанным тканям, к этому холодному по общему колориту фону выглядит плотное, гладкое письмо, каким Ренуар пользуется, изображая фигуру Анны. Можно подолгу разглядывать розовые и перламутровые переливы цвета сверкающей кожи модели и ощущать, с какой любовью и восторгом писал художник эту женщину. Ее лицо с блестящими голубыми глазами и черными ресницами, ее пышная, небрежно и свободно уложенная прическа передают красоту и естественность молодой парижанки.Композиция этой картины увидена в жизни, а не построена по канонам академического искусства. И в ней, как и во всей живописи Ренуара, мы обнаруживаем одну из важных особенностей его искусства, если хотите - ключ к пониманию всего его творчества. Искусство Ренуара нельзя почувствовать, понять и объяснить с точки зрения сюжетов, заключенных в них идей и поучений. Ренуара надо видеть, воспринимать и переживать его живописные симфонии. Ренуара необходимо также рассматривать с точки зрения развития техники его письма, а не его сюжетов. Ренуар жил тем, что он чувствовал, а чувствовал и переживал то, что видел. В увиденном он естественно, как подлинный художник, запоминал только то, что его восхищало, и, воодушевленный, Ренуар изображал таким образом отобранный жизненный материал красками. Ренуар был живописцем, как мы иногда говорим, "чистой воды" и "Божьей милостью".