Эпоха возрождения

СОДЕРЖАНИЕ

I Введение…………………………………………………………………………………..…..2

II Эпоха Возрождения  в Италии:

1. Периодизация…………………………………………………………………………….3

2. Проторенессанс:

Треченто:

. Николо Пизано  как основатель школы скульптуры  ……..……………………….4

. Новое слово в  живописи - Пьетро Кавалини……….………………………………4

. Флоренция –  столица художественной жизни  Италии (Джотто ди

Бондоне)…………..………………………………………………………………………4

3. Раннее Возрождение:

Кватроченто……………………………………….………………………………………….6 а) скульптура:

. Лоренцо Гиберти……………………………………………………………………….7

. Донателло –  великий реформатор.....……………………………….……………….7

. Якопо делла Кверча………………………………………………….………………...9

. Семья скульпторов  делла Робиа……………..………………………………………9 б) живопись:

. Психологическая  глубина образов Мазаччо……………………………………….9

. Паоло Уччело и его “сказачность”…..………………………………………………11

4. Высокое Возрождение:  а) в Средней Италии:

. Творчество Леонардо  да Винчи как воплощение гармонии .…………………..12

. Мастер Мадонн (Рафаэль)…..………………………………….……………………13 
Творчество Микеланджело…………………………………………………………..14 б) в Венеции

. Мифологические  и литературные сюжеты Джорджоне…………………………15

. Тициан Вечеллио……………………………………………………………………...16

5. Позднее Возрождение:

. Творческая индивидуальность  Тинторетто………………………………………16

. Маньеризм –  особая фаза Позднего Возрождения………………………………..17

III Заключение……………………………………………………………………………..18

Список дитературы………………………………………………………………………..20

В В Е Д Е Н И Е

Искусство Возрождения  возникло на основе гуманизма (от лат. humanus – 
«человечный») – течения общественной мысли, которое зародилось в XIV в. в 
Италии, а затем на протяжении второй половины XV-XVI вв. распространилось в других европейских странах. Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо. Гуманисты считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Идеи гуманизма наиболее ярко и полно воплотились в искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий не ограниченными духовными и творческими возможностями.

Гуманистов вдохновляла  античность, служившая для них  источником знаний и образцом художественного  творчества. Великое прошлое постоянно напоминавшее о себе в Италии, воспринималось в то время как высшее совершенство, тогда как искусство Средних веков казалось неумелым варварским. Возникший в XVI в термин «возрождение» означал появление нового искусства, возрождающего классическую древность, античную культуру. Тем не менее, искусство 
Ренессанса многим обязано художественной традиции Средних веков. Старое и новое находилось в нерасторжимой связи и противоборстве.

При всём противоречивом многообразии и богатстве истоков  искусство возрождения — явление, отмеченное глубокой и принципиальной новизной. Оно заложило основы европейской  культуры Нового времени. Все основные виды искусства - живопись, графика, скульптура, архитектура - чрезвычайно изменились.

В архитектуре утвердились  творчески переработанные принципы античной ордерной системы, сложились  новые типы общественных зданий. Живопись обогатилась линейной и воздушной  перспективой, знанием анатомии и  пропорций человеческого тела. В  традиционную религиозную тематику произведений искусства проникало  земное содержание. Усилился интерес  к античной мифологии, истории, бытовым  сценам, пейзажу, портрету. Наряду с  монументальными настенными росписями, украшающими архитектурные сооружения, появилась картина, возникла живопись масляными красками.

Искусство еще не совсем оторвалось от ремесла, но на первое место ухе выступила творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была на редкость многообразной. Поразительна универсальная одаренность мастеров Ренессанса — они часто работали в области архитектуры скульптуры, живописи, совмещали увлечение литературой, поэзией и философией с изучением точных наук. Понятие творчески богатой, или «ренессансной», личности стало впоследствии нарицательным.

В искусстве Возрождения  тесно переплелись пути научного и художественного постижения мира и человека. Его познавательный смысл  был неразрывно связан с возвышенной  поэтической Красотой, в своём  стремлении к естественности оно  не опускалось до мелочной повседневности. Искусство стало всеобщей духовной потребностью.

Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в  экономически независимых городах. В подъёме и расцвете искусства  Возрождения большую роль сыграли  Церковь и великолепные дворы  некоронованных государей 
(правящих богатых семейств) — крупнейших покровителей и заказчиков произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры 
Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя. 
Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине XV в., — богатая купеческая Венеция. В XVI в. столицей итальянского Возрождения стал Рим. 
Начиная с этого времени местные центры искусства, кроме Венеции, утратили прежнее значение.

П Е Р И О Д И З А Ц И Я

Из-за переходного  характера эпохи Возрождения  хронологические рамки этого  исторического периода установить довольно трудно. Периодизация 
Возрождения определяется верховной ролью изобразительного искусства в его культуре. Если основываться на признаках, которые в последствии будут указаны (гуманизм, антропоцентризм, модификация христианской традиции, возрождение античности), то хронология будет выглядеть так: вводный период, Проторенессанс, «эпоха Данте и Джотто», ок.1260-1320, частично совпадающий с периодом дученто (XII-XII вв.) и треченто (XIII-XIV вв.), 
Раннее Возрождение (кватроченто XIV-XV вв.), когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, преодолевая и творчески преобразуя ее, а также 
Высокое и Позднее Возрождение (чинквеченто XV-XVI вв.).; особой фазой которых стал маньеризм.

П Р О Т О  Р Е Н Е С С А Н С

В итальянской культуре XIII – XIV вв. на фоне еще сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства – будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали 
Проторенессансом (т.е. подготовившим наступление Ренессанса; от греч. 
«протос» –«первый»).

Аналогичного переходного  периода не было ни в одной из европейских стран. В самой Италии проторенессансное искусство существовало только в 
Тоскане и Риме.

В итальянской культуре переплетались черты старого  и нового. «Последний поэт Средневековья» и первый поэт новой эпохи Данте  Алигьери (1265-1321) создал итальянский  литературный язык. Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы XIV столетия – Франческо Петрарка (1304-1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джованни Боккаччо (1313- 
1375), основоположник жанра новеллы (небольшого рассказа) в мировой литературе. В изобразительном искусстве безличное цеховое ремесло уступает место индивидуальному творчеству. В архитектуре, скульптуре и живописи выдвигаются крупные мастера, ставшие гордостью эпохи, - Никколо и 
Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Пьетро Каваллини, Джотто ди Бондоне, творчество которых во многом определило дальнейшее развитие итальянского искусства, заложив основы для обновления.

Треченто

Со второй половины XIII - в начале XIV в. в борьбе с местными феодалами крепнет флорентийское бюргерство. Флоренция одной из первых превращается в богатую республику с конституцией, принятой в 1293 г., с быстро формирующимся буржуазным бытом и складывающейся буржуазной культурой. Почти сто пятьдесят лет просуществовала Флорентийская республика, нажившая богатства в торговле шерстью и шелком и прославившаяся своими мануфактурами.

Изменения в искусстве  Италии, прежде всего, сказались в  скульптуре. Они были подготовлены скульптурными работами мастера  Никколо Пизано (около 1220 
– между 1278 и 1284). Он родился на юге, в Апулии, но, работая в Пизе, так сроднился с городом, что получил прозвище Пизано, с которым вошел в историю итальянского искусства. В его работах прослеживается явное влияние античности. Он, несомненно, изучал скульптурное оформление позднеримских и раннехристианских саркофагов. Шестигранная мраморная кафедра (1260 г.), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла не ее дальнейшее формирование. Кафедра из белого, розово-красного и темно-зеленого мрамора представляет собой целое архитектурное сооружение, легко обозримое со всех сторон. По средневековой традиции, на парапетах (стенках кафедры) представлены рельефы на сюжеты из жизни Христа, между ними располагаются фигуры пророков и аллегорических добродетелей. Колонны опираются на спины лежащих львов. 
Никколо Пизано использовал здесь традиционные сюжеты и мотивы, однако, кафедра принадлежит уже новой эпохе.

Никколо стал основателем школы скульптуры, просуществовавшей до середины 
XIV века и распространившей свое внимание по всей Италии. Конечно, многое в скульптуре пизанской школы еще тяготеет к прошлому. В ней сохраняются старые аллегории и символы. В рельефах отсутствует пространство, фигуры тесно заполняют поверхность фона. И все же реформы 
Никколо значимы. Использование классической традиции, акцентировка объема, материальности и весомости фигуры, предметов, стремление внести в изображение религиозной сцены элементы реального земного события создали основу для широкого обновления искусства. В 1260-1270 годах мастерская 
Никколо Пизано выполняла многочисленные заказы в городах средней Италии. 
Новые веяния проникают и в живопись Италии. В течение некоторого времени значительная роль в этой области принадлежала художникам Рима. Римская школа выдвинула одного из крупнейших мастеров Проторенессанса - Пьетро 
Каваллини (между 1240 и 1250 – около 1330).

Подобно тому, как  Никколо Пизано реформировал итальянскую скульптуру, 
Каваллини заложил основу нового направления в живописи. В своем творчестве опирался на позднеантичные и раннехристианские памятники, которыми в его время был еще богат Рим. Он автор мозаик (церковь Санта-Мария ин 
Трастевере; 1291) и фресок (церковь Санта-Чечилия ин Траствере; около 
1293). Заслуга Каваллини состоит в том, что он стремился преодолеть плоскостность форм и композиционного построения, которые были присущи господствовавшей в его время в итальянской живописи "византийской" или "греческой" манере. Он вводил заимствованную у древних художников светотеневую моделировку, достигая округлости и пластичности форм.

Однако со второго  десятилетия XIV века художественная жизнь  в Риме замерла. Ведущая роль в  итальянской живописи перешла к  флорентийской школе.

Флоренция в течение  двух столетий была чем-то вроде столицы  художественной жизни Италии и определяла главное направление развития ее искусства.

Рождение проторенессансного искусства Флоренции связывают  с именем 
Ченни ди Пеппо, прозванного Чимабуэ (ок.1240-ок.1302).

Но самым радикальным  реформатором живописи был один из величайших художников итальянского Проторенессанса  Джотто ди Бондоне 
(1266/67-1337). В своих работах Джотто подчас достигает такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения. Он работал как живописец, скульптор и архитектор. Но все же главным его призванием была живопись. Основной работой Джотто является роспись капеллы дель Арены или Капеллы Скровеньи (по имени заказчика) в городе Падуя (1303-1306). 
Более поздние работы Джотто - росписи в церкви Санта Кроче во Флоренции 
(капелла Перуцци и капелла Барди). В капелле дель Арена фрески расположены в три ряда по глухой стене. Интерьер простой однонефной капеллы освещается пятью окнами на противоположной стене. Внизу на живописно имитированном цоколе из розовых и серых квадратов размещены 14 аллегорических фигур пророков и добродетелей. Над входом в капеллу расположена роспись "Страшный суд", на противоположной стене - сцена "Благовещение". 38 сцен из жизни 
Христа и Марии Джотто связал в единое стройное целое, создав величавый эпический цикл. Евангельские сюжеты представлены Джотто как реально существующие события. Живым языком повествуется о проблемах, волнующих людей во все времена: о добросердечии и взаимопонимании ("Встреча Марии и 
Елизаветы", "Встреча Иоакима и Анны у Золотых ворот"), коварстве и предательстве ("Поцелуй Иуды", "Бичевание Христа"), о глубине скорби, кротости, смирении и извечной всепоглощающей материнской любви 
("Оплакивание"). Сцены полны внутренней напряженности, как, например, 
"Воскрешение Лазаря", иногда пронзительны в своем трагизме, как композиция 
"Несение креста".

Трактуя евангельские эпизоды как события человеческой жизни, Джотто помещает его в реальную обстановку, отказываясь при этом от соединения в одной композиции разновременных моментов. Композиции Джотто всегда пространственны, хотя сцена, на которой разыгрывается действие, обычно не глубока. Архитектура и пейзаж в фресках Джотто всегда подчинены действию. 
Каждая деталь в его композициях направляет внимание зрителя к смысловому центру.