Серебрянный век

Содержание 

Введение……………………………………………………………..2 

Архитектура………………………………………………………….3 

Живопись……………………………………………………………..5 

Образование…………………………………………………………10 

Наука…………………………………………………………………13 

Заключение…………………………………………………………..17 

Список литературы………………………………………………….18 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Введение 

Серебряный  век русской культуры оказался удивительно  коротким. Он продолжался менее четверти века: 1900 - 1922 гг. Начальная дата совпадает с годом смерти русского религиозного философа и поэта В.С. Соловьева, а конечная - с годом высылки из уже Советской России большой группы философов и мыслителей. Краткость периода вовсе не умаляет его значимости. Напротив, с течением времени эта значимость даже возрастает. Она заключается в том, что русская культура - пусть не вся, а только часть ее - первой осознала пагубность развития, ценностными ориентирами которого выступают односторонний рационализм, безрелигиозность и бездуховность. Западный мир пришел к такому осознанию намного позже.

Серебряный  век включает в себя, прежде всего два главных духовных явления: русское религиозное возрождение начала XX века, известное также под именем "богоискательства", и русский модернизм, охватывающий символизм и акмеизм. К нему принадлежат такие поэты, как М. Цветаева, С. Есенин и Б. Пастернак, не входившие в названные течения. К серебряному веку следует также отнести художественное объединение "Мир искусства" (1898 - 1924). 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

                      Архитектура «серебряного века» 

Эпоха промышленного  прогресса на рубеже XIX-XX вв. произвела подлинный переворот в строительстве. В городском ландшафте все большее место занимали сооружения нового типа, такие как банки, магазины, фабрики, вокзалы. Появление новых строительных материалов (железобетон, металлоконструкции) и совершенствование строительной техники позволило использовать конструктивные и художественные приемы, эстетическое осмысление которых привело к утверждению стиля модерн! 

В творчестве Ф.О. Шехтеля в наибольшей мере воплотились  основные тенденции развития и жанры русского модерна. Становление стиля в творчестве мастера шло по двум направлениям – национально-романтическому, в русле неорусского стиля и рациональному. Наиболее полно черты модерна проявлены в архитектуре особняка Никитских ворот, где, отказавшись от традиционных схем, применен асимметричный принцип планировки. Уступчатая композиция, свободное развитие объемов в пространстве, асимметричные выступы эркеров, балконов и крылец, подчеркнуто выступающий карниз – все это демонстрирует присущий модерну принцип уподобления архитектурного сооружения органической форме. 

В декоративной отделке особняка использовано такие  характерные для модерна приемы, как цветные витражи и опоясывающий все здание мозаичный фриз с растительным орнаментом. Прихотливые извивы орнамента повторены в переплетениях оконных витражей, в рисунке балконных решеток и уличной ограды. Этот же мотив использован при отделке интерьера, например, в форме мраморных перил лестницы. Мебель и декоративные детали интерьеров здания составляют единое целое с общим замыслом сооружения – превратить бытовую среду в своего рода архитектурный спектакль, близкий атмосфере символических пьес.

С нарастанием  рационалистических тенденций в  ряде построек Шехтеля наметились черты  конструктивизма – стиля, который оформится в 20-е годы. 

В Москве новый  стиль выразил себя особенно ярко, в частности в творчестве одного из создателей русского модерна Л.Н. Кекушева В неорусском стиле работали А.В. Щусев, В.М. Васнецов и др. В Петербурге же модерн испытал влияние монументального классицизма, в результате чего появился еще один стиль – неоклассицизм.  
По целостности подхода и ансамблевому решению архитектуры, скульптуры, живописи, декоративных искусств модерн – один из наиболее последовательных стилей.  
 
 
 
 
 
 
 
 
 

                   Живопись «серебряного века»

Тенденции, которые  определили развитие литературы «серебряного века», были характерны и для изобразительного искусства, составившего целую эпоху в русской и мировой культуре. На рубеже столетий расцветает творчество одного из крупнейших мастеров русской живописи Михаила Врубеля. Врубелевские образы — это образы-символы. Они не укладывается в рамки старых представлений. Художник — «гигант, мыслящий не бытовыми категориями окружающей жизни, а «вечными» понятиями, он мечется в поисках истины и красоты». Мечта Врубеля о красоте, которую так трудно было найти в окружающем его мире, который полон безысходных противоречий.  Врубелевская фантазия, переносит нас  в иные миры, где красота, однако, не освобождается от болезней века, — это воплощенные в красках и линиях чувства людей того времени, когда  русское общество жаждало обновления и искало пути к нему.        

В творчестве Врубеля  фантазия соединилась с реальностью. Сюжеты некоторых его картин и  панно откровенно фантастичны. Изображая Демона или сказочную Царевну Лебедь принцессу Грезу или Пана, он рисует своих героев в мире, словно созданном могучей силой мифа. Но даже тогда, когда предметом изображения оказывалась реальность, Врубель словно наделял природу способностью чувствовать и думать, а человеческие чувства безмерно усиливал в несколько раз. Художник добивался того, чтобы краски на его холстах сияли внутренним светом, светились, как драгоценные каменья.     

Другой важнейший  живописец рубежа столетий — Валентин Серов. Истоки его творчества — в 80-х годах XIX века. Он выступил продолжателем лучших традиций передвижников и в то же время смелым открывателем новых путей в искусстве. Замечательный художник, он был блестящим педагогом. Многие видные художники девятисотых годов нового века обязаны ему своим мастерством. 
В первые годы своего творчества художник видит высшую сою цель художника в воплощении поэтического начала. Серов учился в малом видеть большое и  значительное. В его замечательных портретах «Девочка с персиками» и «Девушка, освещенная солнцем» не столько конкретные образы, сколько символы юности, красоты, счастья, любви.

Позднее Серов  стремился выразить представления  о красоте человека в портретах  творческих личностей, утверждая важную для русской художественной культуры идею: человек красив, когда он творец и художник (портреты К. А. Коровина, И. И. Левитана). Поражает смелость В. Серова в  характеристике его моделей, будь то передовая интеллигенция или банкиры, великосветские дамы, высшие чиновники и члены царской фамилии.

Созданные в  первое десятилетие нового века портреты В. Серова свидетельствуют о слиянии лучших традиций русской живописи и создании новых эстетических принципов. Таковы портреты М. А. Врубеля, Т. Н. Карсавиной, позднее — «изысканно стилизованный» портрет В. О. Гиршман и прекрасный, выдержанный в духе модерна, портрет Иды Рубинштейн.

На стыке веков  развивается творчество художников, ставших гордостью России: К. А. Коровина, А. П. Рябушкина, М. В. Нестерова. Великолепные полотна на сюжеты древнейшей Руси принадлежат Н. К. Рериху, искренне мечтавшему о новой роли искусства и надеявшемуся на то, что «из порабощенного служащего искусство вновь может обратиться в первого двигателя жизни».

Богатством отличается и русская скульптура этого периода. Лучшие традиции реалистической скульптуры второй половины XIX века в своих произведениях (и среди них памятник первопечатнику Ивану Федорову) воплотил С. М. Волнухин. Импрессионистское направление в скульптуре выразил П. Трубецкой. Гуманистическим пафосом, а подчас и глубоким драматизмом отличается творчество А. С. Голубкиной и С. Т. Коненкова.

Но все эти  процессы не могли разворачиваться  вне социального контекста. Темы — Россия и свобода, интеллигенция и революция — пронизывали и теорию, и практику русской художественной культуры этого периода. Художественная культура конца XIX — начала XX века характеризуется множеством платформ и направлений. Два жизненных символа, два исторических понятия — «вчера» и «завтра» — явно доминировали над понятием «сегодня» и определяли собою границы, в которых происходило противоборство различных идей и  концепций.

Общая психологическая  атмосфера послереволюционных лет  вызвала у некоторых художников недоверие к жизни. Усиливается  внимание к форме, реализуется новый эстетический идеал современного модернистского искусства. Развиваются ставшие известными всему миру школы русского авангарда, в основе которых лежит творчество В. Е. Татлина, К. С. Малевича, В. В. Кандинского.

Художники, участвующие  в 1907 году в выставке под ярким символическим названием «Голубая роза», усиленно пропагандировались журналом «Золотое руно» (Н. П. Крымов, П. В. Кузнецов, М. С. Сарьян, С. Ю. Судейкин, Н. Н. Сапунов и др.). Они были различны по своим творческим стремлениям, но их объединяло влечение к выразительности, к созданию новой  художественной формы, к обновлению живописного языка. В крайних проявлениях это выливалось в культ «чистого искусства», в образы, порожденные подсознанием.

Возникновение в 1911 году и последующая деятельность художников «Бубнового валета» обнаруживает связь русских живописцев с судьбами общеевропейских художественных движений. В творчестве П. П. Кончаловского, И. И. Машкова и других «бубновалетовцев» с их формальными исканиями, стремлением строить форму при помощи цвета, а композицию и пространство на определенных ритмах находят выражение принципы, которые формировались в Западной Европе. В это время кубизм во Франции пришел к  «синтетической» стадии, перейдя от упрощения, схематизации и разложения формы к полному отрыву от изобразительности. Русским художникам, которых в раннем кубизме привлекало аналитическое отношение к предмету, эта тенденция была чуждой. Если у Кончаловского и Машкова просматривается явная эволюция к реалистическому мировосприятию, то тенденция художественного процесса других художников «Бубнового валета» имела иной смысл. В 1912 году молодые художники, отделившись от «Бубнового валета», назвали свою группу «Ослиный хвост». Вызывающее название подчеркивает бунтарский характер выступлений, которые направлены против сложившихся норм художественного творчества. Русские художники: Н. Гончаров, К. Малевич, М. Шагал –  продолжают поиски, делают это энергично и целеустремленно. В дальнейшем их пути разошлись.  
Ларионов, отказавшийся от изображения реальной действительности, пришел к так называемому лучизму. Малевич,  Татлин,  Кандинский встали на путь абстракционизма.

Исканиями художников «Голубой розы» и «Бубнового валета»  не исчерпываются новые тенденции  в искусстве первых десятилетий XX века. Особое место в этом искусстве принадлежит К. С. Петрову-Водкину. Его искусство расцветает в послеоктябрьское время, но уже в девятисотые годы он заявляет о творческой самобытности прекрасными полотнами «Играющие мальчики» и «Купание красного коня».  

                   Образование «серебряного века»

Система образования  в России рубежа XIX—XX вв. по-прежнему включала три ступени: начальную (церковноприходские  школы,  народные  училища),  среднюю (классические гимназии, реальные и  коммерческие  училища)  и  высшую  школу (университеты, институты). По данным  1813  г.,  грамотные  среди  подданных Российской империи (за исключением детей моложе 8 лет) составляли в  среднем 38—39 %.

 В значительной  мере  развитие  народного   образования  было  связано   с деятельностью  демократической  общественности.  Политика  властей  в   этой области не представляется последовательной.  Так,  в  1905  г.  министерство народного  просвещения  вынесло  проект   закона   «О   введении   всеобщего начального   обучения   в   Российской   империи»   на    рассмотрение    II Государственной думы, однако этот проект так и не получил силу закона.

Растущая потребность  в специалистах способствовала развитию высшего,  в особенности технического, образования. В 1912 г. в  России  было  16  высших технических учебных заведений. К  прежнему  числу  университетов  прибавился только один, Саратовский (1909), но количество студентов заметно  выросло  — с  14  тысяч  в  сер.  90-х  годов  до  35,3  тысяч  в  1907   г.   Получили распространение частные высшие учебные заведения (Вольная высшая школа  П.Ф. Лесгафта, Психоневрологический институт В.М. Бехтерева и  др.).  Университет Шанявского, работавший в 1908—  18  гг.  на  средства  либерального  деятеля народного образования А.Л.  Шанявского  (1837—1905)  и  дававший  среднее  и высшее  образование,   сыграл   важную   роль   в   демократизации   высшего образования. В  университет  принимались  лица  обоего  пола  независимо  от национальной принадлежности и политических взглядов.

Дальнейшее развитие в начале XX в. получило высшее женское  образование.

В начале XX в.  в  России  имелось  уже  около  30  высших  женских  учебных заведений (Женский педагогический  институт  в Петербурге,  1903;  Высшие женские сельскохозяйственные  курсы в   Москве   под   руководством   Д.Н. Прянишникова, 1908 и др.). Наконец, право женщин на высшее образование было признано юридически (1911).