Развитие дизайна в Западной Европе 60-70х годов

Введение

 

Зарождение дизайна как самостоятельной профессиональной дея- тельности связано с развитием массового производства, технологий, прикладных наук. Хотя его история многогранна и включает факты из области архитектуры, техники, изобразительного искусства, теории знаковых систем, социологии, культурологии, проблем коммуника- ции, рекламы и маркетинга, функционального анализа и эргономи- ки, тем не менее XX век дал ряд фундаментальных исторических ис- следований, посвященных именно этой профессии. [1]

В данной контрольной работе рассказываем о развитие дизайна в Западной европе в 60-70х годах, о том, какая была мода в те года и представляем готовый образ на основе истории дизайна Западной Европы 60-70х годов с интерпретацией на современную моду.

Мода на «то время» ворвалась в наш мир. Например, легендарные 60-е годы - это ярчайшее десятилетие в истории мировой моды, свободное и экспрессивное, период торжественного шествия, так называемой, молодежной моды. Молодежная мода, возникло еще в 1950-е годы. Быстро растущий уровень жизни послевоенных лет привел к тому, что начало формироваться экономически независимое молодое поколение. [3]

70е годы прошлого столетия в основном прошли под слоганом: «модно то, что вам идет». Были стерты все существующие грани выдержанного определенного стиля и открыли двери в мир самовыражения и неограниченных возможностей в создании индивидуального образа. Придерживаться четких правил и следовать конкретным эталонам в моде 70-х стало не актуально. Возможно, именно из-за этих тенденций, 70-е в моде остались десятилетием моветона.[4]

Целью контрольной работы является исследование истории и моды Западной Европы 60-70х годов и создание образа на основе моды прошлого столетия.

Для достижения цели были выполнены следующие задачи:

1. Изучение развития дизайна в Западной Европе 60-70х годов;
2. Изучение моды в прическах, макияже и одежде Западной Европы 60-70х годов;
3. Создание образа на основе моды Западной Европы 60-70х годов.
 

1. Развитие дизайна в Западной Европе 60-70х годов

1. Англия

 

В Англии после окончания Второй мировой войны развитие дизайна проходило под знаком повышения конкурентоспособности английских товаров.

В 60х годах появилось направление «поп – арт». «Поп-революция» в Британии стала не просто выражением нового мироощущения молодежи, проявившегося в музыке, кино, театре, журналистике. Она затронула и материальную среду: интерьеры, мо- ду, мебель. Особую роль играли так называемые артефакты — неболь- шие вкрапления в обычный интерьер, коренным образом изменяю- щие его: подносы и кофейные кружки, бесформенные кресла и пуфики, оптический орнамент интерьерных тканей и психоделичес- кая графика. Пластмассовые изделия — часы, посуда, кухонная ут- варь — все это приобрело яркий, открытый цвет, броскую форму. По- нятие «хороший дизайн» уходило в прошлое. Формировались новые критерии: забавно, ярко, быстротечно, экспрессивно. На поп-арт в дизайне 1960-х гг. оказала влияние группа художни- ков «Независимые», собиравшаяся время от времени в период 1952— 1955 гг. в лондонском Институте современного искусства. Они и счи- таются пионерами этого направления в Великобритании, первыми воплотившими оригинальные идеи организации среды.

В 70х годах в дизайне быстрее всего рос сектор услуг, связанных с раз- работкой корпоративных стилей, прикладной графики. Активная консультативная деятельность дизайн-фирм

приводит к тому, что в 1980-х гг. слово

«дизайн» становится синонимом «большого

бизнеса». Если в Германии и Франции дизайн

был тесно связан с производст- вом, то в

Британии на его развитие влияла прежде всего

розничная торговля, организация

торговых пространств, подбор товаров и т.д.                          Рисунок 1

Именно в начале 1970-х была создана                  

знаменитая дизайн-студия «Пентаграм». За ней последовали: «БИБ и партнеры», «Могридж и партнеры» и многие другие. «Пентаграм» первоначально существовала как «федеративное» объ- единение практикующих дизайнеров Лондона.

 

1.2 Германия

 

В послевоенной Германии рынок был готов к приятию функциональ- ного стиля. Этот стиль воплощал веру в то, что общество можно сделать более совершенным с помощью развития массового произ- водства товаров для «лучшей жизни», основанного на по-настоящему функциональных проектах. Цель дизайна, как она понималась в Уль- ме, — привнести порядок в кажущийся хаос промышленных товаров, так, чтобы их назначение и способ использования были поняты по- требителем. Чтобы достичь этого, отбрасывается второстепенное и выделяется главное в компоновке, функциональной структуре и фор- мальной композиции вещи. Но что именно важно, а что неважно — решает дизайнер и результат предоставляет пользователю с позиций своего понимания вещи, культуры, потребителя.

Период 1960-х гг. — время активного социального воздействия на дизайн, время хиппи и студенческих волнений. Молодежь отрицала любую эстетику, связанную с насилием над окружающей средой и лич- ностью, истощением ресурсов, и протестовала против «террора по- требления». Коммуны провозглашались новой формой организации жизни. Фанерная мебель со свалки и обычные матрасы вместо крова- тей были элементами этой новой культуры жилья. Одновременно при- шедшая из Великобритании и США поп-культура принесла с собой яркие цвета и легкость стиля жизни.

В начале 1970-х гг. Хартмут Эслингер и Андреас Хауг, вдохновив- шись поп-артом, открывают студию «Фрог-дизайн» в своем родном городе Альтенштайг. Вместе с проектами осветительной арматуры Инго Маурера их работы намечали более чувственный, индивидуаль- ный стиль работы и соответственно — более богатый пластически стиль предметного окружения. «Форма следует эмоции», — провоз- гласили основатели «Фрог-дизайна». Дизайнеры студии использова- ли новые возможности в проектировании, которые предоставляли компьютеры. В 1983 г. был подписан договор о сотрудничестве с фир- мой «Apple Computers». Ими же была спроектирована одна из первых настольных издательских систем для фирмы «Макинтош». [1]

 

 

1.3 Италия

 

 

Радикальное изменение компоновки и экономия внутреннего прост- ранства — сильное проектное средство дизайнера, приводящее к не- ординарным решениям. В 1960-х гг. Марко Занузо разработал проект нового телефонного аппарата, позволивший сделать его более компактным. Микросхему, наборный диск и динамики он разместил внутри трубки, две детали телефона — постамент с наборным диском и телефонную трубку — объединил в одну складную форму. В том же русле технически изобретательного дизайна работает и другой известный дизайнер — Марио Беллини, архитектор по образованию, выпускник Миланского политехнического института. Изюминка его проектов — выразительные сочетания простых геометрических объемов. Беллини начинал свою дизайнерскую карьеру в 1960-е гг. на фирме «Оливетти», когда здесь приступили к выпуску новых видов офис- ной техники — регистрационных и кассовых аппаратов, электронных калькуляторов и т.д. Предложенные им формы для калькуляторов и электрических пишущих машинок, характер клавиш и их расположение, наклон рабочей панели, подчеркивание технологических разъемов и стыков, ставшее основой эстетики решения, — все это было быстро воспринято в других странах.

В 1970-е гг. приходит мода на рубленые формы. Беллини оставляет «мембраны», используя этот принцип лишь в проектах мебели. По заказу японской фирмы «Ямаха» он проектирует деку для магнитофона в «рубленом» стиле. По сути, это прямоугольная коробка, стоящая под углом 45 градусов. На наклонной поверхности находятся индикаторы и кнопки управления. Ползунки, регулирующие громкость, тембр, частоту звука, размещены на своеобразных ступеньках. Все вместе это на- поминает не то сад камней, не то сбегающий по камням ручей, не то террасы на склоне горы. Такая неожиданная природная ассоциация, черный цвет корпуса, напоминающий японские черные лаковые шкатулки, созерцательность, свойственная дзен-буддизму, — все это позволило создать сильный и характерный образ именно японской вещи. [1]

В 1960-х и особенно 1970-х гг. в итальянском дизайне все активнее проявлялась особая авангардная тенденция, связанная не столько с мобильностью или трансформацией, не столько с технологическими новациями, сколько с ассоциативностью, метафорами, знаками и символами.

Начиналась новая стилевая эпоха — эпоха постмодерна, с его цитатностью и иронией, неожиданными сочетаниями масштабов и смыслов; эпоха концептуального проектирования, когда сам сценарий вещи, ее сюжет становился столь же важным, как и собственно объемная, материальная и функциональная форма. Из этой серии вещей — знаменитое кресло Пьеро Гатти, чем-то на- поминающее грушу, состоящее из кожаного мешка и наполнителя, который принимает форму тела. Студия «Архизум», созданная радикально настроенными архитекторами Андреа Бранци и Паоло Дега- нелло в 1966 г., провозгласила принцип антистатусного, антипотреби- тельского дизайна, принцип «антидизайна».

Авангардный дизайн (как и архитектура) быстро откликался на но- вые веяния. Строгий функционализм, интернациональный стиль вступили в противоречие с усложнившимся мироощущением, многообразием вкусов, пристрастий людей. Все это сначала проявлялось в интересе к стилям прошлого, в стилизациях, эклектике. Стиль ретро не стал буквальным подобием, копией стилей прошлого, а создавался как романтический стиль «детских грез». А дальше все сильнее ощущалась самостоятельная основа постмодерна с его парадоксальным сочетанием высокой технологии, новейших материалов, четкости структуры с откровенной цитатностью, коллажностью, самоиронией, знаковостью и символикой. [1]

 

2 Образ 60-70х годов. Кумиры. Мода. Прически.

 

К 60–м годам многие молодые люди стали финансово независимы от родителей, им хотелось быть особенными ни на кого не похожими, слушать «свою» музыку и носить «свою» одежду, которая подчеркивала бы отличительные особенности нового поколения. Производителям модной одежды стало выгодно работать исключительно на молодежь. Кроме всего прочего, рос научно-технический прогресс, миру нужны были образованные люди, поэтому в 60-е годы наметился настоящий «образовательный бум».

В разрастающейся студенческой среде, конечно же, зарождались движения протеста. У молодых появлялись собственные кумиры. Это уже не звезды кино, а лидеры молодежных музыкальных движений: Элвис Пресли, Билл Хейли, Джон Леннон, Мик Джаггер, Джими Хендрикс, Дженис Джоплин, Джим Моррисон и пр. - харизматические личности, олицетворяющие «свингующие шестидесятые». Этот знаменитый термин появился благодаря журналу «Time» 15 апреля 1966 года, назвавшего Лондон «свингующим городом». Это был первый город, в котором дизайнеры стали создавать одежду именно для молодежи. 

Законодательница моды Франция, несмотря на то, что наступило новое десятилетие, все еще предлагала стиль «утонченной женственности» - элегантные платья и костюмы, перчатки, жемчуг. Благодаря новаторским начинаниям, в начале 60-х, столица мировой моды переместилась из Парижа в Лондон. Еще со второй половины 1950-х годов в Лондоне начали открываться альтернативные магазины для молодежи на Кингс-Роуд и Карнаби-стрит, ставшими в 1960-е годы самыми модными улицами мира. 

В конце 1950-х годов в Лондоне появляется новая субкультура под названием Моды (англ. Mod - from modernist) сокращенно от «модернисты» - современные.

Девушки, поддерживающие субкультуру модов, носят брюки, мужские рубашки, обувь на плоской подошве, делают короткие стрижки и определенный макияж, используя основу, придающую лицу бледность, коричневые тени для век, белёсую помаду и накладные ресницы. 

Именно в Лондоне появилась на свет самая скандальная одежда шестидесятых — мини-юбка, символ эмансипации и сексуальной революции.

Популярности мини способствовала и новая манекенщица, которую нашли для демонстрации «стиля Лондон», — знаменитая Твигги (веточка), настоящее имя которой Лесли Хорнби. Ею создан образ угловатого подростка, шокировавший старшее поколение.

В 1966 году Твигги, будет названа «лицом года» и войдет в историю моды как кумир 60-х и первая настоящая супермодель, которой поклонялись и подражали толпы поклонников. 

Новому стилю нужны были новые прически. И опять Лондон в плане новаторских идей оказался впереди Парижа. В 1959 году на экраны выходит французский фильм «Бабетта идет на войну» с Брижит Бардо в главной роли. Небрежно взбитая прическа с начесом, несмотря на то, что на её создание у модниц уходит немало времени, становится суперпопулярной. В 1960-е годы знаменитый французский парикмахер Жак Дессанж некоторое время работает с легендарной звездой, продолжая популяризировать полюбившийся образ, Брижит Бардо постоянно появляется с различными прическами на основе начеса. 

Модный мир делится на приверженцев пышных причесок на основе начеса и геометрических стрижек. На подиуме новаторская геометрия одерживает победу. А вот в жизни женщины предпочитают начесы и пышные укладки. Повсеместная мода на точные стрижки придет чуть позже, в конце десятилетия и задержится в 1970-х. Кстати, и сам маэстро Сассун вполне дружелюбно относился к сложным прическам и начесам и мастерски умел их делать. Помимо стиля Брижит Бардо и геометрических стрижек в 1960-е годы модными становятся шиньоны. [3]

Не столь далекие 70-е годы в моде 20-го века стерли все существующие грани выдержанного определенного стиля и открыли двери в мир самовыражения и неограниченных возможностей в создании индивидуального образа. Придерживаться четких правил и следовать конкретным эталонам в моде 70-х стало не актуально. Возможно, именно из-за этих тенденций, 70-е в моде остались десятилетием моветона. Эклектика и отсутствие единства стиля моды 70-х, не помешала войти этому десятилетию в историю моды 20-го века и оставить свой значимый след.

В Европе дизайнеры работают на массового потребителя, следуют правилам уличной моды, черпая вдохновение и свежие идеи в стрит-стиле. На мировой подиум выходят новые имена модельеров, создатели теперь не прячут своих имен под названиями фирм. Париж становится столицей новой высокой моды, которая нашла свое начало в коллекциях Прет-а-порте. Мировая мода 70-х несет в себе множество разноплановых стилей. Здесь и ретро, фольклор, унисекс, этно, хиппи и диско.