Авангардизм в интерьере

    Как реакция на это закономерное явление, с 1970-х гг. все чаще появляются названия неоавангард, поставангард, трансавангард.

    Современное искусство стало действительно свободным. Этой безудержной свободой и дерзостью оно покоряет, увлекает и захватывает, но одновременно свидетельствует о разрушении гармонии, целостности мироощущения, находящегося в состоянии разлада с самим собой и окружающим миром (с. 5 № 32-34). Такая свобода незамедлила оказать разрушительные последствия в отношении самой творческой личности.

    Вся архитектура и дизайн ХХ века родилась из технологической революции ХIX века и художественных экспериментов 1910-х годов. Контррельефы и «Башня»  Татлина, архитектоны Малевича (с. 2 № 9-11) стали предтечей конструктивизма, модернизма, функционализма, деконструктивизма и хай-тека; из экспериментов Лисицкого, Родченко, Поповой и Суетина в итоге родился industrial design.

    Еще более ярким примером является взаимосвязь  современной рекламы и поп-арта, долгое время черпавших вдохновение  друг в друге ( с. 6 № 39).

    Поп-арт (англ. pop art, сокращение от popular art – популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект) – направление в искусстве конца 1950-х – начала 1970-х; возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму; знаменует переход к концепции нового авангардизма.

    Представители поп-арта провозгласили своей целью  «возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые  журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации (печать, телевидение, кинематограф).

    Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции.

    Поп-арт  использует то, что уже есть, и, более того, что набило оскомину, стало привычным: готовое изделие (ready made – термин введенный в 1912 Марселем Дюшаном, означал изделие массового производства, выставленное в качестве произведения искусства) – настоящие консервные банки, бутылки, ящики, флаги, которые вовлекались в комбинации или подборки (ассамбляжи) с другими настоящими предметами, рисованными или живописными элементами; фотографии; газетные или журнальные иллюстрации; кинокадры.

    Поп-арт  стал новой эпохой развития авангарда. Более того, воздействие его приемов и образов ощутимо и в настоящее время. Термин «поп-арт» быстро стал популярным. Впрочем, как и многие термины авангарда, он мало что проясняет, да и история его происхождения имеет несколько версий. Эдуарде Паолоцци еще в 1947 г. употребил словечко «поп» в одном из своих коллажей. Художественный критик и писатель Лоурес Элоуэ, будущий хранитель в музее Гуггенхейм в Нью-Йорке, увидел в 1954 г. обозначение «поп» на одной из картин художника Р. Б Китай и пустил его в оборот как новый, нарождающийся феномен.

    Как бы там ни было, термин «поп-арт» легко  вытеснил другие названия, вроде «нового  реализма» и «супернатурализма». Он стал не менее употребительным, чем  «поп-музыка» и «поп-культура».

    Поп-арт  — это своеобразное «искусство вне  искусства», и если когда-то существовало «искусство для искусства», потом  авангард и искусство, потом просто антиискусство, то теперь искусственное искусство... Вскоре, заметим, появится и неискусство и неавангард — далекое последствие «революции поп-арта».

    ХХ  столетие породило такое обилие и  разнообразие творческих направлений  в изобразительном искусстве  и такое смешение всевозможных обоснований, объяснений, предложений и толкований существа самого предмета искусства, что в результате воцарился полный и совершенный хаос как в представлениях об искусстве, так и в самой творческой деятельности. Еще в начале века Л. Н. Толстой заметил, что “критика, в которой любители искусства прежде находили опору для своих суждений об искусстве, в последнее время стала так разноречива, что если исключить из области искусства все то, за чем сами критики различных школ не признают право принадлежности к искусству, то в искусстве почти ничего не останется”. Сегодня этот вопрос стал еще более запутанным, а потребность в его разрешении еще более необходимой.

    Еще Казимир Малевич зимой 1919-1920 года выставил на своей персональной выставке как наивысшее достижение живописи несколько чистых холстов. Но это  было только начало. В Париже, в Центре Современного Искусства имени Помпиду, выставлен шедевр современного художника Франсиса Пекабеля. Автор решил не утруждать себя даже простейшей операцией, которую выполнил Казимир Малевич. Он не стал натягивать чистый холст на подрамник. В экспозиции крупнейшего европейского музея изобразительного искусства выставлена просто пустая рама.

    В этом же музее выставлена целая комната - взлет мастерства художника Жан-Пьера  Рейно: вся эта комната выложена белым кафелем - потолок, стены, пол, а на полу - шесть никелированных мисочек на колесиках, в каждую из них насыпан битый же белый кафель.

    Чего  только не увидить на современных  художественных выставках! Авторы кинетического искусства (с. 2 № 12, 13), например, создают забавные механизмы, способные с помощью моторчиков, магнитиков или просто под воздействием движения воздуха покачиваться, поворачиваться и поскрипывать, поблескивая никелированными и лакированными деталями. Эти занятные вещицы можно иногда использовать при украшении интерьеров, танцевальных площадок или ярмарок, то есть в работе дизайнеров и оформителей.

    Авторы  оп-арта (оптического искусства), проявляя невероятное терпение и аккуратность, создают сложные композиции на плоскости  из решетчатых и спиральных фигур  и раскрашивают их таким образом, что у зрителя вначале просто рябит в глазах, а через некоторое время появляются ощущения оптических иллюзий и пространственных сдвигов на плоскости этих композиций.

    В конце 50-х годов авангард обогатился еще одним творческим направлением. Мир познакомился с поп-артом. Существо этого направления заключается в использовании мотивов массовой культуры в формах фундаментального искусства. Живописец, например, совершенно серьезно, на холсте огромного размера а несколько метров, изображает этикету с коробки папирос “Казбек” или сигарет “Памир”. Скульптор выполняет огромные муляжи пищевых продуктов. Например, батон любительской колбасы размером во весь выставочный зал и т. д. Авторы поп-арта были создателями таких форм авангарда, как инсталляция, хэппенинг, перформанс и некоторых других, которые заняли важное место в концептуальном направлении авангардного искусства. Концептуализм особенно интересен для нас потому, что это направление претендует на особое положение в ряду современного авангарда ( с. 3 № 14-15). 

    4. Авангардизм в  интерьере 

    4.1 Авангард в чистом  виде 

    Основную  роль в интерьере авангардном играет цвет. Вы можете смешивать, сочетать, комбинировать какие угодно краски, главное — не переступить грань между броскостью, яркостью и вульгарностью. Цвета должны образовывать органичный ансамбль. Обои противопоказаны. Вооружитесь кисточками, красками и рисуйте. Например, черная стена напротив белой. Соответственно черное кресло около белой стены и светильник со светлым абажуром у черной стены. Или все четыре стены комнаты разных цветов: желтая, оранжевая, красная и вишневая. Запомните: авангард создается на контрастах. Подберите к этим ярким стенам темную мебель, и вы получите удовольствие от нового облика своей квартиры ( с. 3 № 17-20).

    Мебельные гарнитуры типа «диван плюс два кресла» для такой комнаты вряд ли подойдут. Каждая деталь должна быть оригинальной. Авангард — это смелый эксперимент, при котором, несмотря на, казалось бы, общий хаос, все к месту.

    Мебели  авангарда присущи неожиданные  решения в формах и декоре, необычное сочетание материалов, что напоминают скорее произведение современного искусства, чем утилитарное бытовое изделие.

    На  этой мебели приятно не только отдыхать, ими можно каждый раз наслаждаться, часами рассматривать, находя каждый раз новые интересные детали и свежие ассоциации.

    Интерьер  в стиле Авангарда выбирают смелые, решительные люди, которые готовы к сумасшедшим экспериментам  и изменениям. Главный акцент в  таком интерьере делается на цвет и форму. И еще одним из принципов Авангарда становится контраст, который должен присутствовать везде и во всем.

    Авангард  оперирует чистыми цветами –  белый, черный, красный, желтый, зеленый. В одном помещении может использоваться несколько контрастных цветов одновременно, что будет способствовать динамике и экспрессии. Причем контраст может возникать не только между стенами, полом и потолком, но уже и в цветовой отделке стен. При этом не нужно раскрашивать каждый квадратный сантиметр стены разным цветом. Авангард – это стиль «крупного мазка», поэтому контраст создается крупными формами. Поэтому можно найти смелое цветовое решение верха и низа стены или между смежными или противоположными стенами.

    Для отделки интерьера в стиле  Авангарда подойдут любые материалы, но особенно прогрессивно будут смотреться современные, новейшие отделочные материалы: стеклообои, декоративные штукатурки, металлизированные обои, подвесные потолки, новые лакокрасочные составы, ламинированные покрытия и т.д.

    Мебель  должна быть тоже своего рода экспериментом. Форма может быть строго геометричной, с четкими контурами без лишних деталей. Авангард избегает мелкого декора и отделки. Для интерьера отлично подойдет мебель из металла, дерева, стекла.

    Наряду  с четкими формами и структурами  особенно эффектно будут смотреться абсолютно бесформенные предметы, например, огромные кресла-подушки.

    В духе авангарда – немыслимые конструкции  – подвесные кровати или низкие кровати без ножек. Самое главное  при выборе мебели руководствоваться  принципом не стандартных решений. Яркую ноту в интерьер привнесет посуда необычных цветов и форм.

    Но  следует помнить, что Авангард –  это не хаос. Здесь есть свое организующее начало, которое строится на чувстве  формы, ритма и цвета (с. 9 № 58-65). 
 

    4.2.  Ветви авангарда 

    Поп-арт 

    Стиль Поп-арт зародился в Америке  в 60-х гг. XX в. и быстро проявился  во всех оформительских искусствах, включая дизайн интерьеров.

    Поп-арт  – направление в искусстве  прошлого века, а основное отличие  его от ранее существовавших течений  – обращение к эстетике товаров  массового потребления. В этом смысле поп-арт – бездуховный стиль, недаром его хрестоматийные образцы – работы Энди Уорхола – готовились с помощью тиражной техники. А еще один эталонный прием Уорхола – бесконечное повторение одного и того же образа, будь это даже сцены катастроф, – заставляет аудиторию относиться к изображению безразлично, не испытывая эмоций.

    Расцвет поп-арта как направления в искусстве  пришелся на 60-е годы, притом что  «временные рамки» его визуальных образов (голливудские звезды, образы гангстерского  кино, культовые персоны эстрады, политики, а также неодушевленные уже безо всяких сомнений предметы, такие как хрестоматийная банка супа Campbell, Coca-Cola и, конечно же, банкноты) гораздо шире: это 30–70-е годы 20 века.

    Для интерьера в стиле Поп-арт характерны: яркость и новизна, нестандартный  подход, простые формы. Ткани с печатными рисунками, комиксами. Радужно-яркие сочетания цветов и материалов, фактур. Орнаменты из произведений Поп-арта( с. 8 № 50-57).

    Фурнитура - пластик.

    Поп-арт  в абсолюте - это слегка сумасшедший дом, который интуитивно приходит на ум при слове «поп-арт»: кислотные цвета, обилие пластика, неоновая подсветка и глянец, глянец, глянец повсюду. Стены обязательно должны быть яркими, а в идеале – разных цветов и даже фактуры. О гармонии в классическом понимании лучше забыть сразу (впрочем, если человек сознательно оформляет так свой дом, напоминание явно излишнее). Хорошим решением может быть вариант, когда одна из стен (следуя элементарному инстинкту самосохранения) все-таки остается светлой, еще две – контрастных ярких (только не натуральных) цветов, а четвертая – выполнена в фирменной уорхоловской технике многократно повторяющегося мелкого узора.