Расцвет художественной культуры и искусства

Именно тогда рождался дух научного эксперимента, в утверждение и развитие которого решающий вклад внес Леонардо. Вместе с тем – опять же, как ученый и мыслитель – он на целые столетия опередил свое время. Леонардо разрабатывал систему мышления, которая получит распространение после эпохи Ренессанса, в Новое время. Многие его идеи и технические проекты – замыслы самолета, вертолета, танка, парашюта и т.д. – будут воплощены только в 19-20 веках.

В каждом произведении Леонардо решал какую-нибудь сложную проблему. Когда это решение находилось, ему уже неинтересно было доводить полотно до завершения. В этом смысле ученый-экспериментатор в нем брал верх над художником. Здесь он опять же опередил развитие живописи на целые столетия. Только во второй половине 19 века французский импрессионизм встал на путь подобного эксперимента, который привел искусство к модернизму и авангарду.

Леонардо избегал всего  неподвижного и застывшего. Он любил  движение, действие, жизнь. Его притягивал меняющийся, скользящий формы свет. Он как завороженный следил за поведением воды, ветра. В своих произведениях  он стремился выразить переходное, меняющееся состояние. Именно такой предстает загадочная и странная полуулыбка его знаменитой «Джоконды». Благодаря этому все выражение лица становится неуловимым и меняющимся, странным и загадочным.

Мышление и рисунок  Леонардо рассматривает как два способа познания действительности, позволяющих анализировать и понимать ее. Исходя из открытых таким образом элементов, он осуществляет новый синтез, выступающий одновременно творческим процессом, который в одном случае приводит к произведению искусства, а в другом – к научному открытию. Леонардо подчеркивает, что искусство и наука по своей природе тождественны. У них общий метод и общие цели. В их основе лежит один и тот же творческий процесс. Однако уже в последующем – 17 веке пути искусства и науки разойдутся. Равновесие между ними нарушится в пользу науки.

Одной из вершин творчества Леонардо является фреска «Тайная вечерня» в трапезной монастыря Санта  Мария Дела Грацие. Эта работа поражает не только общей композицией, но и  точностью. Леонардо не просто передает психологическое состояние апостолов, но и делает это в момент, когда оно достигает критической точки, переходит в психологический взрыв и конфликт.

Второй вершиной творчества Леонардо стал знаменитый портрет Моны Лизы, или «Джоконда». Это произведение положило начало жанру психологического портрета в европейском искусстве. При его создании великий мастер с блеском использовал весь арсенал средств художественной выразительности: резкие контрасты и мягкие полутона, застывшая неподвижность и всеобщая текучесть и изменчивость, тончайшие психологические нюансы и переходы. Весь гений Леонардо заключен в удивительно живом взгляде Моны Лизы, ее таинственной и загадочной улыбке, мистической дымке, покрывающей пейзаж.

Рафаэль (1483-1520) является одним из самых ярких гениев Высокого Возрождения. Он пережил трудное детство, рано лишился матери и отца. Однако затем судьба, не скупясь, ему давала все, что он хотел, - многочисленные заказы, огромный успех и громкую славу, богатство и почет, всеобщую любовь, включая любовь женщин.

Рафаэль был архитектором и живописцем. Вслед за Браманте он участвовал в проектировании и сооружении Собора св. Петра, строил капеллу Киджи Церкви Санта Мария дель Пополо в Риме. Однако невиданную славу ему принесла живопись.

В отличие от Леонардо Рафаэль полностью принадлежал своему времени. В его произведениях нет ничего странного, таинственного и загадочного. В них все ясно и прозрачно, все прекрасно и совершенно. Он с наибольшей силой воплотил положительный идеал прекрасного человека. В его творчестве царит жизнеутверждающее начало.

Главной темой его  творчества стала тема Мадонны, которая  нашла у него непревзойденное, идеальное  воплощение. Именно ей посвятил Рафаэль  одно из ранних своих произведений – «Мадонна Конестабиле», где Мадонна изображена с книгой, которую листает младенец. Уже в этом полотне ярко проявились важные художественные принципы великого художника. Мадонна лишена святости, она выражает не только материнскую любовь, но воплощает собой идеал прекрасного человека. В картине все отмечено совершенством: композиция, цветовая гамма, фигуры, пейзаж.

Вершиной в развитии темы Богоматери явилась «Сикстинская Мадонна», ставшая настоящим гимном физического и духовного совершенства человека. В отличие от всех других Мадонн Сикстинская выражает неисчерпаемый человеческий смысл. Она сочетает в себе земное и небесное, простое и возвышенное. На ее лице можно прочитать все человеческие чувства: нежность, робость, тревогу, уверенность, строгость, величие.

Микеланджело Буонаротти (1475-1564) является третьим великим гением итальянского Возрождения. По масштабу личности он приближается к Леонардо. Он был скульптором, живописцем, архитектором и поэтом. Последние тридцать лет его творчества приходятся уже на Позднее Возрождение. В этот период в его произведениях появляются беспокойство и тревога, предчувствие грядущих бед и потрясений.

Среди первых его творений обращает на себя внимание статуя «Замахнувшийся мальчик», которая перекликается  с «Дискоболом» античного скульптора Мирона. В ней мастеру удалось ярко выразить движение и страстность юного существа.

Одним из высших достижений Микеланджело явилась статуя «Давид», которую он рискнул изваять из валявшейся без употребления и уже  испорченной глыбы мрамора. Скульптура очень высока – 5,5 м. Однако эта особенность остается практически незаметной. Идеальные пропорции, совершенная практика, редкая гармония форм делают ее удивительно естественной, легкой и прекрасной. Статуя наполнена внутренней энергией, жизнью и силой.

Помимо скульптур Микеланджело создал прекрасные произведения живописи. Самыми значительными из них являются росписи Сикстинской капеллы в Ватикане.

В последние годы жизни  Микеланджело занимался архитектурой. Он завершает строительство собора св. Петра, внеся изменения в первоначальный проект Браманте.

В искусстве итальянского Возрождения особое место занимает Венеция. Сложившаяся здесь школа  существенно отличалась от школ Флоренции, Рима, Милана или Болоньи. Последние тяготели к устойчивым традициям и преемственности, они не были склонны к радикальному обновлению. Именно на эти школы опирался классицизм 17 века и неоклассицизм последующих веков.

Венецианская школа выступала их своеобразным противовесом и антиподом. Здесь царил дух новаторства и радикального, революционного обновления.

Художники венецианской школы отдавали предпочтение не форме  и рисунку, но цвету, игре света и тени. Изображая природу, они стремились к раскрытию богатств, присущих самой живописи. Именно Венеции принадлежит заслуга открытия чистого живописного начала, или живописности в ее чистом виде. Венецианские художники первыми показали возможность определения живописности от предметов и формы, возможность решения проблем живописи с помощью одного цвета, чисто живописными средствами, возможность рассматривать живописное как самоцель. По этому пути пойдет вся последующая живопись, покоящаяся на экспрессии и выразительности.

Родоначальником венецианской школы является Джорджоне (1476-1510). В своем творчестве он выступил как настоящий новатор. У него окончательно побеждает светское начало, и вместо библейских сюжетов он предпочитает писать на мифологические и литературные темы. В его творчестве происходит утверждение станковой картины, которая уже ничем не напоминает икону или алтарный образ.

Главой венецианской школы является Тициан (ок. 1489-1576). Его творчество – наряду с творчеством Леонардо, Рафаэля и Микеланджело – является вершиной искусства Ренессанса. Большая часть его долгой жизни приходится на Позднее Возрождение.

В работах первого  периода Тициан прославляет беспечную  радость жизни, наслаждение земными  благами. Он воспевает чувственное  начало, пышущую здоровьем человеческую плоть, вечную красоту тела, физическое совершенство человека. Этому посвящены такие полотна, как «Любовь земная и небесная», «Праздник Венеры», «Венера и Адонис».

В работах второго  периода чувственное начало сохраняется, однако оно дополняется растущим психологизмом и драматизмом. В целом Тициан7 совершает постепенный переход от физического и чувственного к духовному и драматическому. Происходящие изменения в творчестве Тициана хорошо видны при воплощении тем и сюжетов.

В поздних произведениях  Тициана трагическое звучание все более усиливается. Об этом свидетельствует полотно «Оплакивание Христа».

Возрождение, существующее вне Италии, обычно называется Северным. Его представляют такие страны, как  Нидерланды, Германия, Франция, Англия, Испания. В то же время относительно искусства Нидерландов ситуация остается неясной. С одной стороны, нидерландские художники первыми начали пользоваться масляными красками, а за ними последовали итальянские. Хронологически, в эпоху Возрождения, в Нидерландах творили такие известные мастера, как Ян Ван Эйк, П. Брейгель.

С другой стороны, их творчество далеко не все считают возрожденческим. Такого мнения, в частности, придерживается нидерландский ученый Й.Хейзинг, относя их творчество к позднему Средневековью.

В Германии наиболее известным художником Возрождения является Альбрехт Дюрер (1471-1528), творчество которого развивалось под сильным влиянием итальянского искусства. Страсть к живописи проявилась у Дюрера очень рано – в 13 лето он написал первый свой автопортрет. Более поздний «Автопортрет» (1500) становится настоящей удачей и приносит ему широкую известность. В нем проявились основные черты искусства Возрождения: правдивость и достоверность, точный расчет, а также идеализация и возвышение человека.

К числу высоких достижений художника относится картина «Адам и Ева», на которой обнаженные тела прародителей человечества вылеплены с редким великолепием, наделены естественными пропорциями и движениями.

Последним живописным произведением  Дюрера является полотно «Четыре  апостола», состоящих из двух панно, на каждом из которых изображены по два апостола: на левом – Иоанн и Петр, на правом – Павел и Марк. Каждый наделен яркими индивидуальными психологическими чертами.

Искусство французского Возрождения представляет, прежде всего, Франсуа Рабле (1494-1553). Он был не только великим писателем-гуманистом, но и монахом, ботаником, врачом.

Главным творением Рабле  стал роман «Гаргантюа и Пантагрюэль», состоящий из пяти частей, последняя  из которых вышла в свет уже  после смерти писателя. Роман покоится на фольклорной основе, он написан сочным, народным языком с явным вызовом хорошему вкусу, насыщен пословицами и поговорками. В нем много буйного вымысла, фантастики.

Главными темами романа являются воспитание, война и жизнь  обитателей Телемского монастыря.

Касаясь первой темы, Рабле  весьма критически показывает средневековую  школу, которая покоится на принуждении, зубрежке и наказаниях и где главными фигурами выступают богословы. Всему  этому он противопоставляет педагогику, основанную на идеалах гуманизма, согласно которым школа должна быть «домом радости». Такая школа опирается на увлеченность и интерес, она гармонически сочетает удовольствие, радость и наслаждение.

Рассматривая тему войны, Рабле выходит на размышления  о политическом устройстве общества и в связи с этим сопоставляет правление двух типов королей. Один из них является варваром, грубым деспотом и тираном. Второй, напротив, представлен добрым. Ласковым и по-отечески заботливым королем. Разумеется, он вызывает симпатии у Рабле, хотя не во всем соответствует его идеалу просвещенного монарха.

При описании уклада жизни  в воображаемом Телемском аббатстве  Рабле в полной мере раскрывает свое понимание общественных идеалов  и ценностей. В этом монастыре  нет церкви. Его обитателям предоставлена  полная свобода без всяких ограничений. Весь устав сведен к одному призыву: «Делай, что хочешь – твори добро!» Обитатели такого монастыря наслаждаются всей полнотой жизни, где нет никакого принуждения, где торжествует принципы гуманизма.

Помимо главных тем в романе затрагивается множество других. В частности, много места в нем уделено проблеме брака, отношениям между мужчиной и женщиной, роли женщины в жизни общества и т.д.

Главной фигурой английского  Возрождения является Уильям Шекспир (1564-1616). Он был великим драматургом и поэтом, крупнейшим мыслителем и гуманистом Позднего Возрождения.

В творчестве Шекспира условно  можно выделить три периода. Первый приходился на 90-е годы 16 века. В это  время драматург пишет несколько  пьес-хроник – «Генрих 4», «Генрих 6» и др. В них он размышляет о прошлом Англии, рассматривает различные типы власти и общественного устройства.

Помимо хроник Шекспир  создает также 10 великолепных комедий, наиболее популярными из них являются «Сон в летнюю ночь», «Много шума из ничего».

Хотя в этот период Шекспир пишет свою трагедию – «Ромео и Джульетта», в его творчестве явно преобладают оптимистические, жизнерадостные мотивы.

Второй период охватывает первое десятилетие 17 века. В эти  годы творчество Шекспира достигает  наивысшего расцвета. Именно в это время он создает гениальные трагедии - «Гамлет», «Отелло», «Король Лир». Особого выделения среди них заслуживает трагедия «Гамлет», которую можно назвать наилучшей трагедией всех времен и народов.

В этом произведении Шекспир  – в полном соответствии с духом Возрождения – устами Гамлета всячески возвышает и возвеличивает человека, заявляя, что человек – «Чудо природы», что он подобен Богу. Именно таким человеком был Гамлет – принц датский, воплощавший собой яркую, всесторонне развитую личность. Он учился в университете, занимался философией, наукой и искусством. В то же время Шекспир, а вместе с ним и Гамлет, ясно понимает, что время ярких, великолепных личностей прошло, что на смену им идет эпоха посредственных прагматиков.