Итальянское возрождение

В 1516 г. Леонардо да Винчи по приглашению  французского короля Франциска I уехал  во Францию. Другой «титан» Возрождения  – Рафаэль – работал в Риме, канонизируя найденный им «идеальный стиль». В архитектуре в это  же время создавал основы классицистического стиля Д. Браманте. Центр искусства в начале XVI в. перемещается из Флоренции в Рим, во Флоренции художественная жизнь замирает, а в Ватикане при папском дворе создаются все самые знаменитые произведения искусства Возрождения: «Сикстинская мадонна» и росписи Ватиканских Станц Рафаэля, «Сикстинский плафон» и шедевры скульптуры Микеланжело. В этом отношении весьма точно замечание Ж. -О. -Д. Энгра, художника французского академизма: «Материалы по искусству находятся во Флоренции, а результаты в Риме». Гениальный Микеланжело в своем «индивидуальном романтизме», в одиночку, уходит вперед настолько, что в скульптуре возвращается к средневековому мистицизму, а в архитектуре создает стиль Барокко. Художники соревновались между собой в разных видах искусства, создавая произведения на одни и те же сюжеты, повторяя и варьируя композиции или заимствуя «фигуры» друг у друга. Известно соперничество Леонардо и Микеланжело и их обоюдное неприятие Рафаэля.

Счастливая  целостность искусства кватроченто, в котором мало подготовленному любителю не просто отличить работу одного художника от другого, отошла в прошлое. Официальные состязания художников к середине XVI столетия подготовили академический спор о том, какое искусство важнее: архитектура, скульптура, живопись или поэзия. Строгая архитектоничностъ композиций Донателло сменяется беспокойством и напряжением фигур Микеланжело. По определению X. Вёльфлина, «возрождение в стремлении к "идеализированному монументализму" развивалось столь стремительно, что, не успев создать Классицизм, стало использовать формы, в сущности не имеющие никакого отношения к "возрождению"». Уже в середине XVI в. в итальянском искусстве отчетливо наблюдаются два основных художественных стиля: Маньеризм и Барокко. «Высокое возрождение» (неудачное определение, поскольку возрождение может быть только высоким), ускользает от исследователя хронологически и по существу. Оно обрывается, как и следовало ожидать, внезапно. В 1510 г. умерли Джорджоне и С. Боттичелли, в 1519 г. – Леонардо, в 1520 г. – Рафаэль. Продолжал работать Микеланжело, но его творчество уже было далеко от идеалов Возрождения. В Венеции Тициан, по меткому замечанию И. Грабаря, «подает руку волшебнику живописности Рембрандту». Многим, возможно, казалось тогда, что вот-вот появится новый Рафаэль или Леонардо. Но этого не случилось. Холоден и академичен был Андреа дель Сарто, которого называли «вторым Рафаэлем», странно экзальтированны Б. Амманати и Я. Понтормо.

Так же резко в 1530-х гг. прервалось Северное Возрождение в Германии и Нидерландах. Многие исследователи называли Возрождение «несостоявшейся эпохой», «руинами недостроенного здания». Действительно, «самая великая», по свидетельству современников, картина эпохи Возрождения – «Битва при Ангьяри» Леонардо да Винчи – не была художником завершена, а затем полностью утрачена. Та же судьба постигла располагавшуюся на противоположной стене Зала Пятисот Палаццо Веккьо во Флоренции картину Микеланжело «Битва при Кашине». Фреска «Тайная вечеря» Леонардо стала разрушаться на глазах у автора. Его же конная статуя Ф. Сфорца так и не была отлита из бронзы, а модель погибла. Задуманные Микеланжело Капелла Медичи, величественная гробница Папы Юлия II, фасад церкви Сан Лоренцо во Флоренции не осуществлены. Роспись Сикстинского плафона работы Микеланжело, по словам X. Вёльфлина, «мука для зрителя», настолько она не соответствует пространству помещения.

Главное произведение эпохи Возрождения  – собор Св. Петра в Ватикане, строившийся всеми архитекторами  от Браманте и Рафаэля до Микеланжело, завершался уже в эпоху Барокко и всем своим видом выражает совершенно иные представления о форме и пространстве. Одно из поздних произведений Микеланжело – фреска «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане (1536-1542) – не ренессансное и даже не барочное творение. В нем, как и в последних скульптурных произведениях на тему «Пьета», происходит возврат к средневековой системе изобразительного искусства.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ  Эпоха Возрождения оказалась слишком краткой и неподготовленной для того, чтобы вместить идеалы классического искусства. По мнению выдающегося русского мыслителя П. Флоренского, искусство христианской эпохи в целом строится на незавершенности, устремлении к трансцендентному, неосуществимому. «Классицизм по Рафаэлю» был возможен в античности, «когда боги обитали на земле». В эпоху Возрождения подобное понимание красоты оказалось ложью. Мир изменился. «Искусство мнимостей – грандиозный обман антропоцентризма». К этому мнению близко заключение М. Алпатова о том, что искусство эпохи Возрождения «стало реликвией, не вызывающей особого волнения». Это искусство «видимости, внешней формы, торжествующей и самодовольной иллюзии. Оно не онтологично. Оно пожертвовало сущностью ради явления, действительностью ради изображения». Искусство Византии или Готики глубже проникало в сущность духовной жизни. Вместе с рационализмом, аналитичностью, обособлением станкового искусства из «возрождения» уходила поэзия. Трагедия и быстрый крах искусства Итальянского Возрождения предопределены тем, что вместо космоса и Бога человек самонадеянно поставил в центр мира себя, безмерно преувеличив собственные возможности.

Ограниченность  такого материализма почувствовал Микеланжело, от подобной философии отвернулся Леонардо, а Рафаэль создал отвлеченный  идеализм. Вместе с термином «возрождение», мало отражающим сущность этой эпохи, употребляют и его французский вариант «ренессанс» (франц. renaissance – возрождение). Слово «ренессанс» использовал в 1829 г. Оноре де Бальзак в романе «Бал в Со». В 1855 г. под заглавием «Ренессанс» была опубликована книга французского ученого Ж. Мишле в качестве седьмого тома «Истории Франции». В 1860 г. вышла книга швейцарского историка Я. Буркхардта «Культура Возрождения в Италии», в которой также прозвучал французский вариант термина («Die kultur der Renaissance in Italien»). Так же поступил в своих очерках об искусстве Итальянского Возрождения английский писатель У. Пэйтер («The Renaissance»; 1871).

В русском  языке, безусловно, более целесообразным является использование слова «Возрождение»  в отношении к искусству Италии, а слова «ренессанс» – к Франции. В середине XIX в. многие западноевропейские историки-медиевисты Э. Жебар, Х. Тоде, Л. Куражо, К. Бурдах скептически относились к новаторской роли искусства Возрождения и относили эту эпоху к средневековью, его завершающей, зрелой стадии. Наиболее яркое воплощение этой идеи осуществил голландский историк И. Хёйзинга в книге «Осень средневековья» (1919; на рус. яз. 1988). Э. Панофский в книге «Ренессанс и «ренессансы» в искусстве Запада» (1957; на рус. яз. 1998) отделил понятие итальянского Ренессанса (с большой буквы) от других ренессансов, периодически повторяющихся в разное время в других культурах. Эллинистическая традиция, по убеждению Панофского, никогда не прекращала оказывать свое воздействие.

Но уникальность ситуации в Италии на рубеже XIV-XV вв. состоит в том, что именно там совпали интересы «художественно настроенных гуманистов и гуманистически настроенных художников». Некоторые исследователи стремятся расширить границы эпохи Возрождения в Италии на весь XVI в. дабы включить в эту эпоху позднее творчество Микеланжело, запоздалое возрождение в Венеции с живописью Тициана и его последователей, художников венецианской Террафермы, а также творчество Корреджьо и некоторых болонцев. С этой целью вводится термин «эмоционализм». Однако, независимо от терминов, эпоха Возрождения в Италии является закономерным, но и исключительным явлением в истории культуры Запада (восточные «возрождения» имеют качественно иной характер), совершенно особой ситуацией, когда человеку посчастливилось полно и мощно выразить себя в камне, дереве и красках. По заключению М. Дворжака, эпоха Итальянского Возрождения осталась в исторической памяти человечества вершиной «идеалистического стиля», который отразил «борьбу духа и материи» как главное «содержание всего развития искусства европейских народов в послеантичный период». Итальянское Возрождение оказало огромное влияние на искусство Франции, Испании, Германии, Англии, России.

Открытия, совершенные в эпоху Возрождения  в области духовной культуры и искусства, имели огромное историческое значение для развития европейского искусства последующих веков. Интерес к ним сохраняется и в наше время 
 
 

Для живописи и ваяния эпохи Возрождения характерно сближение художников с природой, ближайшим проникновением их в законы анатомии, перспективы, действия света и других естественных явлений. Художники Возрождения, рисуя картины традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чём проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

       Живопись занимает ведущее место среди видов изобразительного искусства. Она наиболее полно соответствует ренессансному принципу "подражать природе". Новая изобразительная система складывается на основе изучения натуры. В развитие понимания объема, его передачи с помощью светотени внес достойный вклад художник Мазаччо. Открытие и научное обоснование законов линейной и воздушной перспективы значительным образом повлияли на дальнейшую судьбу европейской живописи.

 Венецианская школа

Венецианская  школа, одна из основных живописных школ Италии с центром в городе Венеция (отчасти также в небольших  городах Террафермы – областей материка, прилегающих к Венеции). Для Венецианской школы характерны преобладание живописного  начала, особое внимание к проблемам колорита, стремление к воплощению чувственной полноты и красочности бытия. Тесно связанная со странами Западной Европы и Востока, Венеция черпала в иноземной культуре все то, что могло служить ее украшению: нарядность и золотой блеск византийских мозаик, каменную антуражность мавританских сооружений, фантастичность храмов готики. При этом здесь был выработан свой оригинальный стиль в искусстве, тяготеющий к парадной красочности. Венецианскую школу характеризует светское, жизнеутверждающее начало, поэтическое восприятие мира, человека и природы, тонкий колоризм. Наибольшего расцвета Венецианская школа достигла в эпоху Раннего и Высокого Возрождения, в творчестве Антонелло да Мессина, открывшего для современников выразительные возможности масляной живописи, создателей идеально - гармонических образов Джованни Беллини и Джорджоне, величайшего колориста Тициана, воплотившего в своих полотнах присущие венецианской живописи жизнерадостность и красочное полнокровие. В работах мастеров Венецианской школы 2-й половины 16 столетия виртуозность в передаче многоцветия мира, любовь к праздничным зрелищам и многоликой толпе соседствуют с явным и скрытым драматизмом, тревожным ощущением динамики и беспредельности мироздания (живопись Паоло Веронезе и Якопо Тинторетто). В 17 веке традиционный для Венецианской школы интерес к проблемам колорита в работах Доменико Фетти, Бернардо Строцци и других художнико сосуществует с приемами живописи барокко, а также реалистическими тенденциями в духе караваджизма. Для венецианской живописи 18 столетия характерен расцвет монументально-декоративной живописи (Джованни Баттиста Тьеполо), бытового жанра (Джованни Баттиста Пьяццетта, Пьетро Лонги), документально - точного архитектурного пейзажа - ведуты (Джованни Антонио Каналетто, Бернардо Белотто) и лирического, тонко передающего поэтическую атмосферу повседневной жизни Венеции городского пейзажа (Франческо Гварди).

Флорентийская школа

Флорентийская школа, одна из ведущих итальянских художественных школ эпохи Возрождения с центром в городе Флоренция. Формированию Флорентийской школы, окончательно сложившейся в 15 веке, способствовал расцвет гуманистической мысли (Франческо Петрарка, Джованни Боккаччо, Лико делла Мирандола и др.), обратившейся к наследию античности. Родоначальником Флорентийской школы в эпоху Проторенессанса стал Джотто, придававший своим композициям пластическую убедительность и жизненную достоверность. В 15 веке основоположниками искусства Ренессанса во Флоренции выступили архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донателло, живописец Мазаччо, за которыми последовали архитектор Леон Баттиста Альберти, скульпторы Лоренцо Гиберти, Лука делла Роббиа, Дезидерио да Сеттиньяно, Бенедетто да Майано и другие мастера. В архитектуре Флорентийской школы в 15 столетии был создан новый тип ренессансного палаццо, начаты поиски идеального типа храмовой постройки, отвечающей гуманистическим идеалам эпохи. Для изобразительного искусства Флорентийской школы 15 века характерны увлечение проблемами перспективы, стремление к пластически ясному построению человеческой фигуры (произведения Андреа дель Верроккьо, Паоло Уччелло, Андреа дель Кастаньо), а для многих ее мастеров – особая одухотворенность и интимно-лирическая созерцательность (живопись Беноццо Гоццоли, Сандро Боттичелли, Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Пьеро ди Козимо). Искания мастеров 15 столетия завершили великие художники Возрождения Леонардо да Винчи и Микеланджело, поднявшие художественные искания Флорентийской школы на новый качественный уровень. В 1520-е годы начинается постепенный упадок школы, несмотря на то, что во Флоренции продолжал работать ряд крупных художников (живописцы Фра Бартоломмео и Андреа дель Сарто, скульптор Андреа Сансовинo Контуччи); с 1530-х годов Флорентийская школа становится одним из главных центров искусства маньеризма (архитектор и живописец Джорджо Вазари, живописцы Анджело Бронзино, Якопо Понтормо). В 17 веке Флорентийская школа приходит в упадок.