Импрессионизм как художественное течение во французском искусстве

      Еще в 1886 художник написал незатейливый сельский пейзаж «Стог сена в Живерни» (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), на переднем плане которого красуется сено, а вдали виднеются домики, деревья и поля. К этому мотиву художник вернется в 1888 в серии из 25 работ, в которых окружающий пейзаж станет условным, практически исчезнет деление на композиционные планы, стог сена обретет самостоятельную роль, а главным действующим лицом, переходящим из одной работы в другую, станет цвет, стремящийся передать изменчивый свет. В день Моне работал над несколько холстами, передающими утреннее, дневное и веч нее освещение — в этом была оригинальность метода художника, который также лежал в основе создания серии «Тополя».

      В 1892 Клод Моне приступил к написанию  цикла, посвященного Руанскому собору. За два года живописец выполнил 50 картин, на которых представил готический фасад собора последовательно в разное время суток: с раннего утра до вечера. Солнечный свет творит удивительные метаморфозы не только с цветом, но и с самой каменной сутью собора. Простоявшая несколько веков стена, благодаря готической ажурности и заливающему ее свету, кажется почти невесомой и нерукотворной. Под кистью Moне собор более не представляет материальной субстанции и становится эфемерным. Он будто сливается небом, перестает быть земным творением.

      Цикл  «Руанский собор» был выставлен  в 1895 и имел огромный успех. Он раскрыл невиданное богатство живописных возможностей художника, многообразие палитры с невиданными до сих пор комбинациями красочных оттенков, вариантами фактур, совершенством техники.

      Художник  много путешествовал, работал в Нормандии, Италии, Голландии и Швейцарии. В Нормандии родились морские пейзажи, воспевающие величие стихии. 

      3. Поздний период творчества 

      В поздний период творчества Моне по-прежнему уделял много  внимания  выразительной  способности цвета, ставшего основным средством его художественного языка. Поздние картины теряют сюжетность, тяготеют к беспредметности.

      Сад в Живерни, по признанию самого Моне, является лучшим произведением в его творчестве.   Многочисленные виды и сорта цветов были подобраны и высажены так, чтобы он постоянно цвел, радуя глаз разнообразием оттенков. Прекрасный сад становится объектом живописи, словно отражаясь на холсте. Композиция работы «Сад ирисов в Живерни» (1899—1900, Художественная галерея Йельского университета) проста: на холсте квадратного формата изображена убегающая в даль сада дорожка, полускрытая разросшимися кустами ирисов, над ней — уходящие перспективой стволы садовых деревцев. Нежные цветы ирисов на переднем плане тины словно заглядывают нам в глаза. Красота природы становится величайшим чудом и, видимо, венцом божественных творений для Моне (в отличие от ренессансного «Человек — венец творений»). Поэтому она является самодостаточным объектом живописи, не требующим включения в пейзаж человеческих фигур.

      В 1899 художник приступил к созданию серии «Кувшинки», изображающей водяные лилии (ненюфары) в пруду его сада в Живерни. Серийность работ основана на варьировании мотива при меняющемся освещении. Кувшинки владели помыслами художника более двадцати лет, до самой смерти.

      В картине «Пруд с ненюфарами» (1908, частное собрание, Санкт-Галлен, Швейцария) Моне выбрал квадратный формат полотна, зрительно «увеличивающий» изображение в пространстве и создающий впечатление бесконечности. Художник написал крупным планом «фрагмент» пруда, в кадр вошла только гладь воды с живописно разбросанными листьями, цветами кувшине и отражением облаков. Мастер отошел от перспективного построения, из-за чего кувшинки правом верхнем углу композиции кажутся расположенными выше, чем растения переднего плана картины. Работа утрачивает глубину и разворачивается на плоскости, тяготея к декоративности.

      В 1900—1904 Клод Моне неоднократно бывал в Англии, он любил Лондон за неповторимую  туманную атмосферу. Здесь живописец много раз писал здание парламента, создав целую серию работ на эту тему. «Здание парламента в Лондоне» (1904, музей д'Орсе, Париж) словно окутано густым туманом, сквозь который проступают величественные очертания неоготической архитектуры, и пробивается желто-рыжее солнце, окрашивающее Темзу рыжевато-багровыми бликами. Мосты, река, парламент, чайки, лодки на воде лишь угадываются своими неясными силуэтами, они наплывают из сизой дымки или тают, лишаясь всякой материальности и превращаясь в мистические видения. Утратили свою материальность красочные мазки, превратив каждую картину в мираж, чему способствовала как бы плывущая гамма красок. В ней преобладали тёмно-синие, голубые, фиолетовые, серебристо-сиреневые тона с вкраплениями бирюзовых, оранжевых, а иногда и красных.

      Живопись  условна, художник изображает не конкретные детали, а именно сиюминутный образ города, каким он его увидел. Импрессионизм Моне не передает объективной реальности, не признает неизменности качеств предметов. Их цвет, а также очертания зависят от света — едва пробивающегося, заливающего всю окрестность или гаснущего, переходящего в сумерки.

      Поздние произведения Моне находятся на грани предметного и    беспредметного  искусства. В «Японском мостике» (1918—1924, Институт искусств, Миннеаполис) читаются очертания любимого мостика, перекинутого через пруд с кувшинками и увитого глициниями. И это, пожалуй, единственное, что можно «идентифицировать» в сумасбродстве красок,  не считая невысокого куста на переднем плане картины и вертикали дерева у правого края. Здесь достаточно охватить композицию в целом, не дробя на части, чтобы увидеть ее глазами художника: буйство красок, полнота жизни, красота.

      Клод  Моне умер в своем доме в Живерни в декабре 1926. 
 

III. ПЬЕР ОГЮСТ РЕНУАР 

1. «Впечатление жизни» 

      Один  из самых видных представителей импрессионизма — Огюст Ренуар (1841— 1919), искусство которого отличается живым интересом к человеку. Художник работал над развитием живого, красочного художественного стиля с «перистым мазком» (известным как радужный стиль Ренуара)⁵; создал множество чувственных ню  («Купальщицы»). Более всего Ренуар любил писать детские и юношеские образы и мирные сцены парижской жизни. Для его творчества характерны светлые и прозрачные по живописи пейзажи, портреты, воспевающие чувственную красоту и радость бытия. Значительное место в его светлом жизнеутверждающем творчестве занимает портрет, а также жанровые композиции, чаще всего раскрывающие образы французских женщин.

      Сын бедного портного, Ренуар с юности начал свою трудовую жизнь, занимаясь  росписями по фарфору. На заработанные деньги он поступил учиться в мастерскую Глейра, где сблизился с К. Моне и А. Сислеем. Ранние картины Ренуара  носят следы воздействия мощной светотеневой лепки Курбе — такова «Харчевня матушки Антони» (1866, Стокгольм, Национальный музей).

      Ренуар  часто работал вместе с Клодом Моне. Они писали одни и те же пейзажи, наблюдали за тенью и светом в природе и изучали возможности цвета в передаче этих эффектов. Так родились знаменитые «Лягушатники» — одноименные работы художников. Плавучее кафе с веселящейся публикой, деревянные лодки, ожидающие пассажиров, — вот их нехитрый сюжет. Живописец, оптимист по натуре, через все творчество пронес любовь к изображению праздника жизни, гуляющих или отдыхающих дам и кавалеров. Он старался не замечать темных сторон бытия и считал, что искусство должно дарить прекрасные мгновения наслаждения, а не служить назиданием или скучным поучением.

      В «Лягушатнике» (1869, Национальный музей, Стокгольм) нет выверенной композиции, поэтому он кажется эскизом, а не законченным произведением, кадрировка сцены выглядит случайной. Она и была в известной степени случайной, то есть именно такой, какой эту сену увидел художник: не усложненной продумыванием композиции, построением перспективы, уравновешиванием планов. Ренуар преследовал совсем другую задачу — успеть передать атмосферу беззаботности и веселья теплого летнего дня, поймать блики на воде, солнечные рефлексы на светлых платьях дам. Живописцу нужно бы пить в очень короткое время, так они с Моне выработали свою технику письма широкими быстрыми мазками, обозначавшими фигуры людей и окружающую обстановку, но не выписывавшими детали. Эта недосказанность живописи не нравилась публике, а небрежность художественной манеры вызывала нарекания.

      В 1870-е гг. живопись Ренуара становится более пленэрной, световоздушная среда  объединяет пейзаж и фигуры людей  в многочисленных жанровых сценах, овеянных настроениями созерцательности, беззаботности, спокойствия. Он передает веселое оживление, увлеченность танцующих пар в картине «Бал в Мулен де ла Галет» (1876, Музей д'Орсе, Париж), выделяя фигуры переднего плана острой выразительностью движений. Образ человека лишен у Ренуара сложной психологической характеристики, глубины раскрытия внутреннего мира, но в нем — живая непосредственность, обаяние, жизнерадостность.

      Большая картина «Бал в Мулен де ла Галетт»  написана на парижском холме Монмартре, где в то время еще сохранились три деревянные мельницы, в одной из которых открыли ресторан «Мулен де ла Галетт». Здесь устраивались танцы, собиравшие разношерстную парижскую публику, в том числе и художников. Блики света кажутся пляшущими на дамских платьях и костюмах мужчин.

      У Ренуара образы, окутанные светом, появляются как результат неуловимого колдовства и готовы в любой момент исчезнуть. Картина «Бал в «Мулен де ла Галетт» далека от описательности; изображенные фигуры не являются портретами, хотя они написаны с реальных людей — самого Ренуара и его друзей. Главное в картине — это вихри света, цвета, воздуха. Жизнь как реальная данность заменяется впечатлением жизни, пьянящим светозарным очарованием, которое мгновение спустя растворяется в неопределенности. Жизнь, человек как таковой исчезают в волнах света, радужных многоцветных брызгах.

      Картина Ренуара — это праздник жизни, беззаботной молодости, необыкновенно радостной и светлой. Она являет собой своеобразный документ эпохи: здесь запечатлены парижский уголок, увеселения танцующих людей среднего класса. Ренуар посвятил большое полотно повседневному сюжету, что было непривычно для того времени.

      Для картин 1870-х гг. характерен интерес  О.Ренуара к выразительной, как  бы случайно подсмотренной жизненной  ситуации и обращение его в связи с этим к композиционному приему срезывания рамой персонажей картины. Полотна О.Ренуара созерцательные, лишены резких контрастов, нервной динамики и неожиданных ракурсов.

      Атмосферой  полного покоя и непринужденного  движения отмечено известное полотно художника «Завтрак гребцов» (1881, Национальная галерея искусств, собрание Филипса, Вашингтон), на котором особенно выделяется очаровательная фигура молодой кокетливой женщины с собачкой на руках, будущей жены художника.

      Вот весёлая, шумная компания, здесь все  свои: друзья-художники, их модели и  подруги, будущие жёны, актрисы, спортсмены. Обычная и привычная атмосфера улыбок, шуток и бесконечного флирта. Заросший берег, терраса любимого ресторана, на балюстраду которой опирается хорошенькая Альфонсина Фурнез, приятными собеседниками окружила себя актриса Элен Андре. А слева забавляется с лохматым пёсиком, тиская, словно игрушку, и разговаривая с ним, прелестная Алин в украшенной цветами соломенной шляпке. В эту белокурую с дивным цветом лица девушку успел без памяти влюбится Ренуар. Лёгкая и очень живая жанровая сценка: Ренуар уверенно закрепил на полотне мимику, жесты и позы героев. Справа на первом плане раскачивается верхом на стуле в майке гребца и канотье Гюстав Кайботт. Картина привела в полный восторг даже тех, кто не стал её героем. Она стала одним из наивысших достижений в его творчестве. 

      2. Женские образы  в творчестве Ренуара 

      Особым очарованием отличаются созданные Ренуаром женские образы. С их мягкой грацией тонко гармонируют цветовые решения, построенные на контрастах нежнейших перламутровых оттенков, которыми написана кожа_, с насыщенными темными тонами волос или костюмов.

      В 1875 Ренуар создал знаменитую «Обнаженную в солнечном свете» (Музей д'Орсе, Париж). Как явствует из звания, художник задумал написать девушку на природе: на ее нежной коже играют солнечные блики и рефлексы, отбрасываемые листвой, — то есть мастер поставил перед собой задачу истинно «импрессионистическую». Картина вызвала резкое неприятие как публики, так и критики. Обнаженное женское тело по канонам традиционной живописи нужно было писать идеализированно, продумывая эффектную «постановочную» позу модели и выписывая идеально гладкую кожу в теплых оттенках. Вместо гладкой кожи Ренуар показал блики и рефлексы, которые рецензенты назвали «трупными пятнами на разлагающемся теле»⁶.

      В следующем году художник написал еще одну «Обнаженную» (1876, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва). Ренуар, истинный ценитель женской красоты, любуется своей натурщицей. Молодую тонкую кожу он идеально гладко выписал оттенками розового.

      Огюст Ренуар на третьей выставке импрессионистов (1877) в числе других работ представил «Качели». Во французской живописи XVIII века существовал мотив качелей. «Качели» Ренуара (1876, Музей д'Орсе, Париж) — по сути та же «галантная сцена», заимствованная из живописи эпохи рококо и написанная на современный сюжет. Молодой человек, повернутый спиной к зрителю (что само по себе недопустимо в традиционном искусстве), слегка качает задумавшуюся девушку, стоящую на деревянных качелях. В восторге смотрит на неё, как и молодые люди, белокурый малыш. Качаются ветки, шелестят листья, колеблются короткие тени, прыгают по фигурам, одежде, лицам, по дорожке солнечные «зайчики». Шутки, смех, ликующая природа, лёгкая, счастливая жизнь.