Индивидуальный текст экскурсии «Московский музей современного искусства- искусство XX и XXI веков »

Государственное образовательное учреждение

высшего профессионального образования
города Москвы
«Московский государственный институт индустрии туризма»

КАФЕДРА СОЦИОЛОГИИ И ПРАВА

Дисциплина: Технология и организация экскурсионных услуг

Контрольная работа

Тема: Индивидуальный текст экскурсии

«Московский музей современного искусства-

искусство XX и XXI веков »

Выполнила: студентка

2 курса 205 (3,5 года) учебной группы

Факультета заочного обучения

Култышева Юлия Сергеевна

Проверил преподаватель

Вахтель Юрий Маркович

              Добрый день, Уважаемые Дамы и Господа!

Меня зовут Юлия и сегодня я буду вашим экскурсоводом.

Мы с вами находимся в Московском музее изобразительного искусства, в его главном здание. Прежде, чем начать знакомство с экспозицией, я немного расскажу вам об этом чудесном музее.

Московский музей современного искусства – первый в России государственный музей, целиком специализирующийся на искусстве XX и XXI веков. С момента открытия музей многократно расширил сферу своей деятельности и получил признание широкой публики. Сегодня музей является одним из самых активных участников художественной жизни столицы.

Музей открыл свои двери 15 декабря 1999 года при поддержке Правительства Москвы и Департамента культуры города Москвы. Основателем и директором музея стал Зураб Церетели, Президент Российской Академии художеств. Его личная коллекция, состоявшая более чем из 2.000 работ известных мастеров XX века, положила начало музейному собранию. Позднее фонды музея значительно пополнились, и в настоящее время это одно из самых представительных собраний отечественного искусства XX столетия. Коллекция музея постоянно растет за счет закупок и даров.

Сегодня музей располагается на четырех площадках в историческом центре Москвы. В основном здание, в котором мы сейчас с вами нахожимся, размещается постоянная экспозиция и проводятся временные выставки. Это бывший особняк купца Губина, построенном по проекту знаменитого архитектора Матвея Казакова. Но об этом немного позднее. В распоряжении музея находятся три великолепных выставочных пространства: пятиэтажное здание в Ермолаевском переулке, просторная галерея на Тверском бульваре и старинное здание Российской академии художеств на Гоголевском бульваре.

Возвращаясь к истории нашего с вами здания, хотелось бы рассказать, что главное здание Московского музея современного искусства представляет собой историческую и культурную ценность. В истории города Москвы этот памятник архитектуры, относящийся к XVIII веку, остался известен как особняк Губина. Когда-то он действительно являлся главным домом городской усадьбы богатого уральского промышленника и купца Михаила Павловича Губина. Здание построено в 1793 году по проекту знаменитого русского зодчего Матвея Казакова.

Место, где расположен усадебный дом — нынешний музей — было обжито москвичами еще в XIV веке. Тогда улица Петровка представляла собой пустынную дорогу, простиравшуюся от Высокопетровского монастыря — визави музейного здания — до самого Кремля. До конца XVII века на месте, где сейчас стоит особняк, находилась слободка монастырских работных людей. Во времена Петра I на Петровке, напротив монастыря, располагалось владение бояр Нарышкиных, чей дом сообщался надземным переходом через улицу с монастырем.

После смены целой череды хозяев земельный участок достался владельцу, чье имя осталось увековеченным благодаря возведенной им замечательной усадьбе, главный дом которой дошел до нас почти в неизменном виде. «Дом я имею, в Белом Городе... доставшийся мне по купчей от оренбургского купца Дмитрия Кузмина сына Крашенинникова...» — так рапортует сам Губин в Московскую контору городских строений 25 мая 1799 года. Исследователи, занимающиеся архитектурным наследием Матвея Казакова, неоднократно высказывали предположение, что главный дом усадьбы был перестроен архитектором из более старого здания. Особняк вместе с боковыми флигелями (один из них сохранился до нашего времени) представлял собой типичный московский усадебный ансамбль, выходивший фасадом на красную линию улицы. За строениями располагался парк с небольшим прудом. В таком виде усадьба просуществовала до конца XIX века. Затем ее постигла участь большинства старых московских усадеб: произошел раздел владения. Большая его часть вместе с садом и прудом была продана и застроена. В 1880 году главный дом сдали под гимназию. Известно, что в ней учились знаменитый поэт-символист Валерий Брюсов и братья Бахрушины.

После революции для здания опять началась новая жизнь. В 1920 году бывшая гимназия была определена под Институт физиотерапии и ортопедии. Весь советский период, вплоть до того момента, когда особняк был передан в музейное назначение, здесь располагалось больничное учреждение. За это время внешняя отделка и интерьер сильно обветшали, потребовалась капитальная реставрация. В результате теперь посетитель музея может видеть уникальные росписи потолков особняка, выполненные в классицистическом духе. Элементы интерьера — парадная лестница, оркестровая ниша в бальном зале, керамические печи — до сих пор доносят до нас атмосферу московской старины.

Идея приспособить особняк под помещение для музея современного искусства не является случайной. В сочетании старых и новых форм, в близком соседстве абсолютно разных эпох и для художника, и для вас открывается возможность самоопределения в синтетическом пространстве культуры. Этот элемент свободной игры с историческим материалом свойственен постмодернистской эстетике в целом.

Прежде чем ознакомиться с работами, я хотела бы рассказать немного о  постмодернистской эстетике. Постмодернизм — культурная ситуация, связанная с пересмотром философских основ всей предшествующей жизни человечества и проявившаяся во всех областях культуры.
Постмодернизм как культурная ситуация обозначается во второй половине XX в. Мировоззренческой базой постмодернизма стало разочарование в идеологии Нового времени, сформулированной гуманистами Возрождения и просветителями XVIII века и воплотившейся в культурном проекте модернизма.
  Постмодернизм создает свои альтернативы в культуре: 
• человек - такое же существо, как и все, населяющие мир, а не «венец творения»;
• мир изменить человек не может;
• мир относителен;
• истина плюралистична.
От ситуации порядка постмодернизм переводит мир к ситуации относительно организованного хаоса, развивающегося по законам синергетики. Мир теперь относителен и непредсказуем. Наше восприятие мира фрагментарно и иллюзорно. Авторитетность суждения обусловлена контекстом события. Поэтому спутниками постмодернизма становятся демократические принципы государственного устройства и глобализация мира. Классические представления о мере и гармонии оказались неприложимыми к миру плюрализма и хаоса. Эстетические отношения человека с миром потеряли свои основные принципы (меру, гармонию), разрабатываемые классической эстетикой.

Прошу вас следовать за мной.
Новым определяющим началом развития эстетического научного направления стало признание философами факта опосредованности отношений человека с миром всей предшествующей культурой. Эстетическое отношение человека к миру (впервые за историю существования человечества) становится глобально опосредованным Культурой. Эта опосредо-ванность создает главные предпосылки рождения новых постнеклассических основ теоретического осмысления новой культурной ситуации и мироощущения человека в XXI в., закрепляющие и утверждающие необходимость коренного преобразования теоретической эстетики.
Теоретической основой эстетики постмодернизма (постнеклассической эстетики) стали философские взгляды французских структуралистов второй половины XX века и постструктуралистов, представителей семиотического направления второй половины XX века, а также постфрейдистов.

Назвав прекрасное безобразным, а безобразное прекрасным, Давид Бурлюк перетряхнул всю эстетику. По сути дела, он повторил в русском варианте подвиг Бодлера. Когда Бодлер написал свою “Падаль”, ставшую классикой, он фактически доказал, что у красоты нет границ. Она присутствует всюду, распространяясь на хаос и безобразие. Более того, в хаосе и уродстве как раз и прячется новая красота.

Перед вами картина Давида Бурлюка «Футуристическая женщина с тремя глазами» .

Давид Бурлюк

«Футуристическая женщина с тремя глазами»

(1911-е гг.  )

Давид Давидович Бурлюк  – основатель футуризма в России.

Он создает свою «Футуристическую женщину», когда в русском искусстве происходит сложение новой модернистской иконографии, когда формируется причудливый пантеон авангарда.

Фронтальный разворот и погрудный срез фигуры, обобщенный лик с крупными и ровными чертами, - все эти особенности изображения свидетельствуют о его связи с иконой. И в самом деле, перед нами представительница некоего идеального мира - наделенная сверхъестественными возможностями женщина будущего, футристическая женщина.

Излучаемые ею энергии и силы явлены в картине живописными средствами. Условное абстрактное пространство позади ее фигуры наполнено динамикой будто бы электрически-заряженных линий и цветовых плоскостей. Пересекаясь друг с другом, они создают вокруг головы своеобразный угловатый нимб.

Представленная как бы на краю картинной плоскости героиня оказывается на границе двух миров – мира реального и мира более сложного, более совершенного, где вместо двух глаз ей требуется, как минимум, три.

Пройдемте дальше.

Каземир Малевич - «Автопортрет»

(1934 г )

К русским футуристам так же относится небезызвестный вам Каземир Малевич. Художник-авангардист, педагог, теоретик искусства, философ,    очень  разносторонняя личность.  Основоположник супрематизма — направления в абстрактном искусстве. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Автопортрет знакомит вас с поздним периодом творчества Казимира Малевича. Пройдя долгий путь художественных поисков, впитав многие стилевые тенденции начала XX века, основатель супрематизма в 1930-е годы отходит от беспредметности и обращается в своей живописи к изобразительности и овеществлению зримого мира.

Известно немалое число автопортретов Малевича – художник активно разрабатывал эту тему на протяжении всей своей жизни. Работа из коллекции Московского музея современного искусства стоит в ряду лучших. Здесь Малевич использует традиционное решение портретной композиции: погрудную демонстрацию фигуры, трехчетвертной поворот, кадрирование изображения через легкое смещение влево. Особый интерес представляет колористическая и светотеневая трактовка лица художника. Как на портретах старых мастеров, оно будто бы выплывает из темноты, выхваченное светом. Выстроенный на игре и противопоставлении черного и белого цветов, колорит автопортрета обогащен импрессионистическими элементами.

Перейдем к следующему произведению. Эдуард Криммер - советский художник. Заслуженный художник РСФСР (1967), лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина (1970). В первые годы после революции занимался оформлением спектаклей в Николаеве. С 1923 года жил в Петрограде. Ученик Каземира. Малевича с 1929

Эдуард Криммер — Без названия

конец 1920-х гг

Эта двусторонняя работа – одно из немногих дошедших до нас станковых произведений Криммера, создана художником во второй половине 1920-х годов в период сотрудничества со школой Малевича.

Картина, по существу, являет собой живописный этюд, своего рода упражнение в кубистической технике. Обобщенно трактованная женская полуфигура, изображенная на темном глухом фоне, застыла в характерной для штудийной постановки позе, подобно античной кариатиде. Моделируя объемы посредством разноокрашенных геометризованных плоскостей, художник отходит от изначального натурного впечатления, добивается предельного упрощения и схематизации предметных форм. Композиция, таким образом, обретает структурную ясность и лаконизм, присущие беспредметным супрематическим построениям.

На обороте картины на ровном зеленом фоне представлено условное изображение жницы в красном платке и в красных одеждах, - очевидный парафраз знаменитых крестьян Малевича.

Следуйте, пожалуйста, за мной далее.

Эль (Лазарь) Лисицкий - один из наиболее известных учеников Казимира Малевича, художник, архитектор, дизайнер и теоретик искусства. Эль Лисицкий в 1919 году разработал свой собственный вариант развития супрематизма. В нем центральное место занимает так называемый «проун» (аббревиатура от «Проект Утверждения Нового»).

Эль (Лазарь) Лисицкий - Проун

1923 – 1924 гг.

По словам самого художника, проуны являлись «пересадочными станциями от живописи к архитектуре». Они синтезировали в себе методы супрематизма и конструктивизма. С помощью них Лисицкий пришел к решению структурных, композиционных и дизайнерских задач в самых различных сферах: театрально-декорационном искусстве, фотографии, книжном деле и архитектуре.

Постарайтесь сохранить в памяти графическую структуру проуна. На нашей следующей экспозиции, которая будет проходить через месяц, вы сможете сравнить проун с архитектурными четртежами.

Прошу следовать за мной.

Далее в нашей экспозиции представлена Картина Владимира Стенберга.

Стенберги, братья Владимир Августович и Георгий Августович, советские графики, дизайнеры (см. Дизайн), мастера оформительского искусства, театральные художники.

Представители конструктивизма, участники движения производственного искусства.

Стенберги оттачивали мастерство на голливудских немых лентах, изредка разбавленных немецким экспрессионизмом; и те, и другие, как правило, были перемонтированы уже в СССР. Свои работы братья подписывали на манер цирковых дуэтов — 2-СТЕНБЕРГ-2

              Владимир Стенберг - «Рабочий»

Начало 1920- гг

В центре холста изображена распластанная по поверхности, кубистически трактованная фигура рабочего. Припав на одно колено, рабочий держит в левой руке рычаг гигантской машины, разрастающейся ввысь и вширь у него за спиной. Плоскостная композиция, составленная из прихотливо переплетающихся линий и геометризованных плоскостей, в полуабстрактных формах воплощает сложноорганизованную конструкцию отлаженного машинного механизма. Находящийся в его сумрачном и тесном чреве человек сам становится неотъемлемым компонентом машины, сливается с ней в едином ритмизованном движении.

Лишенный каких-либо индивидуальных характеристик, одетый в синюю безликую спецовку рабочий Владимира Стенберга – новый герой, выразитель идеалов молодого советского индустриального общества.

А вот «Курильщик» Ивана Малютина, типаж, весьма популярный в искусстве начала ХХ века.

Иван Малютин - «Курильщик»

1910-е гг.

Станковая живописная работа не характерна для творчества Ивана Малютина - художника более известного своей плакатной графикой и карикатурами. Картина исполнена в кубистической стилистике.

Изображенная здесь предметная реальность как будто аккуратно вычерчена с помощью линейки и циркуля. Тонкий черный контур, четко обрисовывающий мелкие детали изображения, а также приближающийся к монохромному колорит сообщают всей композиции строгую и изысканную графичность.

Манекеноподобная фигура курильщика, представленная в окружении вещественного мира, словно поглощается этой предметной средой. Частью натюрморта на столе становится и его лицо, лишенное индивидуальных черт и воспринимающееся как карикатурная маска. Композиция напоминает многосоставный бездушный механизм, об эффективной работе которого свидетельствует лишь выделяющаяся струйка белого дыма – самый «живой» элемент изображения

Далее мы рассмотрим с вами три произведения несравненной

Алекса́ндры Эксте́р. Родилась в городе Белосток Гродненской губернии Российской империи в семье коллежского асессора. Училась в киевском художественном училище, а в Париже подружилась с Паблом Пикассо.

В 1912 г. в Италии познакомилась с художником-футуристом Арденго Соффичи, а через него — с ведущими авангардистами этой страны. В 1915 году вступила в группу Квземира Малевича — Супремус. «Супре́мус» — это  Объединение художников-авангардистов.

Александра Экстер -  «Композиция»

Вторая половина 1910-х гг

Представленная работа – замечательный образец станкового искусства Экстер второй половины 1910-х годов. 
В этот период под влиянием идей Казимира Малевича художница отходит от кубистической трактовки форм предметного мира и обращается к проблемам чистой абстракции.

"Композиция", составленная из различающихся по цвету, форме и размеру плоскостей, характеризуется, прежде всего, особой, классицистической ясностью построения, равновесием всех своих структурных элементов. Излюбленные художницей насыщенные локальные цвета – красный, желтый и синий, а также черный и белый, неотделимые от формы, сосуществующие с ней в неразрывном художественном единстве, наделяют композицию ярко выраженным декоративным звучанием, вообще отличающим все живописное творчество Экстер.

Беспредметные композиции Экстер можно воспринимать как своего рода «формальные упражнения». Экспериментируя с отвлеченной формой и чистым цветом, художница получала возможность исследовать законы природы в неком идеальном пространстве, лишенном множественности случайных предметных ассоциаций.

Картину «Рыбачки» Экстер создает в Париже, в первые годы, последовавшие после ее окончательного отъезда из советской России. Именно в Париже абстрактные «цветоконструкции» и кубистические пейзажи 1910-х годов уступают место работам, имеющим более выраженное сюжетно-фигуративное начало: в них все настойчивее проявляют себя черты нового стиля ар-деко. «Рыбачки» – одно из первых произведений такого рода.

Александра Экстер - «Рыбачки»

1928 – 1930 гг.

Две женщины-рыбачки, стоя в предрассветных сумерках на берегу моря, неспешно беседуют друг с другом. Их лапидарные полуфигуры уподоблены греческим корам, словно высеченным из грубого, темного камня. Свойственное Экстер «эллинистическое миросозерцание», ориентация на классическое наследие, ее страстное увлечение Горацием и Пуссеном, – все эти качества проявили себя в этой работе сполна. Не в последнюю очередь они отразились и на строгой упорядоченности композиции, тяготеющей к почти идеальной симметрии. Даже одного взгляда на картину достаточно, чтобы ощутить все очарование этого ноктюрна, проникнутого особой, средиземноморской, атмосферой.

Перейдем к следующей картине.

Картина «Женщина с рыбой», исполненная Экстер в эмиграции во Франции, принадлежит зрелому этапу ее творчества. Экстер в ней исследует выразительные возможности утвердившегося тогда в Европе нового стиля – ар-деко. В центре холста Экстер изобразила женскую фигуру, стилизованный силуэт которой органично вплетается в ритмическую игру криволинейных плоскостей, тонко соотнесенных друг с другом по цвету.

Александра Экстер - «Женщина с рыбой»

1932 – 1934 гг.

Полотно приковывает к себе внимание благодаря необычной образной трактовке изображенной модели: приподнятой, парадной, театрализованной. Молодая женщина, держащая перед собой корзину с рыбой, – вероятно простая крестьянка или жена рыбака, – представлена в, казалось бы, совсем не характерной для нее роли. Горделиво подняв голову и устремив свой взор вдаль, она спокойно, с достоинством позирует художнице. Под стать модели и «артистический костюм»: ее голову покрывает широкополая охристая шляпа, на вскинутое плечо, словно полупрозрачный плащ, наброшена взметнувшаяся волной красочная тень.

Следующий , но не менее интересный, представитель нашей экспозиции Владимир Давидович Баранов-Россине (еврейское имя — Шулим Вольф Лейб Баранов, псевдоним Даниэль Россинэ) — мастер русского авангарда, живописец, рисовальщик и скульптор.

«Кубистическая обнаженная» создана в Париже, где художник обосновался после окончательного отъезда из советской России в 1925 году. Обнаженная женская фигура трактована здесь в духе позднего кубизма, причем кубистическая деформация затрагивает не только фон изображения (прием, часто встречающийся в живописи Баранова-Россине), но и само тело модели. Живописная поверхность листа как бы разбивается, дробится на отдельные разноцветные геометризованные плоскости. Их, в свою очередь, художник покрывает разнообразным орнаментом, имитирующим фактуру различных «конструирующих» изображение материалов (дерево, ткань, метал), что сообщает всей композиции явное сходство с коллажем.

Владимир Давидович Баранов-Россине

«Кубистическая обнаженная»

После 1925 г.

Кроме того, живописная «Кубистическая обнаженная» оказывается родственной и так называемым политехническим скульптурам (или ассамбляжам), одним из создателей которых в середине 1910-х годов наряду с Пикассо, Архипенко, Татлиным, Поповой и Клюном стал и Баранов-Россине.

Эта картина завершает нашу с вами сегодняшнюю экскурсию. Смею надеяться, что экспозиция нашего музея оставила у вас яркое воспоминание о себе. На этом мы вынуждены проститься. Спасибо всем за внимание!