Эстетика

В начале XIX в. появляются предметы массового потребления, изготовленные промышленным способом. Возникли новые предметы, еще не укоренившиеся в культуре, что породило проблему адаптации к их вкусу. Возникла необходимость к прогнозированию вкусов. Это привело к появлению профессии дизайнера. Дизайн – (замысел, проект с англ.) цель деятельности, формирование гармоничной предметной среды, наиболее полно удовлетворяющей материальной и духовной потребности человека. Попытки выяснить действительную природу дизайна через литературу, наталкиваются на затруднения. Это связано с тем, что дизайн находится в непрерывном движении. Г. Рит рассматривал дизайн как высшую форму искусства. Д. Глоаг как техническую операцию в процессе производства. Д Конти как профессиональную художественную возможность.

Диза́йн — это творческий метод, процесс и результат художественно-технического проектирования промышленных изделий, их комплексов и систем, ориентированного на достижение наиболее полного соответствия создаваемых объектов и среды в целом возможностям и потребностям человека, как утилитарным, так и эстетическим. Дизайн, как дисциплина, стремится охватить все аспекты окружающей человека среды, которая обусловлена промышленным производством.

От промышленного  производства сегодня зависят практически  все с троны нашей жизни  — от выпуска предметов обихода и орудий производства до удобства и комплексного обустройства жилья, общественных зданий, площадей и улиц города, да и самих промышленных предприятий. Поэтому дизайн, который понимаетсянами и как сфера проектной деятельности общества, и как совокупность вещей и устройств, делающих наше существование удобнее и легче, и как особым образом сформировавшаяся эстетическая концепция современного образа жизни, играет в сегодняшнем мире столь серьезную роль.

Основные  категории дизайна.

Образ - идеальное представление об объекте, художественно-образная модель, созданная воображением дизайнера.

Функция - работа, которую должно выполнять  изделие, а также смысловая, знаковая и ценностная роли вещи.

Морфология - строение, структура формы изделия, организованная в соответствии с его функцией, материалом и способом изготовления, воплощающими замысел дизайнера.

Технологическая форма - морфология, воплощенная в  способе промышленного производства вещи-объекта дизайн-проектирования в результате художственного осмысления технологии.

Эстетическая  ценность - особое значение объекта, выявляемое человеком в ситуации эстетического  восприятия, эмоциального, чувственного переживания и оценки степени  соответствия объекта эстетическому  идеалу субъекта.

21. Подходы к определению истории дизайна.

Дизайн  зародился в Великобритании начало XIX в. В 1901 г. американский архитектор Ф.Л. Райт сформулировал основной принцип дизайна XX . (изучение технологии современного производства и свойств материалов). Во Франции в 80е гг. XIX в. появляются первые изделия прикладного искусства. В Германии зарождение дизайна связывают с художественно-промышленным союзом «Веркбунда». В 20-30 гг.  XX в. дизайн появляется как самостоятельная профессия в США. После ВМВ в развитии дизайна оформились 2 тенденции: с одной стороны (первая культивировала элитарность), с другой (проявляется в коммерческом успехе). 1951 г. фирма Браун ориентировалась на скромного потребителя, разрабатывала конструктивно и функционально безукоризненные модели. 1960 – 1970 гг. появляются новые направления (гуманитарный дизайн, компьютерный). 1980 – 1990 гг. дизайн принял новые концепции: использовать синтетические полимеры, что дает работу с формой, цветом и текстурой материалов.

В середине XX века в профессиональном лексиконе  для обозначения формообразования в условиях индустриального производства употреблялось понятие «индустриальный дизайн». Тем самым подчеркивалась его неразрывная связь с промышленным производством и конкретизировалась многозначность термина «дизайн». И многие трактаты по истории дизайна того времени в заголовках содержали уточнение «индустриальный дизайн». Затем в конце XX века проектно-художественную деятельность в области индустриального формообразования стали называть более кратко — «дизайн». Отчасти это связано и с тем, что общество вступило в фазу постиндустриального развития, произошли значительные перемены в целеустановках «индустриального дизайна».

Дизайн, как творческий процесс, иногда можно  разделить на художественный дизайн — создание вещного мира сугубо с точки зрения эстетики восприятия (внешние проявления формы); техническая эстетика — наука о дизайне, учитывая все аспекты, и прежде всего конструктивность (ранний этап становления), функциональность (средний), комфортность производства, эксплуатации, утилизации технического изделия и т. д. (современное понимание).

Несколько десятилетий ведутся споры о  возникновении дизайна.

Рассматриваются различные версии.

1. История дизайна как проектно-художественная деятельность берет свое начало в середине XIX века и связана с развитием индустриального производства, создавшим потребности в новой профессии. [2]

2. Дизайн как связь искусств и ремёсел. Относится к возникновению в конце XIX века известного английского «Движения искусств и ремёсел», возглавленного Уильямом Моррисом, когда были сформированы главные положения теории и творческие принципы дизайна, повлиявшие на школы и направления более поздних лет.

3. Дизайн как художественно-промышленная деятельность: начало ХХ века, когда художники заняли ведущие посты в ряде отраслей современной промышленности и получили возможность формировать фирменный стиль предприятий и влиять на политику выпуска электротехнических приборов, автомобилей, радиоаппаратуры (деятельность Петера Беренса в компании АЭГ и американской автомобильной фирмы «Форд»).

4. Дизайн как появление дипломированного специалиста относится к появлению первых школ и методик преподавания дизайна. (ВХУТЕМАС в СССР (1920), Баухауз в Германии (1919).

5. Становление дизайна как профессии, в зависимости от его реального вхождения в жизнь — непосредственно в производство, торговлю. Хронологический отсчет в этом случае начинается с еще более позднего времени — с 1930-х годов, точнее со времени выхода США из великого экономического кризиса.

6. Дизайн как компоновочная деятельность, берет отсчет от орудий первобытного человека, впервые столкнувшегося с понятиями удобства орудий труда, вопросами повышения производительности, компоновки предметов, первых намеков на эргономику предметов.

22. Стили в европейском  искусстве XVIII в. барокко и рококо.

Название  стиля произошло от итальянского барокко -странный, вычурный, замысловатый. Этот стиль распространился в Европе и в Латинсской Америке в 17в - первой половине 18в. Архитектурные формы величественные, динамичные, свободные. Линии плана зданий и экстерьер более кривые, волнистые. В нарядных интерьерах много декоративных архитектурных форм, скульптур и произведений живописи. В искусстве характерна игра света и теней. Родина архитектуры стиля барокко - Рим. Новый стиль прежде всего утвердился в церковной архитектуре. На архитектуру этой эпохи влияли рост городов, строительство нарядных домов. Королевские дворцы и виллы с величественными ансамблями парков показывали могущество и богатство аристократии, комфортабельные дворцы вельмож, культовые здания украшались фресками, внутренние стены - дорогими тканями, в парках сооружаются нарядные фонтаны. Искусству Барокко характерны: обилие внешних эффектов и элементов. Фигуры рисунка и их группы изображены торжественно, выражения лиц чувственны. Эпоха Барокко расширила круг изображаемых предметов, обогатила эту область искусства новыми жанрами. Художники люблили тёплые тона и нежные переходы цвета, их притягивала игра света и тени, контрасты света и тьмы, большое внимание уделяли материалистическому изображению. Неотъемлемая часть архитектуры Барокко - скульптуры. Они украшали фасады зданий и внутренние помещения. Скульптуры Барокко декоративно, эмоцианально дополняли архитектуру зданий и ансамблей. Парки украсились группами скульптур на античные сюжеты, на площадях устанавливались памятники правителям, они оживляли фонтаны и лестницы. Слово “барокко” итальянского происхождения, буквально означает “странный”, “причудливый”. Такое название весьма соответствует особенностям основного стилистического направления в европейском искусстве с конца 16 века - середины 18 века. В истории искусства 19 и особенно 20 века термином “барокко” начинают обозначать все европейское искусство 17-18 веков. Искусство барокко сложилось и расцвело в Италии, где работали крупнейший архитектор и скульптор Л. Бернини, живописец, глава демократического реализма Караваджо, последователи академизма братья Карраччи и др. Барокко было связано с дворянско-церковной культурой эпохи расцвета абсолютизма. Был призван прославлять могущество церкви и светской аристократии, тяготел к парадной торжественности и пышности. В этот период наблюдается расцвет архитектуры, выразившийся в создании грандиозных городских ансамблей и дворцово-парковых комплексов (Собор и площадь святого Петра в Риме, образованная колоннадой Бернини (1657-1663гг)). Основополагающей чертой барокко можно считать его стремление к синтезу искусств, объединению в один ансамбль архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства. В изобразительном искусстве этого периода преобладали сюжеты, в основе которых был заложен драматический конфликт, - религиозного, мифологического или аллегорического характера. Создаются парадные портреты, предназначенные для украшения интерьеров. Особенность барокко – не соблюдение ренессансной гармонии ради более эмоционального контакта со зрителем. Большое значение приобрели композиционные эффекты, выраженные в смелых контрастах масштабов, цветов, света и тени. Но при этом художники барокко стремятся к достижению ритмического и цветового единства, живописности целого. Барокко получило распространение во Фландрии (знаменитые представители барокко во Фландрии – П.П. Рубенс, Ф. Снейдерс, Я. Йорданс, А. ван Дейк), в Испании, Португалии, на юге Германии, в Австрии, Чехии, Словакии, Хорватии, на западе Украины, в Литве. В Италии — на родине барокко — отдельные его предпосылки и приёмы проявились в 16 в. в станковой и декоративной живописи Корреджо, творчестве Караваджо, постройках Дж. Виньолы (тип раннебарочной церкви), скульптуре Джамболоньи. Наиболее законченное и яркое воплощение стиль барокко нашёл в полных религиозной и чувственной аффектации произведениях архитектора и скульптора Л. Бернини, архитектора Ф. Борромини, живописца Пьетро да Кортоны. Позднее итальянское барокко эволюционировало к фантастичности построек Г. Гварини, бравурности живописи С. Розы и А. Маньяско, головокружительной лёгкости росписей Дж. Б. Тьепопо.

Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — декоративная раковина, ракушка, рокайль), реже роккоко — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, эротическим ситуациям, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.

В 1-й  пол. 18 в. барокко эволюционирует к  грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х гг. повсеместно вытесняется классицизмом. Рококо - стиль искусства и архитектуры , типично характеризуемый чрезмерными деталями и художественным оформлением. Этот стиль был самым популярным в течение начала 18-ого столетия. Слово Рококо замечено как комбинация французского rocaille , или раковина, и итальянского barocco , или Причудливого стиля. Из-за любви Рококо к подобным раковине кривым и сосредоточивании своего внимания на декоративных искусствах, некоторые критики использовали термин к декоративному восприятию, подразумевая, что стиль был фриволен или просто модный в определенный период времени; интересно, что термин был сначала использован на английском языке приблизительно в 1836 году, и это был « коллоквиализм », означающий "старомодный". Однако, с середины 19-ого столетия , термин был принят историками искусства . В то время как все еще идут некоторые дебаты об историческом значении стиля для развития искусства вообще, Рококо теперь широко признан как главный стиль в развитии европейского искусства. Рококо, развитый сначала в декоративных искусствах и внутреннем оформлении.

Луи XIV принес изменение во вкусы придворных художников и в общую артистическую  моду. К концу господства старого  короля богатые барочные проекты уступили более легким элементам с большим количеством кривых и естественных образцов. Эти элементы очевидны в проектах художественного оформления Николаса Пино . Во время эпохи Регентства жизнь двора была отодвинута от Версаля , и этот артистический стиль стал достаточно распространенным, сначала в королевском дворце, а затем всюду по французскому высокому обществу. Деликатность и игривость Рококо часто замечаются как реакция на излишки режима Луи XIV . 1 730-ые года представляли высоту развития Рококо во Франции. Стиль распространился вне архитектуры и мебели, в живописи и скульптуре, иллюстрируемой работами Антони Вату ( Antoine Watteau ) и Франсуа Буше ( Fran c ois Boucher ). Рококо все еще поддержал стиль барокко в сложных формах и запутанных образцах, но этой деталью, стиль начал объединять множество разнообразных особенностей, включая вкус к восточным проектам и асимметричным формам.

Распространение стиля Рококо было осуществлено французскими художниками и гравировщиками. Этот стиль был с готовностью принят в католических частях Германии , Богемии , и Австрии , где этот стиль был слит с живыми немецкими барочными традициями. Особенно на юге, немецкий Рококо был применен с энтузиазмом к церквям и дворцам. Архитекторы часто драпировали свои интерьеры в облаках пушистой белой штукатурки. В Италии последние барочные стили Борромини ( Borromini ) и Гуарини ( Guarini ) устанавливают тон для Рококо в Турине, Венеции, Неаполе и Сицилии, в то время как искусство в Тоскане и Риме оставались более преданными стилю Барокко. О рококо в Англии всегда говорили, что это "французский вкус". Архитектурный стиль рококо в Англии никогда не завоевывал популярность, хотя изделия из серебра, фарфора, и шелка были настоятельно под влиянием континентального стиля. Томас Чиппендейл преобразовал английский дизайн мебели через его адаптацию и обработку стиля. Уильям Хогарт помог развить теоретические основы для красоты Рококо. Хотя, не преднамеренно ссылаясь на движение, он спорил в своем Анализе Красоты (1753 г.), что холмистые линии и S -образные кривые, присущие Рококо, были основанием для изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в Классицизме ). Развитие Рококо в Англии, как полагают, было связано с возрождением интереса в Готической архитектуре в начале 18-ого столетия. Начало конца для Рококо наступило в начале 1760-ых годов когда такие фигуры как Вольтер, и Жак –Франсуа Блондель ( Jacques - Fran c ois Blondel ) начали высказывать их критику относительно этого стиля искусства. Блондель порицал "смешной беспорядок раковин, драконов, тростников, пальм и растений" в современных интерьерах. К 1780 году, Рококо вышел из моды во Франции, будучи замененным серьезностью Неоклассических художников таких, как Жак Луи Давид. Этот стиль оставался популярным в регионах, и в Италии, до второй фазы неоклассицизма, "стиль Империи", который прибыл с Наполеоновскими правительствами. Интерес к Рококо возобновился между 1820 и 1870 годами. Англичане были среди первых, кто восстановил "стиль Луи XIV ". Видные художники, такие как Делакруа и патроны, такие как Императрица Евгения также открыли вновь ценность изящества и игривости в искусстве и дизайне стиля Рококо.

23. Развитие ремесла  и декоративно-прикладного  искусства в России  X – XVIII в.

Особенность российского декоративного искусства – его массовость, "артельность". Мы знаем имена древнегреческих горшечников и вазописцев (Эксений, Эфвроний), французских мебельщиков (Буль, Жакоб), английских керамистов (Джошуа Веджвуд), американских стеклоделов (Луис Олфорд Тиффани), и многих других. Русское декоративное искусство по преимуществу анонимно, более известны фирмы, чем художники (мебельная фирма Гамбса, ювелирная фирма Карла Фаберже). Все же безымянные создатели шедевров народной резьбы. Росписи, ткачества, безымянные же мастера, работавшие под руководством и по проектам великих архитекторов, создали шедевры русского интерьера. В 20 веке конструктивизм вывел на авансцену искусства мастеров-изобретателей нового мира вещей, таких, как Владимир Татлин и Лазарь Лисицкий. Но сталинский режим поспешил заменить гениев ремесла государственной монополией и тиранией дефицита. Все же художественное производство России создало великие ценности во многих областях.