Поп-арт в американском искусстве

   Демократизм поп-арта критики отмечали в том, что зритель может стать героем произведения, если он входит внутрь него, присаживается на нем отдохнуть или видит свое отражение в зеркале, то есть принимает участие в той игре, которую ему предлагают. 

Знаковые фигуры поп-арта  

    Роберт Раушенберг (англ. Robert Rauschenberg, 22 октября 1925 – 12 мая 2008) – представитель абстрактного экспрессионизма, а затем концептуального искусства и поп-арта. В своих работах тяготел к технике коллажа и редимейда. Использовал мусор и различные отбросы.

   Внук немецкого иммигранта и индианки из племени чероки. Учился в Художественном институте в Канзас-Сити, затем в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине. В 1949 Раушенберг поселился в Нью-Йорке.

   Составление произведения искусства из не имеющих друг к другу отношения элементов, одним из которых является краска, глубоко укоренилось в современном искусстве. Комбинации Раушенберга отражают темп развития и энергию массовой урбанистической и технократической культуры, в которой на смену работе художника на бумаге или холсте пришли потоки информации, передаваемой посредством фотографии, компьютеров, газет и т.п.

   Ранние работы Раушенберга были попыткой избавиться от стереотипов «живописного метода» и возвышенных целей традиционного искусства. Например, он стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Стертый де Кунинг».

   В 1951 в галерее Бетти Парсонс состоялась первая персональная выставка работ Раушенберга, на которой были продемонстрированы исключительно одноцветные картины. Критики дружно заявили об этой выставке как о провалившейся.

   В первой половине 50-х Раушенберг разработал стиль, типичный для направления поп-арт, используя в качестве художественного материала предметы повседневного быта – газетные фотографии, кусочки ткани, дерева, консервных банок, трава, чучела животных. Он насыщал ими композиции до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность.

   Две ключевые работы Раушенберга – «Кровать» (1955) и «Монограмма» (1955-1959). Первая из них представляла собой настоящую кровать Раушенберга, забрызганную краской и поставленную вертикально, как картина; второй коллаж был украшен чучелом ангорской козы.

   На выставке в Нью-Йорке в 1963г. художник рассказывал о создании «Кровати». Он проснулся ранним майским утром, полный желания приняться за работу. Желание было, но не было холста. Пришлось пожертвовать стеганым одеялом – летом можно обойтись и без него. Попытка забрызгать одеяло краской не дала желаемого эффекта: сетчатый узор стеганого одеяла забирал краски. Пришлось жертвовать подушкой – она давала белую поверхность, необходимую для выделения цвета. Других задач художник перед собой не ставил.

   В конце 50-х появились первые так называемые «переводные рисунки»: коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении. В замысел Раушенберга входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными элементами картин. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (например, парашютист, орел, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х. Одновременно Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой («Черный рынок», 1961) и занимался оформлением представлений.

   В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы. Он стремился выразить ложность и многослойность существования современного индустриального общества.

   Прорыв художника на международный уровень произошел в 1964: Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию. Ватикан высказался об «упадке культуры»; и все же присуждение первого места представителю поп-арта окончательно утвердило официальное признание этого направления. Это признание выгодно сказалось и на доходах Раушенберга: цены на его работы подскочили в несколько раз.

   В 1966 Раушенберг совместно с инженером Билли Клювером основал общественное учреждение, в котором хотел объединить науку и искусство. Появившиеся вслед за этим работы художника отмечены влиянием технического направления среди них можно назвать так называемые револьверы, работы с вращающимися плексигласовыми стеклами.

   В 1969 Раушенберг по приглашению НАСА посетил Центр космических исследований Кеннеди и создал после этого обширную серию из тридцати трех литографий под общим названием «Окаменевшая Луна».

  В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов

  Рой Лихтенште́йн (Roy Fox Lichtenstein; 27 октября 1923 – 29 сентября 1997) родился в Нью-Йорке. До 12 лет обучался в общеобразовательной школе, а после поступил в Манхеттенскую школу Франклина для мальчиков, в которой он и завершил свое среднее образование. После Лихтенштейн уезжает из Нью-Йорка в Огайо для обучения в местном университете, в котором читались курсы по искусству. После окончания университета он оставался там преподавать. В 1949 г. Лихтенштейн получил степень Магистра Изящных на факультете Университета штата Огайо. В 1951 состоялась его первая персональная выставка в галерее «Carlebach» в Нью-Йорке. В том же году он переехал в Кливленд, где жил в течение последующих шести лет, иногда возвращаясь в Нью-Йорк. Стиль его работ в это время менялся от кубизма до экспрессионизма. В 1957 году он переехал обратно в Нью-Йорк и вернулся к преподавательской деятельности. В 1960 году он начал преподавать в университете Ратгерс, где попал под значительное влияние Аллана Капрова. Это способствовало увеличению его интереса к образам прото-поп-арта. В 1961 году Лихтенштейн сделал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологию, пришедшую из промышленной печати.

   Успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики. Художник выбирал понравившуюся ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя трафаретную печать и шелкографию. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма.

   Р. Лихтенштейн – это один из весёлых художников. Для своих сюжетов он использует картинки комиксов. Как и предположение, вырванное из контекста, эти картинки кажутся не особенно умными, но в них художник говорит о любви, человеческих отношениях.

   Джа́спер Джонс (англ. Jasper Johns, род. 15 мая 1930) вырос в городке Аллендэйл (Южная Каролина) и, описывая этот период своей жизни, он сказал: «В месте, где я вырос, не было художников и искусства, я, действительно, не знал, что это такое». Джонс некоторое время учился живописи в университете Южной Каролины, затем он переехал в Нью-Йорк, где познакомился с Робертом Раушенбергом, от которого воспринял передовые идеи в современном искусстве. Работая вместе, они осваивали арт-сцену и развивали свои идеи в искусстве. На Джаспера Джонса также оказали влияние идеи Марселя Дюшана. «Велосипедное колесо» и другие редимейды Дюшана стали источником вдохновения для серии предметов, отлитых в бронзе, которую художник создал в конце 1950-х — начале 1960-х годов.

   Д. Джонс – один из первых художников, использовавший в картине государственный символ – флаг (работа «Флаг»). На ней точно изображён флаг США и только. Позже создал работу «Три флага» – флаги США, размещенные один над другим.

    Джеймс Розенквист (англ. James Rosenquist; род. 29 ноября 1933) — американский современный художник, один из крупнейших представителей поп-арта. С 1948 обучается в Школе искусств Миннеаполиса. В 1952-54 годах изучал искусство в университете Миннесоты. В 1955 переезжает в Нью-Йорк; получает здесь стипендию Студенческой лиги искусств, знакомится с Робертом Индианой, Джаспером Джонсом, Элсвортом Келли и Робертом Раушенбергом. В 1957-60 годы работает художником по рекламе. С 1960 начинает создавать на основе рекламных плакатов крупноформатные полотна в стиле «поп-арт». В 1962 году состоялась первая персональная выставка в нью-йоркской Зелёной галерее (Green Gallery), привлекшая большое внимание общественности и прессы. 1965 – начало международной известности художника, после создания полотна «F-111».

   Работы Дж. Розенквиста, как правило, представляют собой соединение разорванных, созданных в различных пропорциях изображений, которые мастер умело комбинирует и противопоставляет, создавая при этом смысловые композиции, зачастую воспринимаемые абстрактным или провоцирующим образом. Кроме произведений живописи, мастер работает в области коллажа, графики и рисунка. Работы Дж. Розенквиста оказали существенное влияние на творчество ряда художников последующих поколений.

   Том Вессельман (англ.Tom Wesselmann; род. 23 февраля 1931 – 17 декабря 2004 г.) – американский художник и график. В 1948—1951 годах учился в колледже Хирам, в одноимённом городке штата Огайо, затем, с 1951 года изучал психологию в университете Цинциннати. Во время Корейской войны служил в армии (в 1954-54 годах), в это время начал рисовать комиксы. Демобилизовавшись, поступает в Академию искусств Цинциннати, в 1956—1959 продолжает обучение в нью-йоркской Школе искусств и архитектуры Купер-Юнион. Первая персональная выставка состоялась в 1961 году в галерее Тенеджер, Нью-Йорк.

   Т. Вессельман в начале своей творческой карьеры увлекается экспрессионизмом, затем пишет свои картины в стиле поп-арт, став одним из крупнейших представителей этого направления. Образы для своих работ (в основном это обнажённое женское тело) черпает в рекламных материалах: в постерах, проспектах, плакатах, кинематографе. Начиная с 1983 года, он работал по металлу, вырезая свои рисунки на металлических плитах лазерным лучом.

   Клас Олденбург (швед. Claes Oldenburg) – американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта. Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США (а в 1953 г. получил американское гражданство). В 1946—1950 гг. учился в Йельском университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго.

    В 1960-е гг. Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Позднее он обратился к объектам. Наиболее характерный приём Олденбурга – скульптурное изображение небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, зачастую причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве. Носившие когда-то провокационный характер, сегодня произведения Олденбурга прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж. Их активно интегрируют в городскую среду. Так, вход в рекламное агентство «Chiat\Day» в Лос-Анджелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой. На противоположной стороне площади находится другой конец нитки, с узелком.

   Энди Уорхол (англ. Andy Warhol, (6 августа 1928 — 22 февраля 1987) — американский художник и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт движения и современного искусства в целом. В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы «Velvet Underground». О жизни Уорхола снято несколько художественных и документальных фильмов.

   Уорхол родился в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США), в семье эмигрантов из деревни Микова, тогда находившейся в Австро-Венгрии, а сейчас — в Стропковском районе северо-восточной Словакии. Он изучал промышленный дизайн в Институте технологии в Питтсбурге. После завершения обучения он переехал в Нью-Йорк и начал успешную карьеру: иллюстрировал журналы, работал в рекламе. Он стал хорошо известен эксцентричными чернильными рисунками обуви, выполненными в свободном стиле, с намеренными пятнами.

   В 1962 году Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки кока-колы и консервов, в том числе — знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие визитной карточкой Энди Уорхола. Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления. В1963 году он выставил свою работу под названием «Тридцать лучше чем одна». На одной черно – белой шелкографии было размещено 30 репродукций Джоконды. Впоследствии Уорхол стал создавать более эпатажные произведения, такие как выполненные в «кислотной» манере образы кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна.

   Во второй половине 1960-х Уорхол стал проявлять интерес к кино. Фильмы, снятые им вместе с Полом Морисси, — первая ласточка сексуальной революции. Большинство его киноработ — более или менее бессюжетные фильмы, продолжительностью до 25 часов, в течение которых на экране бродят нагие участники Уорхоловой «фабрики», вроде Джо Далессандро и Эди Седжвик. Параллельно с экспериментами с любительским кино Уорхол продюсирует первую альтернативную рок-группу — The Velvet Underground. Он также выступил дизайнером обложек ряда концептуальных альбомов, например, «Sticky Fingers» группы The Rolling Stones. Вокруг Уорхола сложилась особая субкультура молодёжи, одна из участниц которой — феминистка Валери Соланас — 3 июня 1968 года выстрелила в «учителя», тяжело ранив его в живот. Несмотря на то, что жизнь Уорхола удалось спасти, в течение последующих лет он оставался инвалидом, а в 1987 года умер от последствий этого ранения. Во многом именно благодаря Эндри Уорхолу поп-арт получил широкое распространение во многих странах мира. 

Заключение 

   Американский поп-арт родился как отрицание абстрактного экспрессионизма. В 1951 году была издана антология дадаизма, вызвавшая к себе сильный интерес художников. Методы Дада – коллаж, комбинирование реальных объектов на холсте, а также «реди-мейд» Дюшана стали точкой отсчета в дальнейшем «опредмечивании» живописи и уничтожении границ между искусством и реальностью. Основоположники поп-арта создавали так называемые «комбинированные картины», сочетая вещественные вставки с живописью в манере абстрактного экспрессионизма.

   Художники поп-арта выражали типичные постмодернистские идеи: отсутствие личностного начала в творчестве, сведение произведения к простой комбинации готовых элементов. Таким образом, они пытались работать «в прорыве между жизнью и искусством».