Русская живопись XIX века

«Передвижники» были едины  в своем неприятии «академизма» с его мифологией, декоративными  пейзажами и напыщенной театральностью. Они хотели изображать живую жизнь. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые (бытовые) сцены. Особой симпатией «передвижников» пользовалось крестьянство. Они показывали его  нужду, страдания, угнетенное положение. В ту пору — в 60—70-е гг. XIX в.—  идейная сторона искусства ценилась выше, чем эстетическая. Лишь со временем художники вспомнили о самоценности живописи.

Пожалуй, самую большую  дань идейности отдал Василий  Григорьевич Перов (1834—1882). В своих  произведениях Перов страстно обличает существующий строй, с большим мастерством  и убедительностью показывает тяжелую  долю народа. В картине «Сельский  крестный ход на пасху» художник показал  русскую деревню в праздничный  день, нищету, беспробудное пьянство, сатирически  изобразил сельское духовенство. Поражает своим драматизмом, безысходной  скорбью одна из лучших картин Перова — «Проводы покойника», которая  рассказывает о трагической судьбе семьи, оставшейся без кормильца. Большой  известностью пользуются его картины  «Последний кабак у заставы», «Старики-родители на могиле сына». Тонким юмором и лиризмом, любовью к природе проникнуты картины «Охотники на привале», «Рыболов». Его творчество пронизано любовью  к народу, стремлением осмыслить  явления жизни и языком искусства  правдиво рассказать о них. Картины  Перова принадлежат к лучшим образцам русского искусства. Его творчество как бы перекликается с поэзией  Некрасова, с произведениями Островского, Тургенева. Достаточно вспомнить такие  его картины, как «Приезд станового  на следствие», «Чаепитие в Мытищах». Некоторые работы Перова проникнуты подлинным трагизмом («Тройка», «Старики-родители на могиле сына»). Кисти Перова принадлежит  ряд портретов его знаменитых современников (Островского, Тургенева, Достоевского).

Некоторые полотна «передвижников», писанные с натуры или под впечатлением от реальных сцен, обогатили наши представления  о крестьянской жизни. В картине  С. А. Коровина «На миру» показана стычка на сельском сходе между богачом  и бедняком. В. М. Максимов запечатлел ярость, слезы и горе семейного  раздела. Торжественная праздничность  крестьянского труда отражена в  картине Г. Г. Мясоедова «Косцы».

Идейным вождем Товарищества передвижных выставок был Иван Николаевич Крамской (1837—1887)—замечательный художник и теоретик искусства. Крамской боролся  против так называемого «чистого искусства». Он призывал художника  быть человеком и гражданином, своим  творчеством бороться за высокие  общественные идеалы. В творчестве Крамского главное место занимала портретная живопись. Крамской создал целую галерею замечательных  портретов русских писателей, художников, общественных деятелей: Толстого, Салтыкова-Щедрина, Некрасова, Шишкина и других. Ему  принадлежит один из лучших портретов  Льва Толстого. Пристальный взгляд писателя не оставляет зрителя, с  какой бы точки он ни смотрел на полотно. Одно из наиболее сильных произведений Крамского — картина «Христос в пустыне».

 «Передвижники» совершили  подлинные открытия в пейзажной  живописи. Алексей Кондратьевич  Саврасов (1830—1897) сумел показать  красоту и тонкий лиризм простого  русского пейзажа. В 1871 мастер  создает ряд лучших своих работ  («Печерский монастырь под Нижним  Новгородом», Нижегородский художественный  музей; «Разлив Волги под Ярославлем»,  Русский музей), в т. ч. знаменитую  картину «Грачи прилетели» (Третьяковская  галерея), ставшую самым популярным  русским пейзажем, своего рода  живописным символом России. Этюдная  работа над «Грачами» шла в  марте, в с. Молвитино (ныне  Сусанино) Буйского уезда Костромской  губернии. Талый снег, весенние грачи  на березках, серо-голубое, блеклое  небо, темные избы и древняя  церквушка на фоне стылых дальних  лугов, — все сплавилось в  образ удивительного поэтического  обаяния. Картине свойственен  поистине волшебный эффект узнаваемости, «уже виденного» (deja-vue, говоря языком  психологии) — причем не только  где-то близ Волги, где писались  «Грачи», а чуть ли не в  любом уголке страны. Здесь «настроение»  —как особое созерцательное пространство, объединяющее картину со зрителем  — окончательно превращается  в совершенно особый компонент  образа; это метко фиксирует И.  Н. Крамской, когда пишет (в  письме к Ф. А. Васильеву, 1871), касаясь других пейзажей на  выставке: «все это деревья, вода  и даже воздух, а душа есть  только в «Грачах». Незримо зримая  «душа», настроение животворит и  последующие вещи Саврасова: замечательные  московские пейзажи, органично  сочетающие бытовую простоту  переднего плана с величавыми  далями («Сухарева башня», 1872, Исторический  музей, Москва; «Вид на Московский  Кремль, Весна», 1873, Русский музей), виртуозный  по передаче влаги и светотени  «Проселок» (1873, Третьяковская галерея), сентиментальную «Могилу над  Волгой» (1874, Алтайский краевой  музей изобразительных искусств, Барнаул), светозарную «Радугу» (1875, Русский музей), меланхолическую  картину «Зимний пейзаж. Иней»  (1876-77, Воронежский музей изобразительных  искусств). В поздний период мастерство  Саврасова резко слабеет. Житейски  опустившись, страдая алкоголизмом, он живет за счет копий со  своих лучших работ, прежде  всего с «Грачей».

Федор Александрович Васильев (1850—1873) прожил короткую жизнь. Его  творчество, оборвавшееся в самом  начале, обогатило отечественную  живопись рядом динамичных, волнующих  пейзажей. Художнику особенно удавались  переходные состояния в природе: от солнца к дождю, от затишья к  буре. Выходец из семьи почтового  служащего, учился в Рисовальной  школе Общества поощрения художеств, а также в 1871 в Академии художеств; в 1866-67 работал под руководством И. И. Шишкина. Выдающийся талант Васильева  сложился рано и мощно в картинах, впечатляющих зрителя своим психологическим  драматизмом. Замечательной «поэзией при натуральности впечатления» (по словам И. Н. Крамского, близкого друга  Васильева, о коренном свойстве его  творчества в целом) проникнута уже  картина «Перед дождем» (1869, Третьяковская  галерея). В 1870 путешествовал по Волге  вместе с И. Е. Репиным, в результате появилась картина «Вид на Волге. Баржи» (1870, Русский музей) и другие работы, отмеченные тонкостью световоздушных эффектов, мастерством передачи речной и воздушной влаги. Но не во внешних  эффектах здесь суть. В произведениях  Васильева природа, словно откликаясь на движения человеческой души, в полном смысле психологизируется, выражая  сложную гамму чувств между отчаянием, надеждой и тихой грустью. Наиболее известны картины «Оттепель» (1871) и  «Мокрый луг» (1872; обе в Третьяковской  галерее), где постоянный интерес  художника к переходным, неопределенно-зыбким состояниям натуры претворяется в образы озарения сквозь меланхолическую мглу. Это — своего рода натурные сны  о России, выдерживающие сопоставление  с пейзажными мотивами И. С. Тургенева  или А. А. Фета. Художник (судя по его  переписке с Крамским) мечтает  о создании каких-то невиданных произведений, о символических пейзажах-откровениях, которые могли бы исцелить человечество, отягощенное «преступными замыслами». Но дни его уже сочтены. Заболев  туберкулезом, он переселяется в 1871 в  Ялту. Роковая болезнь, сливаясь с  впечатлениями от южной природы, которая предстает у него не праздничной, но отчужденно-тревожной, придает его  живописи еще большую драматическую  напряженность. Тревожно и сумрачно самое значительное его полотно  этого периода — «В Крымских горах» (1873, Третьяковская галерея). Тонущая  в дымке, написанная в мрачных  коричневато-серых тонах горная дорога обретает тут потусторонний  оттенок, подобие безысходной дороги в никуда. Влияние искусства Васильева, усиленное трагизмом его ранней кончины, было весьма значительным. Романтическая  традиция, окончательно отрешаясь от представлений о пейзаже как  декоративном зрелище, достигла в его  работах особой духовной содержательности, предвещающей искусство символизма и модерна, пейзаж чеховско-левитановской  поры.

Творчество Виктора Михайловича  Васнецова (1848—1926) тесно связано  с русскими народными сказками, былинами, сюжеты которых он брал за основу своих  картин. Его лучшее произведение —  «Три богатыря». Перед зрителем любимые  герои русского былинного эпоса  — богатыри, защитники русской  земли и родного народа от многочисленных врагов.

Певцом русского леса, эпической  широты русской природы стал Иван Иванович Шишкин (1832—1898). Архипа Ивановича  Куинджи (1841 —1910) привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны в редких облаках, красные  отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся  сквозь туман и играющие в лужицах  на раскисшей дороге,— эти и  многие другие живописные открытия запечатлены  на его полотнах. Для ранних работ  Шишкина («Вид на острове Валааме», 1858, Киевский музей русского искусства; «Рубка леса», 1867, Третьяковская галерея) характерна некоторая дробность форм; придерживаясь традиционного для романтизма «кулисного» построения картины, четко размечая планы, он не достигает еще убедительного единства образа. В таких картинах, как «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869, там же), это единство предстает уже очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и свето-воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы (последнюю Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом отношении не имея себе равных в русском пейзажном искусстве).

В 1870-е гг. мастер входит в  пору безусловной творческой зрелости, о которой свидетельствуют картины  «Сосновый бор. Мачтовый лес в  Вятской губернии» (1872) и «Рожь» (1878; обе — Третьяковская галерея). Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует  ее высший летний расцвет, достигая впечатляющего  тонального единства именно за счет яркого, полуденного, летнего света, определяющего  всю колористическую шкалу. Монументально-романтический  образ Природы с большой буквы  неизменно присутствует в картинах. Новые же, реалистические веяния, проступают в том проникновенном внимании, с  которым выписываются приметы конкретного  куска земли, уголка леса или поля, конкретного дерева. Шишкин — замечательный  поэт не только почвы, но и дерева, тонко  чувствующий характер каждой породы [в наиболее типических своих записях  он обычно поминает не просто «лес», но лес из «осокорея, вязов и частью дубов» (дневник 1861 года) или «лес еловый, сосновый, осина, береза, липа» (из письма И. В. Волковскому, 1888)]. С особой охотой художник пишет породы самые мощные и крепкие типа дубов и сосен  — в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе. Классические произведения Шишкина — такие, как  «Рожь» или «Среди долины ровныя...» (картина названа по песне А. Ф. Мерзлякова; 1883, Киевский музей русского искусства), «Лесные дали» (1884, Третьяковская  галерея) — воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Художнику  одинаково удаются и далевые  виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещенные солнцем», 1886; «Утро в  сосновом лесу» где медведи написаны К. А. Савицким, 1889; обе — там же). Самостоятельную ценность имеют  его рисунки и этюды, представляющие собой детализованный дневник природной  жизни. Плодотворно работал также  в области офорта. Печатая свои тонко нюансированные пейзажные  офорты в разных состояниях, издавая  их в виде альбомов, Шишкин мощно  активизировал интерес к этому  виду искусства. Педагогической деятельностью  занимался мало (в частности, руководил  пейзажной мастерской Академии художеств  в 1894-95), но имел в числе своих учеников таких художников, как Ф. А. Васильев и Г. И. Чорос-Гуркин. Его образы, несмотря на свою «объективность» и принципиальное отсутствие психологизма, свойственного  «пейзажу настроения» саврасовско-левитановского типа, всегда имели большой поэтический  резонанс (недаром Шишкин принадлежал  к числу любимейших художников А. А. Блока). В Елабуге открыт дом-музей  художника.

К концу XIX в. влияние передвижников  упало. В изобразительном искусстве  появились новые направления. Портреты кисти В.А. Серова и пейзажи И.И. Левитана были созвучны с французской  школой импрессионизма. Часть художников сочетала русские художественные традиции с новыми изобразительными формами (М.А. Врубель, Б.М. Кустодиев, ИЛ. Билибин  и др.).

Своей вершины русская  пейзажная живопись XIX в. достигла в  творчестве ученика Саврасова Исаака Ильича Левитана (1860—1900). Левитан —  мастер спокойных, тихих пейзажей. Человек  очень робкий, стеснительный и  ранимый, он умел отдыхать только наедине  с природой, проникаясь настроением  полюбившегося пейзажа.

Однажды приехал он на Волгу  писать солнце, воздух и речные просторы. Но солнца не было, по небу ползли бесконечные  тучи, не прекращались унылые дожди. Художник нервничал, пока не втянулся в эту  погоду и не обнаружил особую прелесть сизо-сиреневых красок русского ненастья. С той поры Верхняя Волга, заштатный  городок Плес прочно вошли в его  творчество. В тех краях он создал свои «дождливые» работы: «После дождя», «Хмурый день», «Над вечным покоем». Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: «Вечер на Волге», «Вечер. Золотой плес», «Вечерний звон», «Тихая обитель».

В последние годы жизни  Левитан обратил внимание на творчество французских художников-импрессионистов (Э. Мане, К. Моне, К. Писарро). Он понял, что  у него с ними много общего, что  их творческие поиски шли в том  же направлении. Как и они, он предпочитал  работать не в мастерской, а на воздухе (на пленэре, как говорят художники). Как и они, он высветлил палитру, изгнав темные, землистые краски. Как  и они, он стремился запечатлеть  мимолетность бытия, передать движения света и воздуха. В этом они  пошли дальше его, но почти растворили в световоздушных потоках объемные формы (дома, деревья). Он избежал этого.

«Картины Левитана требуют  медленного рассматривания,— писал  большой знаток его творчества К. Г. Паустовский.— Они не ошеломляют глаз. Они скромны и точны, подобно  чеховским рассказам, но чем дольше вглядываешься в них, тем все  милее становится тишина провинциальных посадов, знакомых рек и проселков».

На вторую половину XIX в. приходится творческий расцвет И. Е. Репина, В. И. Сурикова и В. А. Серова.

Илья Ефимович Репин (1844—1930) родился в г. Чугуеве, в семье  военного поселенца. Ему удалось  поступить в Академию художеств, где его учителем стал П. П. Чистяков, воспитавший целую плеяду знаменитых художников (В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, М.А.Врубеля, В.А.Серова). Многому научился Репин также у Крамского. В 1870 г. молодой художник совершил путешествие  по Волге. Многочисленные этюды, привезенные  из путешествия, он использовал для  картины «Бурлаки на Волге» (1872). Она  произвела сильное впечатление  на общественность. Автор сразу выдвинулся в ряды самых известных мастеров. Критикуя сторонников «чистого искусства», он писал: «Окружающая жизнь меня слишком волнует, не дает покоя, сама просится на холст; действительность слишком  возмутительна, чтобы со спокойной  совестью вышивать узоры,— предоставим  это благовоспитанным барышням». Репин  стал знаменем передвижников, их гордостью  и славой.

Репин был очень разносторонним художником. И. Е. Репин был замечательным  мастером во всех жанрах живописи и  в каждом сказал свое новое слово. Центральная тема его творчества — жизнь народа во всех ее проявлениях. Он показал народ в труде, в  борьбе, прославил борцов за свободу  народа. Его кисти принадлежит  ряд монументальных жанровых полотен. Лучшим произведением Репина в 70-е  годы была картина «Бурлаки на Волге». Картина была воспринята как событие  художественной жизни России, она  стала символом нового направления  в изобразительном искусстве. Репин  писал, что «судья теперь мужик, а  потому надо воспроизводить его интересы». Пожалуй, не меньшее впечатление, чем  «Бурлаки», производит «Крестный ход  в Курской губернии». Яркое голубое  небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов  и облачений, полиция, простой народ  и калеки — все уместилось на этом полотне: величие, сила, немощь и  боль России.

Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика («Отказ от исповеди», «Не ждали», «Арест пропагандиста»). Революционеры на его картинах держатся просто и естественно, чуждаясь театральных поз и жестов. На картине «Отказ от исповеди» приговоренный  к смерти словно бы нарочно спрятал  руки в рукава. Художник явно сочувствовал героям своих картин.

Ряд репинских полотен  написан на исторические темы («Иван  Грозный и его сын Иван», «Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану» и др.). Репин создал целую галерею  портретов ученых (Пирогова, Сеченова), писателей (Толстого, Тургенева, Гаршина), композиторов (Глинки, Мусоргского), художников (Крамского, Сурикова). В начале XX в. он получил заказ на картину «Торжественное заседание Государственного совета». Художнику удалось не только композиционно  разместить на полотне такое большое  число присутствующих, но и дать психологическую характеристику многим их них. Среди них были такие известные  деятели, как С. Ю. Витте, К. П. Победоносцев, П. П. Семенов-Тян-Шанский. Малозаметен  на картине, но очень тонко выписан  Николай II.

Василий Иванович Суриков (1848—1916) родился в Красноярске, в казачьей семье. Расцвет его творчества приходится на 80-е гг., когда он создал три  самые знаменитые свои исторические картины: «Утро стрелецкой казни», «Меншиков  в Березове» и «Боярыня Морозова». Его произведения «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове», «Боярыня Морозова», «Покорение Сибири Ермаком  Тимофеевичем», «Степан Разин», «Переход Суворова через Альпы» — вершина  русской и мировой исторической живописи. Величие русского народа, его красота, несгибаемая воля, его  трудная и сложная судьба —  вот то, что вдохновляло художника.